(EN) Review of Magimc (Edoardo Marraffa, Thollem McDonas, Stefano Giust) “Area Sismica” for Jazz Word 2017 “An unconventional if accepted configuration at least since the Swing Era and most dazzlingly used by Cecil Taylor in the 1960s, the saxophone-piano-drums trio provides the proper balance of melody, rhythm and enrichment for a fulfilling recital. They’re like contemporary autos which attach contemporary upgrades to the standards that made the vehicle acceptable in the first place. Both captured in concert, [it's a twofold review, in addition to the Magimc's cd, Waxman writes about the Warsaw Concert of the longest-lasting group in free music, the Schlippenbach Trio - with Evan Parker and Paul Lovens - cd on Intakt Records], these trios bring individual concepts to this particular line up. Moving south and west, Area Sismica was recorded in the eponymous cultural centre of Forli, Italy by an occasional ensemble which had previously recorded a couple of CDs. The ratio of English speakers to non-Anglos is maintained however as American pianist Thollem McDonas and two Italians: tenor and sopranino saxophonist Edoardo Marraffa and percussionist Stefano Giust collaborate. Although a generation younger, like pilgrims along the same path, the three have played with almost as many international musicians as the members of the Schlippenbach trio. Sonic cohesion has to be negotiated at first in Forli as the elements of Marraffa’s, Giust’s and McDonas’ individual sequences move to fit together as snugly as light bulbs in lamp sockets. By “Ratio Systems”, the second track, all three are pushing themes forward with the exuberance of New Thing players but with more taste. McDonas’ strums and cascades vibrate timbres from the keyboard, inside strings and the soundboard, Marraffa’s split tones sparkle, and Giust sutures together the sections with rhythmic tick-tock accompaniment. To prove that not all is sharpness, smashing and screaming, at points here and on other tracks, the pianist dribbles out a calmer jumps and judders, while the saxophonist inhabits a breathy Coleman Hawkins-like tone. Moving from child-like buoyancy to sober mediations as they move though the recital, the trio leaps stratosphere high with kinetic pianism, kazoo-like reed cries and disconnected and multi-directional drumming at junctures, only to pull back into measured, swing sequences when least expected. Reaching a crescendo of affiliated textures, “Il Maestro” marks the zenith of the trio’s creativity, with trickster sound detours as prominent as roundabouts on a British highway. As solemn as a procession of dignitaries, McDonas reveals a rare reductionist strategy, repeating note patterns at slower and slower paces the better to intersect with Marraffa’s low pitches, which puff out with the minimalist motion of a carnivore stalking its prey. The proverbial calm before the storm, this almost horizontal motion eventually detonates into kinetic keyboard shards, percussion pounding bedlam and knotty reed breaths, but without ever losing track of the exposition. This vestigial addition notwithstanding, both CDs offer high-quality variations on the saxophone-piano-drums methodology.” (Ken Waxman)

(EN) Review of Magimc (Edoardo Marraffa, Thollem McDonas, Stefano Giust) “Area Sismica” for Free Jazz Blog 2016 “Magimc is a trio formed by Edoardo Marraffa on tenor and sopranino saxophones, Thollem McDonas on piano and Stefano Giust on drums and percussions. This is their second album together, a live recording of a concert held at Area Sismica, one of Italy’s main venues for free music. Marraffa, a powerful voice in Italian free jazz and a veteran of the scene, has an immediately recognizable tone on the tenor saxophone, reminiscent of the tradition of Fire Music, capable of intense atonal cries but also of more restrained tone color explorations. McDonas, a pianist and composer from California, shows impeccable technique and a strong contemporary sensibility, with an elegant approach to both melodic and harmonic developments. Giust, another important figure in the Italian free improvisation scene, acts as a sort of bridge between the freer expressions of the saxophone and the richly layered excursions from the piano, assuming different roles depending on the necessities of the performance, keeping all together or providing additional ideas with diverse stylistic approaches to the kit. The record follows a typical free music encounter, with the musicians carefully listening to each other, testing moods and expressions before committing to a common language. The group shows strong affinity and cohesiveness from the beginning, but the exploration process is always in full display, presenting an engaging overview of different improvisational strategies, from textural soundscapes to powerful rhythmic explosions, from simultaneous free jazz attacks to delicate melodic passages. Each musician has a strong personality, and the contrast of styles and instrumental voices constitute one of the most interesting aspects of this album, a sonic snapshot of both a working group and a spontaneous musical meeting, showing all the subtleties, difficulties and brilliant solutions to that most difficult task — listening and talking to each other, in spite of the differences.” (Nicola Negri)

(FR) Chronique de Magimc (Edoardo Marraffa, Thollem McDonas, Stefano Giust) “Area Sismica” par Orynx – Improv and Sound 2016 “La vie de ce trio puissant et intense continue son cours: énergie, exigence, expression puissante. Il y eut il y a très longtemps dans la free-music européenne une vogue: le trio piano-sax-batterie. Brötzmann/ Van Hove/ Bennink, von Schlippenbach/ Parker/ Lovens, Schweizer/ Carl/ Moholo, Alfred Harth/ Van den Plas/ Sven-Åke Johansson, et bien sûr, Cecil Taylor Jimmy Lyons et Andrew Cyrille ou le trio Ganelin et plus près de nous, Gush (Mats Gustafsson/ Sten Sandell/ Ray Strid). Énergie souvent surhumaine, radicalité du free-jazz, parfois «démolition» du piano, abandon des compositions ou des thèmes pour l’improvisation totale. Voici donc un trio qui persiste et signe. Un pianiste exceptionnel avec un toucher lumineux (Thollem McDonas), un saxophoniste ténor avec un son énorme et une singularité authentique (Edoardo Marraffa qui s’essaie avec bonheur au sopranino), un batteur puissant avec des idées originales (Stefano Giust), une cohésion et un sens de l’improvisation. 6 improvisations de durées de 6 minutes à 19′. Enregistré en 2011 lors du festival Area Sismica, leur musique a acquis une palette supérieure par rapport à leur excellent album paru chez Amirani et elle convainc sans ambages malgré une prise de son moyenne. Cette combinaison instrumentale permet des échanges musclés et variés et elle peut aisément impressionner le public lorsque les musiciens ont l’énergie à revendre et le talent de ces trois individualités. Mais on sent poindre un peu partout une volonté d’improviser, d’échapper à la routine, de changer la trajectoire, de varier le propos, d’alterner la puissance de l’expression spontanée et la réflection sur l’instant qui se joue, de raconter de vraies histoires… On entend des es passages où l’écoute très profonde est palpable… le vécu en quelque sorte. Et donc, c’est à un beau moment d’une aventure sincère qu’on assiste par le truchement de ce CD. Rien à voir avec la nostalgie… P.S. pour les amateurs de saxophone énergétique (Brötzm, David Ware, Mats Gust, etc. ce genre de choses) Edoardo Marraffa est un sacré client!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Area Sismica” per Alias/Il Manifesto 2016 “Il panorama della musica improvvisata in Europa è da sempre molto vivace e costantemente rinnovato da giovani musicisti che vi si dedicano con passione. Anche se meno visibile per colpevole mancanza dei media il nostro Paese può vantare numerosi improvvisatori eccellenti. Non solo i maestri storici o musicisti orami affermati ma tanti giovani impegnati a costruire una rete di luoghi e pratiche che stanno creando una comunità. Passati gli Appennini arriviamo nell’Emilia dove il batterista pordenonese Stefano Giust ha accampato la sua etichetta Setola di Maiale, oggi punto di riferimento irrinunciabile della free music nazionale e oltre. In “Area Sismica” lo troviamo scambiarsi scintille sonore con le ance di Edoardo Marraffa e i tasti di Thollem McDonas. Il trio è attivo da tempo e qui è ripreso dal vivo. Sei tracce che toccano punte di vera e propria ferocia. Dei tre questo è l’unico cd interamente improvvisato ma non per questo non vi si può godere di una forma seppur angosciata, perturbante, di energia insonne. Da ascoltare ad orecchie aperte.” (Flavio Massarutto)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Area Sismica” per Percorsi Musicali 2015 “Area Sismica è un locale di Forlì di proprietà di un’associazione culturale nata per promuovere concerti di musica eterodossa o meticcia nei generi; ha cominciato casualmente nel 1991 per poi riuscire ad organizzare con sistematicità parecchi festivals ed una stagione annuale. Inutile ricordare che in quella sala concerti sono passati molti estremisti della musica, lasciando, penso, ricordi indelebili. Tra i frequentatori attivi di Area Sismica ci sono anche i musicisti del trio Marraffa-McDonas-Giust che hanno avuto l’onore di esibirsi più volte. La seconda registrazione del trio conferma quel fremito che colpisce l’ascoltatore di fronte ad un set del genere; è una musica che richiede preparazione all’ascolto ma anche senza spiegazioni si comprende. Ed è perfetta per celebrare quel locale, perché non dona solo un’immagine musicale del “sisma”, ma rende visibile quel potenziale di creatività che è insito nei dna dei migliori musicisti. Come non mai nelle rispettive esperienze dei tre improvvisatori, il progetto Magimc risulta specchio della propria personalità: ognuno porta il suo stile in dosi ricercate, facendo emergere una visione matura della libera improvvisazione suonata in interplay, che non è assolutamente semplice da trovare in giro per i circuiti jazzistici. Edoardo Marraffa è uno dei migliori sassofonisti tenore italiani, è dotato sia in espressione che ruvidezza dei temi, riesce a creare quel potenziale attrattivo che si erige soprattutto nelle fasi più aspre, così come si faceva ai tempi nobili del free assoluto (Let’s change it ne è una piena dimostrazione). Thollem McDonas qui mette a disposizione il suo senso impressionista, con la capacità di sostenere qualunque compagno di viaggio: sentire Double Mind, in cui un arpeggio scomposto segue le dichiarazioni perdifiato di Marraffa, uno shock a cui siamo ancora lieti di sottoporci. In gran forma anche Giust, in una veste meno stick o di ricerca e più classica tra tamburi e rullanti; come al solito, capacità intuitiva di raccordo con gli altri musicisti tenuta alle stelle ed un crescendo percussivo che in Sismica lo vede quantomai protagonista, con un complicato controtempo che sfocia in furia espressiva. Ancora un set di altissimo livello.” (Ettore Garzia)

(EN) Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Area Sismica” One of the albums of the Poll 2015 by Donatello Tateo, on Tracce di Jazz.

Recensione di Nervidi (Michele Anelli, Dominik Gawara, Stefano Giust) “Classified” per Percorsi Musicali 2016 “Classified è una registrazione di una perfomance alla galleria d’arte dell’Atelier Giorgi a Torino, fatta dai Nervidi, un trio composto da Michele Anelli (contrabbasso ed elettronica), Dominik Gawara (basso e chitarra elettrica) e Stefano Giust (batteria, cimbali ed altri oggetti). Qui il processo creativo è volutamente schizofrenico, ma la novella positiva è che sembra essere una dimensione fatta apposta per i musicisti coinvolti; nell’ascolto passano nella memoria, in maniera asincrona, pezzi di storia della musica e dell’arte: gli incubi delle distorsioni di Hendrix, la via espressionista degli artisti della SST Record o la tecnica a sguscio (il dripping) di Pollock. Anelli e Gawara fanno un tour de force sulle corde, viaggiando su di esse in tutti i modi più eclatanti possibili, sia con tecniche di estensione che avvalendosi delle stranezze di un pò di elettronica viva. Giust, peraltro, dà una dimostrazione verace del suo talento: raramente ho ascoltato un batterista viaggiare alla velocità della luce quanto fa lui e in questo progetto ha la possibilità di farlo; e non deve nemmeno sorprendere la creazione vivida dell’anguish surrettizia, qualità che ebbi modo di scoprire nel solo di Ossigeno a Torino, durante gli esperimenti di Saori D’Alessandro. Sotto questo profilo Stefano è veramente unico. Classified è improvvisazione libera che non conosce pause, deliberatamente atonale ed aggressiva (e per questo potrebbe non piacere), ma certamente di contenuto: quel rischio di insuccesso che si può presentare quando si cercano strade impervie con la sperimentazione, in Classified è totalmente annullato; altro che No more Pollock in the sky. Qui siamo tornati a terra.” (Ettore Garzia)

Recensione di Nervidi (Michele Anelli, Dominik Gawara, Stefano Giust) “Classified” per Kathodik 2016 “Una smazzata di carne cruda, tirata su muri e pavimento della galleria d’arte torinese Atelier Giorgi sul principio del 2016. Macchina frullatutto che afferra, taglia, affetta, sminuzza e sputa brandelli non omogenei a ciclo continuo. Groviglio fitto di eccitazione fanciulla capitombolante ed atonalità complessa d’insieme (lavorata di muscoli, sudore e frullino). Un trio impro da sbarco sul limite della slogatura, Stefano Giust (batteria, cimbali e oggetti), Dominik Gawara (basso, chitarra) e Michele Anelli (contrabbasso, basso, elettronica). Pesti e carogneschi, a mozzicar le caviglie dei belli e belle spalmati sul muro con occhi sgranati e mascelle slogate di meraviglia. Roba non quieta, che quando s’espande diventa più infida, trafitta dall’elettronica in pose grottesche. Poltiglia che incrocia strepiti di etnie, sfarfallamenti trafelati fra Coleman e Residents, urbanizzazioni pesanti alla Laswell / Massacre, lividi, spunti e ossa rotte come su SST, rattoppi cameristico /elettroacustici da cartoon lisergico in bad trip solarizzato. Se non si ha paura di un pugno sul naso, gran bel digrignar Classified.” (Marco Carcasi)

Recensione di Jean-Luc Guionnet / Markus Krispel / Boris Janje / Stefano Giust / Miklós Szilveszter “Live Spomen Dom” per Percorsi Musicali 2016 “Il concerto del quintetto si tenne nell’ambito della cornice dei tre giorni di musica improvvisata, tavole rotondi e discussioni musicali tenute in quel paesino della Croazia; è qualcosa che vive essenzialmente sul contrasto tra sassofoni e batterie nel solco free jazz scavato tanto tempo dal New York Art Quartet e dal Coltrane dell’indispensabile Ascension; anche Brotzmann ne ha dato un contributo essenziale nel passato, ma la pratica dei rafforzamenti degli strumenti (doppio sax, doppia batteria) in contrapposizione, non mi sembra una strada molto battuta almeno nella recente free improvisation, il che rende interessante verificare fino a che punto si può spingere il livello della furia improvvisativa senza eccedere nel pericoloso gioco della muscolatura; l’esibizione rispetta la suddivisione tensione-rilassamento-tensione, in una performance valida e coraggiosa di questi tempi. L’unico limite di “Live Spomen Dom” è forse la volontà di dare un abito grezzo alla registrazione (sulla quale si dovrebbe indagare un pò di più), che a conti fatti, non riesce a smussare l’aria bombastica che inevitabilmente si avverte di fronte alla perdita delle proprietà singole degli strumenti, così da non restituire la perfetta collocazione dei suoni nella presa d’ascolto.” (Ettore Garzia)

Recensione di Jean-Luc Guionnet / Markus Krispel / Boris Janje / Stefano Giust / Miklós Szilveszter “Live Spomen Dom” per Sands-zine 2016 “Un’altra grande lezione di jazz in libertà. A breve distanza da “Apnea” [SM3130] torniamo a scrivere di Stefano Giust e della sua Setola di Maiale, e dobbiamo nuovamente farlo per recensire un altro ottimo disco di jazz in libertà. Pure le differenze fra “Apnea” e “Live Spomen Dom” sono palpabili. Innanzitutto in quel caso il collettivo era composto solo da strumentisti italiani mentre questo è un autentico gruppo paneuropeo che rappresenta il centro del continente da est a ovest (attraverso l’ungherese Miklós Szilveszter, il croato Boris Janje, l’austriaco Markus Krispel, il friulano Stefano Giust e il francese Jean-Luc Guionnet. In secondo luogo quella era una formazione scomposta mentre questa è prettamente geometrica, sul tipo di quella inaugurata da Ornette Coleman in “Free Jazz”, e nello specifico ricorda una crux decussata con al centro il contrabbasso di Janje, in alto le cuspidi formate dai sax alto di Guionnet e Krispel e alla base i tamburi di Szilveszter e Giust. Infine in “Live Spomen Dom” il suono è più d’insieme, come prodotto da un sol uomo, e soprattutto nel primo brano vengono evocati i collettivi più massicci dell’Ayler di “Bells” e del Brötzmann di “Balls” (scusate la licenza poetica). Il secondo brano si differenzia per suoni più intrecciati, che giocano a rincorrersi. Comunque ottimo, musicalmente, e anche un buon viatico per un continente in crisi d’identità.” (Pietro Brozzo)

(FR) Chronique de Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” par Improjazz/Orynx-improvandsounds 2016 “Stefano Giust, le batteur du groupe est l’infatigable cheville ouvrière du label alternatif Setola di Maiale dont le catalogue débordant rassemble tous les noms de presque tous ceux qui sont impliqués dans les musiques expérimentales, free jazz, improvisées radicales etc. d’Italie. Ahurissant travail de fourmi. La qualité graphique des centaines de CDr ou CD, souvent emballés dans des digipacks minimalistes, est remarquablement soignée. Il trouve le temps de prêter main forte à des camarades provenant de toutes les régions d’Italie avec son drive énergique et sa capacité d’intégrer les projets les plus divers avec sincérité et une réelle justesse de ton. Ici dans la Cantina Cenci de Tarzi, Treviso, il propulse les souffleurs Ivan Pilat (sax baryton) et Luciano Caruso (sax soprano incurvé) avec la contrebasse de Fred Casadei. Un beau moment fait de sincérité, d’énergies croisées, du souffle de Caruso qui évoque Steve Lacy ou mieux les accents de Steve Potts et se découpe sur la succession de vagues et de ressacs. Enthousiasmant, chaleureux, le son du blues. Même si les souffleurs ne sont pas des «tueurs», l’émotion est indéniable. L’axe du free-jazz souffleurs – basse – batterie dans un dimension tout-à-fait improvisée sans pour autant casser les codes de cette configuration instrumentale. Un bon point. Ce qui compte aussi pour Stefano, c’est de jouer avec de vrais potes aussi allumés que lui sans se poser de questions. Le jazz par essence est la musique de l’instant qui frôle l’éternité. C’est bien le sentiment qu’ils parviennent à partager!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione di Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” per Sands-zine 2016 “Una grande lezione di jazz in libertà. Ecco un disco che avrebbe meritato di più, ma escono tanti di quei dischi di alta qualità ed è assolutamente impossibile mettere tutti in top-position! Registrato in concerto, quindi in presa diretta senza trucchi né inganni, “Apnea” ci offre sia uno splendido risultato d’insieme, grande impro collettiva incastrata nella tradizione free, sia ottime performance da parte dei quattro musicisti coinvolti (tutti talenti già dotati di un importante curriculum). Molto interessanti gli incastri fra i due strumenti a fiato, ora in contrappunto e ora in call & response, con Luciano Caruso che sembra prendere il sopravvento su Ivan Pilat, non tanto per una sua più alta maestria, o per una sua posizione di preminenza all’interno del quartetto, quanto per la maggiore agilità del suo strumento (un sax soprano) rispetto a quello del suo compagno (un sax baritono). Ivan Pilat, d’altro canto, oltre che un ruolo solista sembra qualche volta assumere anche quello di rafforzamento della sezione ritmica. Quest’ultima è impeccabile e, in più d’un occasione, esula dal suo ruolo prestabilito per farsi soggetto solista. Giust eccelle, come sempre, con il suo batterismo pieno che gioca più sulle geometrie che sui colori. Casadei è presenza costante e si prende i suoi spazi, sempre felicemente utilizzati, sia nel pizzicato sia con l’archetto. L’acquisto del disco è altamente raccomandato, così come raccomandata, qualora fosse possibile, è la presenza a un concerto del quartetto. Grazie a Caruso, Casadei e Pilat, e un doppio grazie a Stefano Giust, per la musica e per il disco che la contiene. La nota finale è infatti indirizzata a ribadire il ruolo fondamentale svolto dalla “Setola di Maiale” nella documentazione di quanto il fertile humus dell’improvvisazione va producendo in Italia.” (Alberto Raile)

Recensione di Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” per Percorsi Musicali 2016 “Apnea è un’esibizione fatta alla Cantina Cenci di Treviso nel gennaio di quest’anno con quartetto formato da Luciano Caruso (curved soprano sax), Ivan Pilat (baritone sax), Fred Casadei (contrabbasso) e Stefano Giust (batteria): il disegno grafico che domina l’aspetto del cd è anche indicativo del tipo di soluzioni che si vogliono rappresentare: sono ragnatele di linee colorate libere e non geometriche, dove è possibile anche scorgere ad un certo punto una conglomerazione, una matassa che sembra un occhio che vigila sull’impianto visivo. L’improvvisazione qui segue lo stesso percorso: è un free jazz scomposto, che ad un certo punto si concentra nelle attenzioni dei solisti (succede ad esempio a beneficio di Casadei nell’intro riflessivo di Untitled Flower, nella carambola percussiva di Giust in Untitled Skies, a Caruso nelle legature progressive del finale di Untitled State, a Pilat nell’entrata in Entitled Person dove nel frattempo l’ambiente è virato nel pirotecnico). In Apnea ci sono elementi a iosa per quantificare e certificare l’astrazione potente della musica: i due sax riscuotono i loro momenti migliori nel legarsi in sintonie prive di riscontro armonico, ma l’impressione è che sia il reparto ritmico ad avere il predominio delle operazioni. Con un intraprendente Casadei al contrabbasso ed un Giust in gran spolvero, smagliante nel proporre una trama poliritmica, assecondata da giochi percussivi e caratterizzazioni personali, non c’è dubbio che si stesse proprio bene in quella cantina, quel giorno. Quanto a Giust sarebbe arrivato il momento di sbilanciarsi nuovamente in una prova totalmente solistica, guidata comunque dall’aspetto percussivo, in cui materializzare l’esperienza e i risultati acquisiti in una carriera eclettica a cui manca (l’ho detto forse altre volte, ma lo ripeto!) solo il riconoscimento internazionale.” (Ettore Garzia)

Recensione di Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” per All About Jazz 2017 “Registrato dal vivo nel gennaio del 2016 a Tarzo, in provincia di Treviso (“Northeast Italy,” riporta la copertina), Apnea inanella cinque improvvisazioni realizzate da un quartetto di musicisti assai adusi a questo genere musicale. Una formazione che affianca a due sassofoni timbricamente opposti quali il soprano ricurvo di Luciano Caruso e il baritono di Ivan Pilat una ritmica “classica,” con Fred Casadei al contrabbasso e Stefano Giust (anima dell’etichetta Setola di Maiale che pubblica il CD) alla batteria. L’andamento della musica è, ovviamente, classicamente proprio dell’improvvisazione radicale: dialogo serrato a partire dagli spunti offerti da uno dei musicisti—all’avvio l’onore e l’onere spetta a Casadei—e poi sviluppato attraverso il progressivo intervento degli altri, singolarmente o assieme. Quel che ne viene fuori è un discorso prolungato, suddiviso in cinque tracce ma palesemente privo di una soluzione di continuità, dotato di un forte spessore drammaturgico e di grande comunicativa emotiva: ci si trova a muoversi, quasi a ballare sulle linee, per quanto sghembe, disegnate dal soprano ricurvo di Caruso—tematicamente il protagonista in un quartetto comunque paritetico—sostenuto dal cangiante battito del contrabbasso di Casadei, e ci si sorprende fisicamente scossi dagli scoppiettanti interventi del baritono di Pilat e dalle evoluzioni ritmiche della batteria di Giust. Può sembrar strano, visto che la musica non è mai né lineare, né prevedibile, anzi è sempre inquieta e priva di riferimenti: ma è viva, palpitante, basta attenzione e ti cattura. Ascoltando dischi così viene da chiedersi quanti siano oggi, specie in Italia, gli ascoltatori in grado di seguire e godere di questo genere di musica; la quale, però, non ha nulla di “difficile” o di criptico, non richiede una speciale preparazione per essere ascoltata, ma è solo un genere di musica completamente diverso da quello che si è soliti ascoltare alla radio, in TV, nei festival—inclusi ahinoi quelli di jazz. Una musica inaudita, della quale bisognerebbe richiedere fosse insegnato l’ascolto ai bambini fin dalle scuole elementari. Che scelgano dopo cosa preferire, ma consapevoli che esiste anch’essa e sapendo come ascoltarla. Oggi non è così, e molti si perdono qualcosa, nella musica e non solo in essa.” (Neri Pollastri)

Recensione di Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” per Strategie Oblique 2017 “Si tratta di una sessione basata sull’improvvisazione d’insieme, dalla quale derivano cinque tracce dal profondo senso di libertà, dove ognuno dei musicisti coinvolti è chiamato al reciproco scambio d’idee, tra rimandi, contrappunti, dialoghi e tangenti soliste. Un’estetica free form – che in certi casi provoca grovigli sonori, in altri passaggi dal profilo più delineato – che conosce anche momenti leggibili, costruiti attraverso piccole citazioni, gruppi di note, astrattismi e forza espressiva.” (Roberto Paviglianiti)

Recensione di Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” per L’Isola 2016 “Veniamo a una delle etichette più “spinte”, sul piano estetico, del panorama nazionale, la friulana Setola di Maiale. Apnea, con uno dei massimi cultori dell’eredità di Steve Lacy, Luciano Caruso (sax soprano, ovviamente), Ivan Pilat al baritono, Fred Casadei al contrabbasso e Stefano Giust, deus ex machina di Setola di Maiale, alla batteria. Una musica di sicuro spessore, frutto di improvvisazione totale ma da parte di gente che ben conosce (e quindi gestisce) la materia. Una piccola gemma.” (Alberto Bazzurro)

Recensione di Luciano Caruso / Ivan Pilat / Fred Casadei / Stefano Giust “Apnea” per Kathodik 2017 “Cinque saette di suono libero riprese dal vivo in quel della Cantina Cenci di Tarzo (Treviso) nel Gennaio del 2016. Due sax (soprano e baritono, Caruso / Pilat), una sezione ritmica da sconquasso (Giust / batteria, Casadei / contrabbasso). Esperienza, inventiva, eleganza ed urgenza. Che s’apre con l’archetto di Casadei ad introdurre una carezzevole mareggiata di cruda spiritualità free, con i due sax che s’aggrovigliano tra cenni afroamericani e poliritmi noir frenetici, poi rintocca un gong e gli spazi si ampliano. Un’arcaica contemplazione di visi e terra cotti dal sole nella pulsazione sincronica di corde pizzicate e rantoli metallici in sferraglio organizzato, del bop nel mezzo e nel fondo. Ci si incita vicendevolmente, si barrisce all’unisono in un fremito che scuote corpo e coppino, una zuffa amichevole, di quelle che alzano polvere, rilasciando sudore a profusione e qualche livido, poi, a colpi di glottide, bacchette su pelli, legni e metalli, archetti e qualche rantolo, s’individua un nuovo orizzonte da indagare/forzare, mentre un richiamo ornitologico si vibra a mezz’aria. Giunge da lontano e travolge, un ciclo ritmico implacabile, figlio delle periferie del mondo, che a tratti par quasi motorizzato nella sua deragliante traiettoria, lampi e avvitamenti che affettano, mentre geometrie di corde trattengono il tutto sui binari e poi a collassar di volume, intenzionalmente, come una scia di carburante combusto che appare, tremola e scompare nel cielo. Puzza di tabacco, sudore e uno gnignino di vino rosso, stremati faccia a terra in una memoria blues fatta di una vibrazione incerta. E che gli dici? Niente. Strabuzzi gli occhi e ringrazi mentre tutto si spezza.” (Marco Carcasi)

Recensione di Gamra (Paed Conca, Eugenio Sanna, Patrizia Oliva, Stefano Giust) “Pow” di Stefano Arcangeli, 2016 “L’improvvisazione, ricordava Derek Bailey, non è tanto un modo particolare di suonare quanto piuttosto un metodo di produrre musica. Il musicista improvvisatore va alla ricerca di una base sulla quale poter lavorare con chiunque; una volta individuatala ci lavora sopra. E quando lavora con certe altre persone, allora quello può essere l’unico momento in cui occupa quella determinata base. La musica improvvisata comporta una piena comunione di intenti e sentire, una solida preparazione che, sola, evita il caos gratuito e velleitario, e una lucida progettualità che lasci ampio spazio alle intuizioni del momento e che consenta comunque un’ampia libertà espressiva individuale sempre nel rispetto del gruppo di cui ciascun improvvisatore fa parte. Questo eccellente quartetto, colto durante una suggestiva perfomance dal vivo, funziona perfettamente in quelli che sono i suoi meccanismi essenziali, così consentendo la creazione di una musica viva in continuo movimento e mutamento, senza che mai venga perso di vista l’obbiettivo comune, pur nel rispetto e nella piena valorizzazione delle qualità individuali. In Patrizia Oliva la voce umana si fa strumento: ogni istante della sua musica sembra essere l’affascinante risultato dell’incontro di riflessione e piacere, di intelligenza e sensuale gioia. Approfittando della sua notevole estensione vocale, pare celebrare ogni singola nota e ogni singola sensazione, attraverso la visitazione di tutte le emozioni, senza che il virtuosismo fine a se stesso cancelli l’emotività, la passionalità, l’umano calore nel suo desiderio di venir comunicato. Se con Oliva la voce umana si fa strumento, lo strumento (il clarinetto) di Conca si fa voce umana: il suo linguaggio è emotivo e si sviluppa attraverso un ininterrotto susseguirsi di timbri e toni quanto mai vari, spaziando con naturalezza da quelli più alti ed aspri a quelli più bassi, scuri, che conferiscono al suo procedere sonorità arcane di grande efficacia, particolarmente incisivi nelle sequenze che lo vedono impegnato nei frequenti faccia a faccia con la voce di Oliva e con la chitarra di Sanna. Pioniere dell’investigazione del suono e delle sue molteplici risorse timbriche della chitarra tramite la distorsione elettrica (pur sempre al servizio della musica), Sanna si conferma figura imprescindibile nell’ambito della contemporanea musica improvvisata europea. Il ruolo che qui assume non è quello dell’accompagnamento ma quello della frizione, attraverso il quale anima situazioni sempre cangianti, da quelle più riflessive a quelle più furiosamente creative (notevole la sequenza che vede opporsi e miracolosamente integrarsi la sua chitarra e il clarinetto di Conca). Anche il lavoro percussionistico di Giust risulta essenziale: rigettando il ruolo tradizionale di “rhythm maker”, impiega il proprio armamentario come una voce indipendente che liberamente crea sonorità e frasi assolutamente paritarie rispetto alle altre, con esse combaciando perfettamente, controllandone dinamiche e clima dall’interno in un susseguirsi perentorio di intuizioni e soluzioni. Concludendo: un documento importante, affascinante nel suo svolgimento. Una proposta musicale coraggiosa che testimonia la vitalità di scelte espressive meritevoli di maggior diffusione nel nostro paese, ancora troppo legato a canoni estetici di fruizione e a canali massificanti e arretrati.” Stefano Arcangeli, ex insegnante di filosofia, è stato un giornalista attivo, saggista, critico musicale e recensore per la rivista “Musica Jazz”, per più di trent’anni. Ha creato negli anni ’72-’73, l’associazione “Pisa Jazz” che ha dato origine al CRIM (Centro per la Ricerca sull’Improvvisazione Musicale) e di cui è stato il primo presidente.

(FR) Chronique de Gamra (Paed Conca, Eugenio Sanna, Patrizia Oliva, Stefano Giust) “Pow” par Improjazz/Orynx-improvandsounds 2016 “Enregistré au festival Chilli Jazz / Limmitationes à la frontière austro-hongroise, ce remarquable quartet met en présence des personnalités tranchées avec des univers bien distincts qui tentent avec succès d’agencer leurs flux, leurs rêves, leurs singularités en créant des espaces, des moments d’écoute ou des vagues d’emportement. La guitare saturée et bruitiste du Pisan Eugenio Sanna dose son énergie brute et électrocutée en respectant la balance du groupe. Ludique. En effet, il y a la voix amplifiée et entourée d’effets électroniques de Patrizia Oliva (loops, réverb) qui raconte des histoires, transforme des mots ou s’élève au dessus de la mêlée voix blanche ou vociférée. Paed Conca transsubstantie le souffle, la colonne d’air, les spirales démultiplie les roulements accentués de guingois de Stefano Giust, un vrai batteur de free-music, ou musarde par dessus les ricochets et les harmoniques. Le jeu détaillé, énergique et aéré de Giust attire l’écoute sans jamais envahir l’espace sonore et se fond parfois entièrement dans les strates respectives de ses camarades. Deux longues pièces où la précipitation côtoie la méditation, où l’action déplace constamment les centres de gravités dans de belles métamorphoses sonores et poétiques etc… Chacun fait de la place à l’autre et tous œuvrent pour que chacun ait son mot à dire avec de multiples niveaux d’énergie, de cohésion ou de charivari assumé. La dynamique de jeu convainc bien au-delà des imprécisions de la prise de sons. Un bon point à chacun et kudos pour ce quartet atypique.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione di Gamra (Paed Conca, Eugenio Sanna, Patrizia Oliva, Stefano Giust) “Pow” per Percorsi Musicali 2016 “Tra le novità discografiche in Setola di Maiale qui vi propongo tre quartetti italiani [oltre a questo, Aghe Clope e Il Grande Drago], fisiologicamente differenti, ma che conducono verso un auspicabile concetto di rinnovamento vero del jazz. In un momento in cui si piange la scomparsa di Pierre Boulez, molti ne riconoscono le qualità stranianti, specie quelle che in età giovanile fissarono uno standard impegnativo per l’ascoltatore su più fronti. Da Schoenberg a Messiaen, passando per Cage e Stockhausen, il mondo musicale ha riconosciuto un’eredità scomoda ed influente al tempo stesso, attraverso tanti esperimenti sparsi a macchia d’olio nella formazione dei musicisti di ogni genere e grado. Segnati da questo secondo novecento alternativo, spesso i musicisti ne hanno condiviso le risposte emotive ed ambientali piuttosto che quelle teoriche e negli anni in cui tanto si discuteva di atonalità e serialismo come nuove pietre angolari della libertà nella musica, nel jazz le stesse libertà venivano invocate da Braxton o Mitchell per il free jazz al pari di un sinonimo, facendo nascere una spinta composita vissuta nei territori degli equivalenti improvvisativi: se prendiamo in esame il quartetto di Paed Conca (cl) Eugenio Sanna (ch) Stefano Giust (bt) e Patrizia Oliva (voc) la caratteristica della stranezza del rivestimento musicale ne è ancora una dimostrazione: si è alla ricerca di una articolazione sonora che vive di parecchie constatazioni di raccordo con la contemporaneità della musica e in questo senso è tutto dimostrabile sotto il profilo dei risultati. Sotto un’incalzante percussività (Giust sui carboni ardenti) ottenuta in un concerto tenutosi al Chilli Jazz Festival a Heiligenkreuz nel settembre 2014, si sviluppano due suites che scintillano di elementi incongrui, che si presentano comunque idiomatizzate; soprattutto nella prima “relazione” di pensieri profusa da Let me know your thought (forget my truth), funziona un impervio solismo che libera capacità e lavora sulle potenzialità: Conca con assoli brucianti, Sanna con ipnotismi divisi tra il graffio e il feedback chitarristico, Oliva che stabilisce un ponte tra varie configurazioni della vocalità (sprazzi del canto jazz, del melodramma atonale, della voce alterata dall’elaborazione elettronica, per citarne solo alcune) costruiscono un prodotto ruffiano, impetuoso, a tratti orientalizzato; nella seconda “relazione” la suite Let me know your thought (don’t be silence) impone per approfondimento una situazione ancora più subdola (direi al limite di un viaggio psichedelico), che viaggia in mondi sonori impensabili, guidata dall’assoluta perizia dei quattro musicisti. Inutile quasi ribadire che esperimenti come questi sono una panacea per la musica progettuale.” (Ettore Garzia)

Recensione di Gamra (Paed Conca, Eugenio Sanna, Patrizia Oliva, Stefano Giust) “Pow” per Blow Up 2016 “Impro Magnetica. “Pow” è la registrazione di un’esibizione tenuta al Chilli Jazz Festival di Heiligenkreuz im Lafnitztal, Austria. Come da tradizione Setola di Maiale, anche questo lavoro va a situarsi in un territorio ibrido dove il free jazz sfuma completamente in un’improvvisazione che reca con sè una forte componente fisica, quasi rock. Nelle due suite in questione a svettare è la voce stregonesca e straniante della Oliva, supportata da un’impalcatura capace di creare ansia e attesa. Musica vitale.” (Antonio Ciarletta)

(FR) Chronique de Aghe Clope (Giorgio Pacorig, Paolo Pascolo, Andrea Gulli, Stefano Giust) “Blind Mind” par Improjazz/Orynx-improvandsounds 2016 “Ce n’est pas leur premier album et cela s’entend, Aghe Clope est un groupe homogène et original qui partage la scène depuis de nombreuses années. Enregistré live en Slovénie à Maribor et au Brda Contemporary Music Festival en septembre 2013 à l’exception du premier court morceau au RE:Trax Complete Communion TRAxART Incursioni Sonore à Bertiolo, cette musique d’improvisation libre est connectée /connotée post-rock – électronique – glitch ludique. J’apprécie particulièrement l’empathie entre les claviers de Pacorig et l’électronique de Andrea Gulli, ces deux-là créent un univers sonore tour à tour coloré, interactif, éthéré, parfois brut et même pointu au niveau des textures. Paolo Pascolo n’a aucun mal à insérer ses notes tenues ou ses pépiements et l’inventivité de Stefano Giust, en grattant, ferraillant ou rebondissant crée un relief plein de détails / une activité percussive qui complète les sons de l’ensemble à très bon escient. Les quatre musiciens s’écoutent admirablement tout en privilégiant une diversité/ discontinuité d’intentions et de stratégies. Valse hésitante, questions sans réponses, atmosphère mystérieuse, sons intercalés, juxtaposés, coq à l’âne, planures ou heurts intempestifs. Une série de procédés de jeux et un esprit propre à ces Aghe Clope fait qu’il me semble bien n’avoir rien entendu de semblable. On a plaisir à écouter l’ensemble sans devoir se poser la question des contributions individuelles tant le tout est cohérent tout en travaillant sur le disparate, l’éphémère, le transitoire. Un bon nombre d’auditeurs sensibles à ces sonorités électriques et ce genre d’univers y trouveront leur compte et gageons qu’ils vont être gagnés par la cohésion de leur démarche librement improvisée. Car c’est le point fort du groupe!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione di Aghe Clope (Paolo Pascolo, Andrea Gulli, Giorgio Pacorig, Stefano Giust) “Blind Mind” per Percorsi Musicali 2016 “La freschezza di una giudiziosa attività sperimentale nell’ambito improvvisativo, coinvolge anche un altro collaudauto progetto in casa Setola (stavolta in dualità produttiva con la Dobialabel), quello del quartetto Aghe Clope, che viene ripreso in una registrazione che è testimonianza di brani ricavati da performance del gruppo tratte essenzialmente da concerti svolti in Slovenia. Cover accattivante e improvvisazione spiritata sono le prime segnalazioni di un progetto musicale in cui è piuttosto importante l’elemento elettronica vissuto come sempre in funzione misteriosa: flauto o sax alto (Paolo Pascolo) in modalità pifferaio magico, oggettistica percussiva da campo indios (Stefano Giust), tastiere allucinate (Giorgio Pacorig) assieme agli specifici consigli di elettronica di vario genere (Andrea Gulli a nastri, sintetizzatore e laptop) hanno il compito di sostenere un movimento eretto come probabile rito in negativo della società attuale, in cui basta guardare a Jednou Nebe per verificare il prototipo di viaggio sonoro che si vuole raggiungere: sono sensazioni che allontanano di molto il jazz, lo proiettano trasfigurato in eteree e libere forme di linguaggio, comunque ribollenti di suoni. E’ come sentire gli Art Ensemble of Chicago dei sessanta immersi in una straniante sperimentazione, che ha però ancora una sua precisa godibilità. E già questo è di per sé un risultato allettante e concreto. (Ettore Garzia)

(EN) Review of Neu Musik Projekt (Guido Mazzon, Marta Sacchi, Stefano Giust) “S/T” for Free Jazz Blog 2016 “Guido Mazzon is one of the main protagonists of Italian free jazz since the Seventies, with adventurous groups like Gruppo Contemporaneo and Italian Instabile Orchestra and important collaborations – with Lester Bowie, Andrew Cyrille, Anthony Braxton, Cecil Taylor to name a few – and he’s still very active in experimental music today. Stefano Giust is from a younger generation that helped shape the free improvisation scene in Italy from the ’90s onward, and he’s also an important promoter of these musics with his record label Setola di Maiale, while Marta Sacchi is a young clarinet player with a classical background and experiences in various musical styles and theatre performance. Neu Musik Projekt, their first record together, opens with the sound of bells, soon joined by a trumpet drone and a slow melody from the clarinet, suggesting a filmic o theatrical dimension that develops throughout the album in a wide array of musical situations. The list of instruments used by the musicians is long, but every track is carefully built to make the best use of the chosen instrumentation, even if some of the most impressive tracks of the album, like Per altre vie or Curcuma’s Days, are those in which the core combo of trumpet, clarinet and percussions is used. In these pieces the musicians work on their respective strengths: Mazzon on trumpet has a confident voice and an agile phrasing, searching for new sounds and moods with an expert use of mutes. Sacchi’s clarinet perfectly complements him with a beautifully controlled tone and elegant melodic inventions, while Giust is constantly experimenting with new sounds, suggesting rhythm more than stating it, or negating it altogether. The album explores different musical styles and brilliantly blends them into a cohesive whole, from the peculiar mix of contemporary composition, spoken word interludes and melodic inventions of But Do You Remember?, to the South American atmospheres of Santiago, with the rolling drums of Giust supporting the multi thematic lines woven by Sacchi and Mazzon. Other tracks veer to contemporary territories, like the Short Pieces, three musical miniatures that revolve around contrasting instrumental relations; or into more abstract atmospheres, like Già, where multiple instruments are used by Mazzon and Sacchi, creating an ever-changing soundscape over the relentless percussion work of Giust, with spoken snippets giving continuity to the performance. The range of styles and moods explored in this record is surprising, going well beyond the jazz or improv labels, revealing a complex, sometimes puzzling but always fascinating musical world, explored with humor and passion.” (Nicola Negri)

Recensione di Neu Musik Projekt (Guido Mazzon, Marta Sacchi, Stefano Giust) “S/T” per Percorsi Musicali 2016 “(…) Neu Musik Projekt è il trio che Mazzon ha imbastito per la parte musicale, trio che lo vede suonare assieme alla clarinettista Marta Sacchi e al percussionista Stefano Giust, mentre “Per altre vie, incursioni nella filosofia della musica”, sono le circa 100 pagine di un volumetto edito Apollo e scritto assieme al filosofo Guido Bosticco. Diametralmente speculari, le due dimensioni (musicale ed editoriale) ricreano quello che la musica del Novecento non perfettamente allineata ha fornito alla comunità dell’ascolto e che Mazzon ha fatto irrimediabilmente sue. Nell’ambito delle considerazioni musicali Neu Musik Projekt ci rapporta del tentativo di raggiungere una dimensione metafisica, già percepibile alle prime note del lavoro, tramite uno scampanio corredato di emulazioni sonore, un’azione propedeutica alla comprensione delle “altre vie” che scorrono nell’ascolto: la materia del sentire (dove l’ascolto è l’intendere della musica che rigetta la semplice fruizione fisiologica), la complessità del silenzio (“esso si espande come un vapore ed occupa tutto lo spazio che incontra”), le “relazioni” tra gli improvvisatori (Guido parla di relazioni e rifiuta l’insufficiente valenza dei dialoghi), la grandiosità della partitura visiva (una frontiera didattica imprescindibile per l’esplorazione dell’improvvisazione) sono tutti elementi che tengono in ostaggio una fitta quantità di rapporti dove si mischiano la risonanza, il free jazz, la ricercatezza melodica, il reading letterario, la tecnica astrusa. Mazzon ha più volte ribadito di come la sua visione sia invecchiata rispetto a quello che offre oggi il jazz, ma di come essa possa restare l’unica via per concertare senza nessun pregiudizio l’espressione creativa, su quei presidi necessari ad una corretta funzionalità dell’improvvisazione. Kierkegaard affermava che laddove i raggi del sole non arrivano si possono comunque ascoltare i suoni ed in tal senso si può certamente arguire che le propensioni sonore di Mazzon, Sacchi e Giust si incurvano per costruire un effetto similare da scovare dentro le colonne d’aria degli strumenti, nella risonanza aggiunta di una percussione metallica o all’interno della lega di una campana.” (Ettore Garzia)

(EN) Review of Being Together (Lotte Anker, Jakob Riis, Nguyen Thanh Thuy, Ngo Trà My, Pham Thi Hue, Sonx, Kim Ngoc, Terje Thiwång, Henrik Frisk, Patrizia Oliva, Stefan Östersjö, Burkhard Beins, Stefano Giust) “Hanoi New Music Festival Ensemble 2013″ for Jazz Word and also MusicWorks magazine #124 Spring 2016 “Although more closely associated with 1960s’ Vietnam War designators like the Ho Chi Minh trail and the Hanoi Hilton, there’s now an improvised music scene in Hanoi and this disc celebrates the city’s first-ever New Music Festival. A three-party piece based on a graphic score by Danish saxophonist Lotte Anker, the performance was the finale of the 10-day fest with participation from five locals playing traditional instruments as well as eight attendees from Sweden, Denmark, Italy and Germany. Many attempt at creating cross-cultural music fall into the category of so-called World Music, which slams together divergent sounds with the brutality of trying to erect a Trump Tower next to the Trấn Quốc Pagoda, Hanoi’s oldest Buddhist temple. Dissonance works in Being Together’s favor however. Plucked textures from the đàn đáy (three-string Vietnamese lute) or đàn bầu (one-string indigenous zither), sit comfortably alongside manipulated drones from the electronics of Jakob Riis, Patrizia Oliva and Henrik Frisk. Resolution arrives in “Part 3” in a performance of near-Free-Jazz abandon as tones from Anker’s soprano saxophone and Terje Thiwån’s flute showcase slurred double counterpoint, underscored by crackling slaps from percussionists Burkhard Beins and Stefano Giust, while the string players radically twang and plink as if they were the Viet Cong’s favorite bluegrass band. Distinctive bifurcation still exists though. On earlier tracks, Oliva’s Occidental bel-canto-like warbles and Kim Ngoc’s Oriental throat wiggling are electro-distorted or paired with nearly identical horn expositions. As extraneous tones ranging from miniature finger-cymbal jangles and harmonium-like electronics fills retreat, the vibrating romanticisms and exotic chipmunk-like vocal chattering of both become evident. Reaching a climax of whistling, spluttering and buzzing, the acoustic, vocal and electronic timbres meld confirming the truth of the title. Being Together is a notable historical as well as musical achievement. In future, what would be equally fascinating is to find out how Vietnamese improvisers are creating their own electro-acoustic sounds.” (Ken Waxman)

Recensione di Being Together (Lotte Anker, Jakob Riis, Nguyen Thanh Thuy, Ngo Trà My, Pham Thi Hue, Sonx, Kim Ngoc, Terje Thiwång, Henrik Frisk, Patrizia Oliva, Stefan Östersjö, Burkhard Beins, Stefano Giust) “Hanoi New Music Festival Ensemble 2013″ per Percorsi Musicali 2015 “(…) Kim Ngoc, che ha studiato a Colonia partecipando anche ai corsi estivi di Stockhausen, ha invitato un eccellente gruppo di improvvisatori dell’area nordica (i danesi Lotte Anker e Jakob Riis, gli svedesi Stefan Ortesjo, Terje Thiwang, Henrik Frisk) ed europei (il tedesco Burkhard Beins e i nostri Stefano Giust e Patrizio Oliva) di fianco a personalità artistiche operanti con direzionalità identica a quella della Ngoc (essi sono Nguyen Thanh Thuy, Ngo Trà My, Pham Thi Hue e Sonx), tutti muniti di propri strumenti tradizionali. La registrazione di quell’esibizione è contenuta nelle tre parti di Being Together: impostato su un evidente interscambio di strumentazione dello stesso tipo tra oriente ed occidente al netto dei fiati (il canto, gli strumenti a corda artigianali, le percussioni, l’elettronica), il concerto si libra in un’atmosfera tipica del teatro contemporaneo: con il buio in sala e la luce esclusiva sugli artisti riuniti in semicerchio, esso trae linfa da un’enigmaticità dei suoni e del canto che denota specificità gestuali e posizioni elettroacustiche. C’è un profondo senso della modernità in queste improvvisazioni dall’aspetto allucinato che si porgono all’ascoltatore munite di due fattori chiave: il primo è l’aberrazione di qualsiasi esotismo della musica, dove la libertà che si concede al musicista è un frutto della volontà di trascendere immagini da paesaggio turistico per entrare nelle particelle intime della tradizione, quelle che consentono di separare un lamento antico del canto e trasporlo nella realtà odierna, fatta di solitudine, macchine e computer; il secondo è ridefinire un suono contemporaneo in Vietnam che non sia solo propaggine di teorie musicali occidentali, un evento sul quale lo stesso Occidente da tempo si sta interrogando senza avere più una risposta concreta. La partecipazione di tutti i musicisti ad un sound senza confini, in cui ognuno porta in modalità distillata un pezzo di musica rimasto scolpito nella propria memoria, consente di intercettare emotivamente situazioni delle più disparate e distribuite sul piano temporale: il particolare stile libero usato su dàn tranh o dàn bau di fianco ad un campionamento può rivelare nuove prospettive per il mantenimento in vita di un senso dell’etnicità ma dare anche una giustificazione all’attuale contemporaneità occidentale (sarebbero auspicabili più interventi sul mondo della composizione/improvvisazione europea odierna integrabile delle nostre tradizioni). E’ vero che le suites di “Being Together” aprono scenari che non enfatizzano certo la melodia, ma è anche vero che le sonorità completamente liberate di qualsiasi orpello ideologico lanciano i semi di qualcosa che può perdurare; tutto funziona, dal guizzante canto onomatopeico in stile europeo all’agghiacciante lamento di un cerimoniale vietnamita del passato, dallo stridore di corde condiviso tra Bailey e non si sa bene quale locale sconquassato di Hanoi alle percussioni graffianti quanto il solco costruito dall’elettronica; così come i fiati (sax e flauto) risultano divisi tra l’azzeramento (dicasi soppressione del suono naturale) e una sponda free che sa tanto di locale jazz trapassato.” (Ettore Garzia)

(EN) Being Together (Lotte Anker, Jakob Riis, Nguyen Thanh Thuy, Ngo Trà My, Pham Thi Hue, Sonx, Kim Ngoc, Terje Thiwång, Henrik Frisk, Patrizia Oliva, Stefan Östersjö, Burkhard Beins, Stefano Giust) “Hanoi New Music Festival Ensemble 2013″ This disc is one of the albums of the Poll 2015 by Ettore Garzia on Percorsi Musicali.

Live report dell’ultima serata del TAI Fest #2, tenutosi al Moonshine di Milano, per Blow Up 2015 “…Fantastica serata conclusiva dello straordinario festival impro, giunto alla seconda edizione. Quattro formazioni, si comincia con il trio composto da Roberto del Piano, storico bassista del trio di Gaetano Liguori, che apre le danze insieme al chitarrista torinese Claudio Lodati e allo scozzese Martin Mayes al corno. Iniziano minimal per poi cadere dentro una falla di suoni rinvigoriti dalla chitarra effettata di Lodati, le funamboliche peripezie di Roberto e i giochi armonici di Mayes che ad un certo punto riesce a far suonare palloncini gonfiandoli e sgonfiandoli con destrezza. Dopo una breve pausa è il turno di un quartetto improbabile capitanato dall’ottimo batterista Stefano Giust, uno dei migliori in circolazione, dal grandissimo trombone di Angelo Contini, il contrabbasso del giovanissimo Andrea Grossi (astro nascente dell’impro e della classica) e il grande Mario Arcari già collaboratore di Fossati e De Andrè: sembra una palla musicale stramba e magica quella che si rimbalzano questi quattro straordinari improvvisatori tra ritmi zoppi, strombonate irripetibili, precisi assolo con archetto e melodie di oboe classicheggianti. Rapido cambio di palco. Il duo Patrizia Oliva (voce ed elettronica) e Alessandra Novaga (chitarra preparata) è pronto. La voce potente e al tempo stesso quasi ancestrale di Patrizia scivola dentro le bordate ora silenti ora assordanti della chitarra di Alessandra. Un momento mistico e catartico di grande suggestione. Il finale è da brividi: il sax alto (e sopranino) di Massimo Falascone e la voce stridente, ficcante e tenebrosa di Pat Moonchy duettano in un mantra senza limiti di tempo nè spazio, accompagnati dai video del collettivo AU da una parte, mentre dall’altra dai video di improWYSIWIG condotti da Gianluca Lo Presti e dal fotografo storico della ECM, Roberto Masotti. Quando la musica si placa, dopo un short bis, il pubblico scoppia in un fragoroso applauso e mi accorgo che tutto il locale è commosso e paralizzato da tanta magia e da tanto incanto…” (Fabrizio Testa)

(EN) Review of Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “At Mibnight Jazz Festival” on Improvised 2014 “First up is a live recording from the 2012 Mibnight Jazz Festival in Bremen, Germany from the trio known as Transition. This is another great release from them, following their self-titled record, which I reviewed previously. With a lineup of flute, piano and drums, one might expect a pastoral approach, but that’s hardly the case. The trio generates plenty of heat, with the interaction between Guazzaloca and Giust recalling the epic battles of Cecil Taylor and Tony Oxley. Nils Gerold is pushing the boundaries of the flute as an improvising instrument, and he deserves to be mentioned alongside Nicole Mitchell as one of the top flautists in today’s music. Within the three pieces, which sound completely improvised, the group exhibits great range, “transitioning” if you will from terse exchanges to very dense passages. The live sound is crisp and clear, and with the absence of audience noise, Mibnight sounds very close to a studio recording. Definitely one to seek out if you’re a fan of free improv or the flute in new music.” (Graig Premo)

Recensione di Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “Live At MIBnight Jazz Festival” per Percorsi Musicali 2014 “Di innamoramento si parlò a proposito del trio Gerold/Guazzaloca/Giust nel progetto Transition: in questo caso la seconda registrazione del trio riporta il loro concerto al jazz festival di Mibnight di Bremen; ancora un’esibizione convincente in tre parti che si allontana piuttosto visibilmente dagli influssi sciamanici che avvolgevano il loro primo numero; in sostituzione si ascoltano tre musicisti incatenati ai loro strumenti proiettati verso una libera improvvisazione dove ognuno sembra correre per un treno personale, mettendo in maggiore evidenza le caratteristiche stilistiche di ognuno di essi: Gerold è un flusso incontrollato di slanci flautistici, Giust costruisce un quadro naif con il suo drumming equamente diviso tra piatti, rullanti e giochi di bacchette, mentre Guazzaloca è un onnivoro ricercatore di suoni non convenzionali e di catene di suoni.” (Ettore Garzia)

(FR) Chronique de Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “At MIBnight Jazz Festival” par Improjazz/Orynx-improvandsounds 2014 “Deuxième album de ce trio né d’une rencontre «ad-hoc» durant l’été 2011 à Bologne immortalisée sur le même label (Transition). Lors de ce concert de novembre 2012 à Bremen, la ville de Gerold, ce triangle flûtes (Gerold), piano (Guazzaloca) et percussions (Giust) s’est superbement bonifié créant des perspectives variées, des points de chutes, des modes de jeux aussi heureux que diversifiés. Stefano Giust, qui est aussi l’homme à tout faire de Setola di Maiale, a intégré une approche plus dynamique dans son jeu, donnant une plus grande lisibilité et plus d’espace au piano et à la flûte, instruments qui demandent de la part du percussionniste une certaine retenue. Guazzaloca est inventif à souhait. Qui avait écouté le premier Transition sera surpris par le recueillement et les sons délicats et introspectifs de la flûte dès la minute 12 (Before the Second) dans un véritable consensus du trio. La construction qui en découle est un chassé-croisé avec ralentis et accélérés, silences, reprises, contrepoints multiformes, soliloque expressif, conversation, emboîtements, course poursuite, arcs tendus sur le vide, changement subits. Il s’agit d’un bel échange / partage / communion focalisé sur tous les aspects du rythme développés et étirés avec une superbe maestria dans une dimension plus lyrique. La deuxième pièce, Just One From the Third, s’ouvre sur un autre univers où les cordes du piano sont mises à contribution. Il y a une belle empathie combinée avec une indépendance assumée, j’entends par là qu’ils jouent ensemble à 100% en évitant le mimétisme. L’enregistrement favorise un peu trop les chocs de la batterie et moins les détails de la flûte, instrument délicat. D’ailleurs Giust corrige le tir en concentrant son jeu sur les cymbales et les bords de caisse. Nils Gerold n’est pas un flûtiste de formation mais au départ un saxophoniste qui a adopté la flûte comme premier instrument pour des raisons personnelles. Certains connaisseurs vous diront qu’il ne joue pas l’instrument selon sa conception intrinsèque. Bien d’accord, mais il crée de la musique intéressante et qui accroche immédiatement l’oreille par son dynamisme et sa maîtrise des pulsations tout en jonglant avec toute la gamme des coups de langue et des harmoniques. Ce n’est pas pour rien qu’il a joué dans des festivals avec Paul Lovens, Paul Lytton, Ulli Philipp et Urs Leimgruber et que Giust et Guazzaloca, un pianiste de classe internationale, se produisent avec lui et ont publié ce disque eux-mêmes. Le pianiste Guazzaloca est le pianiste à suivre en Italie (et en Europe). Avec ses compatriotes Gianni Lenoci et Alberto Braida, Guazzaloca est un des plus convaincants sur son instrument dans l’univers de l’improvisation radicale, et quand on énumère les improvisateurs d’envergure et les talents péninsulaires, cela fait de l’Italie un terre d’élection pour les musiques improvisées. Le retard sur l’Allemagne ou l’Angleterre s’est largement comblé. Ce Transition at MIBNight le démontre parfaitement. Tout ça sent bon la musique improvisée européenne. On songe aux groupes avec Irene Schweizer, Fred Van Hove, Ulrich Gumpert. Le problème de balance évoqué plus haut est bien le seul point sensible, tout le reste (musique, musiciens, groupe, cohésion, invention, etc) est parfait. Une manière de jazz libre qui rejoint la pratique de liberté totale des Evan Parker, Ivo Perelman, Paul Dunmall et leurs camarades. Passionnant!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Few words on Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “At Mibnight Jazz Festival” “Wild improvisational prowess” (Tom Sekowski, All About Jazz USA)

(EN) Review of Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” on (Free) Jazz Alchemist 2014 “Another fine free improvised music trio from Bella Italia. The last one is an instrumental that rarely finds it’s place in jazz music, amidst the muscular tones of flute its delicate tone can easily get lost. Obviously there are some luminous exceptions to that (Rahsaan Roland Kirk comes to mind immediately as well as Nicole Mitchell and, if bit less known, Mark Alban Lotz). Now, bear in mind flute is not the main instrument on the cd, the three improvisations are played very democratically. But I believe its presence, the way it’s carving its mark on the music makes this cd particularly interesting. As it can’t compete with the piano and drums in terms of volume, it fills the empty spaces, with grace and impeccable agility, sometimes like a small bird fluttering its wings and beating the wind. Guazzaloca’s piano playing covers a wide dynamic territory, bringing some powerful impetus to the music, driven by Giust’s very original way of playing – filled with pulse yet asymmetric. The music flows gracefully with some turns and twists, ebbs coming and going, with a lot of surprises on the way. The has plenty of adventurousness and rides the musical tides with ease. There’s a plenty to enjoy on the cd.” (Bartek)

(EN) Review of Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” on Improvised 2013 “I’m generally steering clear of free improv dates these days, as I feel that there are relatively few musicians who can sustain interest in that format. This one, however, is an exception. I don’t know how long this group has been playing together, but they are a very close-knit unit. That they can turn on a dime from intense rumbling passages to sparse meditation has me wondering if maybe there are composed elements to this, or some kind of pre-arranged structure. At any rate, I like that there’s an underlying sense of purpose behind the music, it’s not just meandering about. Guazzaloca uses dark, dense clusters that will remind you of Cecil Taylor, but he’s not a slavish imitator and has his own language as well. Giust alternates between a Cyrille-like fleetness and something heavier, almost tympani-like in places. Gerold concentrates on the “natural” sound of the flute rather than extended techniques and impresses as well.” (Craig Premo)

Recensione di Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” per Percorsi Musicali 2013 “Un recente highpoint del percussionista Stefano Giust è sicuramente il trio composto con Guazzaloca e Gerold di “Transition”: tre eccellenti esecutori, in perfetta sincronia, conducono un set scenico che non perde sostanza in nessun momento; il pianista Guazzaloca ammorbidisce nei timbri e nei clusters di suono molta dell’irruenza che richiederebbero i brani, trovando combinazioni in tendenza simbiotica con i partners, suoni che risultano quasi “orecchiabili”, definizioni acustiche che rendono l’idea del clima nervoso, dinamico e selvaggio della musica. Gerold usa magnificamente il flauto come una specie di generatore acustico di suoni emessi ad eguale distanza, una sorta di “sonaglio” che incolla la trama descrittiva; Giust è continuamente presente in una strana contrapposizione tra drumming leggiadro e qualcosa che è vicina alla tribalità intesa in senso descrittivo, non certamente nei volumi e nelle convenzioni udibili di solito nella musica libera, è in definitiva il collante della situazione. “Transition” fa pensare ad uno stato intermedio, un evento che si dovrà verificare di cui si è in ansia d’attesa perchè si teme che esso sia a sfavore, un prodotto che si inserisce, per inventiva ed energia, nelle migliori produzioni d’improvvisazione libera europee.” (Ettore Garzia)

Recensione di Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” per All About Jazz 2013 “Il pianista bolognese Nicola Guazzaloca svolge da anni una coerente e personale ricerca sull’improvvisazione, partecipando all’attività laboratoriale e concertistica della Scuola di musica popolare Ivan Illich di Bologna. Qui appunto, nel luglio 2011, è stata registrata dal vivo questa esperienza paritaria che vede il pianista assieme al flautista Nils Gerold, attivo negli ultimi vent’anni soprattutto nell’ambito dell’improvvisazione tedesca, ed al batterista Stefano Giust, fondatore e coordinatore dal 1993 dell’etichetta Setola di Maiale. Il trio affronta un’improvvisazione assoluta con motivazione, con grande attenzione per i valori dinamici, per le variazioni timbriche, per i variegati intrecci dell’interplay. Guazzaloca produce masse sonore ribollenti, enfatiche e mobili, in cui si stagliano frasi insistite e martellanti. Le percussioni di Giust strutturano un contesto ritmico sussultante e magmatico, con frementi e crepitanti effetti sui metallofoni nei momenti più pacati. L’origine più classica ed aerea del flauto di Gerold viene piegata ad un’emissione nervosa, frammentata, guizzante, dai contenuti misticheggianti. La musica che i tre creano presenta una consistenza materica, un’ineludibile concretezza, una sintesi espressiva basata su un’indubbia onestà culturale e su grande rigore metodologico.” (Libero Farnè)

Recensione di Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” per Sodapop 2012 “Non è la prima volta che vediamo un “ingaggio” fra Nicola Guazzaloca e Stefano Giust, ma questa volta a rendere il tutto ancora più interessante si aggiunge il flauto di Nils Gerold. Stiamo parlando di due dei migliori improvvisatori con un retroterra jazzistico che siano tutt’ora in attività in Italia (e probabilmente non solo in Italia). D’altronde la caratura di Guazzaloca e Giust è comprovata dalle varie tournée estere, da uscite per etichette leggendarie come ad esempio la Leo Records e dalle collaborazioni con musicisti come Thollem McDonas, Hannah Marshall, Gianni Mimmo, Xabier Iriondo, Gianni Gebbia e una miriade di altri. Per quel che riguarda Gerold, a dispetto di una discografia non troppo corposa, vi basti sapere che fra gli altri ha registrato in ensamble che comprendevano anche Evan Parker. Il gergo pugilistico a volte ben si adatta all’improvvisazione e alla sua pratica, non tanto per l’incontro/scontro fra i musicisti ma per un retroscena a cui spesso si dà poco valore e cioè la “relazione” fisica e psichica che si stabilisce fra i due pugili. Se Guazzaloca con McDonas, di fronte all’irruenza tecnica e fisica dell’americano si trovava a reagire con mani e denti, in questo caso, con un batterista duttile e fine come Giust si muove agilmente come se i due stessero danzando ed il flauto di Gerold in un incontro così equilibrato non può che muoversi agilmente seguendo la corrente. Non mi stuferò mai di ricordare per chi non l’avesse mai sentito che il pianismo del bolognese è animoso, vivo e ricco di scorie prelevate da una passione per la musica a tutto tondo che spesso viene millantata ma che viene posseduta da pochissimi, stesso dicasi di Giust e per entrambi l’amore per il jazz e per l’idea libertaria di cui il jazz è (e NON è) stato portatore, fa da tema di fondo e da feedback continuo anche dal punto di vista stilistico ma non potrebbe essere altrimenti anche perchè in un campo del “tutto già detto tutto già sentito” ma “tutto mai troppo scontato” (cosa che spesso fa comodo omettere per doversi rimettere in discussione anche solo nel modo di ascoltare la musica) dell’improvvisazione, forse, la provenienza ed il modo di essere lasciano un segno pesante, come le tracce di DNA sull’arma usata per un crimine. La musica suonata da questa gente è viva.” (Andrea Ferraris)

(FR) Chronique de Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” par Improjazz 2012 “Gerold, Giust et Guazzaloca, musiciens passablement dissemblables par leurs backgrounds et leurs centres d’intérêt gravent ici de formidables cycles rythmiques en variant à l’infini les impacts, les dactyles et les croisements avec la force G 3 (au cube!). Guazzaloca est un pianiste virtuose impressionnant qui cultive une capacité totale d’adapter son discours musical spirituellement et techniquement avec ses collaborateurs. On l’a entendu avec le prodigieux sax ténor Edoardo Marraffa avec l’oblique sopraniste Gianni Mimmo et dans un formidable duo avec un autre pianiste rare, Thollem Mc Donas. Dans leur Noble Art dédié à la boxe (label Amirani), les idées pleuvent dans un torrent fabuleux de doigtés aussi étincelants que vibratoires. Stefanio Giust est resté fidèle au punk de sa jeunesse en jouant sec et précis, amortissant cymbales et fûts en matraquant les bords de ses caisses dans des spirales infinies et rebondissantes. Nils Gerold, saxophoniste en souffrance, est passé flûtiste et est un souffleur dansant per excellence. Le pianiste et le flûtiste accordent leurs précisions comme s’ils partageaient le même cerveau. Leurs circonvolutions polyrythmiques se retournent sans fin sur le fil du rasoir dans l’espace lisible des crépitements du batteur. Pour une première rencontre «transitoire», c’est une réussite incontestable dans une direction post free-jazz qui a rarement été aussi heureusement documentée. On en oublie la qualité moyenne de l’enregistrement live à la Scuola Popolare di Musica Ivan Illich de Bologne. On est fasciné de découvrir la capacité de Guazzaloca à adapter son jeu spontanément et de manière uniformément cohérente et logique face à la pression rythmique exercée par ses deux camarades. Stefano et Nicolà sont aussi deux animateurs majeurs de la scène improvisée italienne, bien au-delà du membership de l’Instabile Orchestra auquel on voudrait résumer la créativité avant jazz italienne.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Review of Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” on Monsieur Delire 2012 “Another Italian trio, featuring drummer Stefano Giust, this time with pianist Nicola Guazzaloca and flutist Nils Gerold. Short (35 minutes) but satisfying. More of a European feel than the American-leaning Live at Crash reviewed above. Flute and piano in turn ignore and embrace each other in the long first track. Then, in the two shorter ones (and especially in “Tséntsak”), the trio achieves a very fine level of telepathy.” (François Couture)

(FR) Chronique de Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” par Monsieur Delire 2012 “Un autre trio italien, avec le batteur Stefano Giust, entouré cette fois du pianiste Nicola Guazzaloca et du flûtiste Nils Gerold. Court (35 minutes) mais sustentant. Un feeling plus européen, moins américain que Live at Crash. Flûte et piano tour à tour s’ignorent et s’embrassent dans la longue première pièce, puis dans les deux plus courtes (et surtout “Tséntsak”) le trio atteint un très beau niveau de connivence.” (François Couture)

Recensione dell’album Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” per Solar Ipse 2012 “È come violare l’entrata di un labirinto senza aver la certezza che esista una via di fuga. Trasfigurazione, morte e resurrezione di un suono impro mai tentato dal virtuosismo e costantemente sul baratro di un vulcano gorgogliante. Ascoltate senza porvi troppe domande. Fenomenale!” (Loris Zecchin)

(EN) Review of Transition (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust) “S/T” on Touching Extremes 2012 “This compressed yet impelling CD was recorded live in Bologna at the Scuola Popolare di Musica Ivan Illich. Its “fast kinship” vibe is mirrored across three tracks – one of them very long – in which the struggle to reach insurrectionary climaxes is finely balanced by the choice of interspersing those rampant sections with moments of more pronounced considerateness (in any case typified by a restrained ferment). It is interesting, from this point of view, to note that none of the partakers is an instrumentalist whose style I’m really acquainted with. In fact – if memory does not betray your chronicler – Nils Gerold’s flute-nourished flights between intricacy and composure, and Stefano Giust’s heterogeneously onward-looking drumming are a definite first time here. Guazzaloca has been a partner in crime of Thollem McDonas in the recent past; still, his pianism – mixing nonfigurative individualism and somewhat unquiet nods to Cecil Taylor’s detonative groove – is something I lent my careful ears to only while approaching this recording, with worthy results. Another crucial trait in this general vibrancy lies in the perpetual conversion of the sonic flux; from massive blocks of commutual inflammation, the trio pulls out passages where an instrument might linger unhidden amidst quieter perspectives. Not even in the latter zones one receives signals of half-heartedness: propulsive forces are there to be regained when the blood’s pressure goes up again. At times this translates into a sort of “early 70s” experimental mood that sounds quite engaging for this writer. Honest-to-goodness improvisation with a few minor flaws adding doses of earnestness rather than suggesting rational mismanagement. Don’t lose involvement as you listen, and the rewards will come.” (Massimo Ricci)

Recensione multipla di Transition “S/T” e “At MIBnight Jazz Festival” (Nils Gerold, Nicola Guazzaloca, Stefano Giust); Crash Trio “Live at Crash” (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust); Magimc “Polishing the Mirror” (Edoardo Marraffa, Thollem McDonas, Stefano Giust) per Musica Jazz 2015 “Il batterista Stefano Giust, fondatore dell’etichetta Setola di maiale, funge da comun denominatore di queste incisioni, tutte catturate dal vivo tra il gennaio 2008 e il novembre 2012. La dimensione live è infatti quella che meglio si addice a certificare l’onestà di una musica totalmente improvvisata e a documentarne il processo creativo. L’esibizione al Crash di Bologna è contraddistinta dalle schegge acuminate disseminate da Edoardo Marraffa (ten., sopranino), il cui approccio condensa stimoli desunti tanto da Ayler e Sanders quanto da Brötzmann ed Evan Parker. Lo contrastano Chris Iemulo (chit.), fino a snaturare il proprio strumento, e Giust con un drumming frastagliato che richiama sia Sunny Murray e Milford Graves sia Paul Lytton e Tony Oxley. Registrati alla scuola popolare di musica Ivan Illich di Bologna e al Mibnight di Brema, i due dischi del trio Transition vedono Giust confrontarsi con Nils Gerold (fl.) e Nicola Guazzaloca (p.). In tale contesto, le dinamiche interne risultano più meticolosamente analizzate, complice anche l’apporto in chiave ritmica del pianista e del flautista, abile nel ricavare timbriche inconsuete. Sempre da un concerto alla scuola Ivan Illich proviene il disco di MaGiMc, che vede Marraffa e Giust unirsi al pianista statunitense Thollem McDonas. Quest’ultimo ricopre il ruolo di ago della bilancia tra le tensioni create dai colleghi, principalmente in virtù delle esperienze nelle avanguardie di estrazione jazzistica (con William Parker, Vinny Golia e Nels Cline) e accademica, per esempio con Pauline Oliveros e Stefano Scodanibbio. Come sostiene Giancarlo Schiaffini, «l’improvvisazione non si improvvisa». Setole acuminate e aghi della bilancia” (Boddi)

Live report di One Lip 5 (Guido Mazzon, Nicola Cattaneo, Franco Cortellesse, Giorgio Muresu, Stefano Giust) al Teatro Verdi di Castelsangiovanni per il quotidiano Libertà, 2014 “Con One Lip 5 jazz ad alta temperatura. Un effervescente concerto del gruppo a Castello. Ritmi e atmosfere rarefatte, che non rinunciano al movimento ma che non possono far altro che stimolare la riflessione; suoni ridotti ai minimi termini che inciampano continuamente in ritmi e misure non convenzionali. È questo il tratto caratteristico ma anche il pregio del quintetto One Lip 5 – ex One Lip 4tet – che nei giorni scorsi ha deliziato il pubblico del teatro verdi di Castelsangiovanni, nell’appuntamento inserito nella stagione del Palestrina curato dal direttore artistico Giuseppe Albanesi. Un concerto poco convenzionale, guidato dalla tromba di Guido Mazzon e dalle chitarre di Nicola Cattaneo e Franco Cortellessa, cui si aggiungono il contrabbasso di Giorgio Muresu e le percussioni di Stefano Giust. Il concerto s’intitolava Jazz Jazz Jazz, ma c’è molto di più di quanto siamo abituati a sentire parlando di questo genere. Infatti, tutto nasce da un tappeto sonoro indistinto e preciso allo stesso tempo su cui si innestano gli sprazzi creativi di Mazzon. Addio melodia e fraseggi tradizionali: gli strumenti emergono l’uno sull’altro come dotati di personalità propria, senza uniformarsi ad una traccia rassicurante. Se volessimo tentare un paragone forse azzardato, si può dire che One Lip 5 sembrano seguire un percorso progressive, se non addirittura psichedelico, con passaggi ipnotici e difficilmente ‘commestibili’ da un pubblico medio. Tra i debiti da pagare da parte dei cinque musicisti ci sono Roscoe Mitchell, ma anche Lester Bowie e Miles Davis; tutti fatti propri, metabolizzati e poi riscoperti attraverso ritmi propri poco rassicuranti. Il tutto, senza cedere ad eseguire il già noto, ma dedicandosi a brani originali del gruppo. Mazzon, quando non è impegnato a suonare la sua tromba, tiene il ritmo e guida gli altri musicisti con cenni precisi: ‘dipinge’, come un direttore d’orchestra, il suo quadro sonoro. Tutto merito anche di una formazione nata negli anni Settanta, quella della musica di ricerca, che ubbidisce solo al fuoco della creatività e manda al macero le regole tradizionali. Altrettanto apprezzato è il lavoro di spazzole di Giust, che passa rapidamente da un ritmo all’altro e, tra i suoi piatti, ha solo l’imbarazzo della scelta. Se Muresu si concede piccoli ma significativi spazi d’improvvisazione solistica, rimane scolpito nella memoria l’uso originale delle chitarre, che vogliono spiegare il vero significato di jazz d’avanguardia.” (Cristian Brusamonti)

Recensione di One Lip 5 (Guido Mazzon, Nicola Cattaneo, Franco Cortellesse, Giorgio Muresu, Stefano Giust, con gli ospiti Alberto Mandarini, Claudio Lodati, Pat Moonchy, Emanuele Parrini) “Apro il silenzio” per Musica Jazz, 2015 “Ci si muove nei pressi di un post free abilmente organizzato, con echi di Ornette e Lmo, anche su spazi ampi – tre dei sette brani si aggirano sul quarto d’ora – con microsezioni che si succedono con una mobilità assolutamente salvifica. L’album è tra i migliori usciti in questa prima parte di 2015.” (Bazzurro)

Recensione di One Lip 5 (Guido Mazzon, Nicola Cattaneo, Franco Cortellesse, Giorgio Muresu, Stefano Giust, con gli ospiti Alberto Mandarini, Claudio Lodati, Pat Moonchy, Emanuele Parrini) “Apro il silenzio” per Pensieri Musicali, 2015 “Condizioni di sensibilità verso una seria rappresentazione dell’improvvisazione jazzistica, permeano la musica di Guido Mazzon e del gruppo a cinque One Lip 5 (ex One Lip 4tet). È piuttosto difficile esprimersi in merito al corso della musica di Guido Mazzon, tanto essa è piena di considerazioni non effimere da fare; il suo senso dell’improvvisazione che parte da una vena blues e poi si allarga a tanti elementi può ritrovarsi in percentuali condensate nel nuovo episodio di ”Apro il silenzio”, che si compone di contrapposizioni tra tromba, sezione ritmica (Muresu al cb, Giust alla bt.) e chitarre (Cattaneo alla acustica e classica soprattutto e Cortellessa alla baritona e a 7 corde), un modo di proporre nuovi approcci mantenuti sempre nel quadro generale di una visione libera e creativa del jazz che Mazzon propugna con molta coerenza da sempre. “Apro il silenzio” è l’unione di due campi d’azione: da una parte i quattro brani di Mazzon mostrano il lavoro di riequilibrio in chiave moderna del jazz di Davis, delle marching bands di New Orleans, magari vicine allo stile delle marce funebri, del free jazz ancora addensato nelle anime bop post moderne, di contrasto alla libera espressione degli strumentisti, alla loro completa emancipazione da un andamento di gruppo e all’introduzione di temi e suoni che provengono da settori diversi dal jazz. Ne risulta una vena tra il triste e l’eclettico, ma completamente ascrivibile al quintetto (che aggiunge 4 illustri ospiti nei musicisti Parrini, Lodati, Moonchy e Mandarini), in cui un tema alla Grappelli si mischia con un riff progressive. In The song, questo ibrido jazzistico è ben evidenziato anche grazie alle evoluzioni tra l’etereo e il vetriolo della voce della Moonchy; oppure si può provare a dare credito ai tre minuti di esplosioni di tromba (Mazzon e Mandarini) e di sezione ritmica (Muresu e Giust) di Free or four, che manderebbero in visibilio qualsiasi platea di jazz.  Dall’altra parte, nei due ultimi pezzi ascrivibili a Cattaneo e Cortelessa, la musica diventa quasi completa direzionalità dei due chitarristi, che ne offrono aspetti differenziati: riemergono così sintassi del jazz stravolte, in cui è facile scorgere impianti tesi alla simulazione degli argomenti; viene recuperata una sorta di compenetrazione di gruppo che, comunque, ha molte frecce nel suo arco.” (Ettore Garzia)

(EN) Review of The Five Roosters (Mario Arcari, Martin Mayes, Massimo Falascone, Roberto Del Piano, Stefano Giust) “Cinque Galli in Fuga” on Jazz Word, 2014 “Five top Italian-based improvisers. While it might be difficult to convey exactly what goes on during Cinque Galli in Fuga, different sequences adhere enough so that the final product is as rousing as the sounds made by the band members feathered namesakes.” (Ken Waxman)

Recensione di The Five Roosters (Mario Arcari, Martin Mayes, Massimo Falascone, Roberto Del Piano, Stefano Giust) “Cinque Galli in Fuga” per Blow Up 2013 “Partiamo dalla line-up per riscoprire ancora una volta una scena, quella del free milanese anni ’70. Iniziamo dal brillante bassista elettrico Roberto Del Piano, un passato nel Gruppo Contemporaneo di Mazzon, così come nel Trio Idea di Liguori e attualmente impegnato in un collateral molto vispo come Three Uncles con Marcello Magliocchi e l’incredibile violinista Matthias Boss. Attorno a Del Piano, anima di questo avventuroso progetto neo-radicale, il sassofonista Mario Arcari, uno che ha fatto convivere nella propria storia sia De André che Steve Lacy; Martin Mayes cornista già nella Company di Derek Bailey che nell’Italian Instabile; Massimo Falascone, anche lui con il Gruppo Contemporaneo e decine di altri progetti successivi, e infine Stefano Giust, il più giovane, ma ormai certamente propulsore della rivitalizzazione della scena improvvisata e dell’out-jazz italiano. Un power quintet che sembra suonare insieme da sempre: orientamenti non pianificati, ma perfetta l’intesa che riesce a scaturire con estrema lucidità (e creatività) nell’attimo stesso in cui le cose accadono. Un disco che si offre nel revival di una stagione gloriosa come quella del free di quarant’anni fa. Quel tipo di approccio per linee, pur richiamando il senso armolodico ornettiano più che certe altre esplorazioni sonore corpuscolari, viene esaltato da una grandissima fisicità che è certamente la qualità migliore riscoperta da questi musicisti. Basti ascoltare la brillantissima sezione ritmica che esalta un’intesa basso/batteria davvero invidiabile, per convincersi del fatto che set di improvvisazioni come queste lasciano un segno tra i tanti progetti che oggi vengono prodotti in materia.” (Michele Coralli)

Recensione di The Five Roosters (Mario Arcari, Martin Mayes, Massimo Falascone, Roberto Del Piano, Stefano Giust) “Cinque Galli in Fuga” per Percorsi Musicali 2014 “Qui tutto si svolge nella più logica e benefica pratica improvvisativa, pieno di vitalità ed inventiva.” (Ettore Garzia)

(FR) Chronique de The Five Roosters (Mario Arcari, Martin Mayes, Massimo Falascone, Roberto Del Piano, Stefano Giust) “Cinque Galli in Fuga” par Improjazz/Orynx-improvandsounds 2014 “Ce quintet et cette histoire de poulailler auraient pu être somme toute assez banale. La sacro-sainte formule orchestrale du free-jazz : un tandem basse batterie et des souffleurs. Fort heureusement, ces improvisateurs ont eu la bonne idée de remettre une série de poncifs en question en coordonnant leurs actions et réactions réciproques à l’aune de l’expérience collective de l’improvisation libre européenne. Donc pas de thème, pas de solo, pas d’accompagnateur, pas de section rythmique. On joue tous ensemble mais pas tous en même temps. D’abord le batteur percute une batterie sur laquelle sont réparties des objets percussifs, sollicite les cymbales amorties, le rebord de la caisse claire, ses frappes sont multiples et nous font entendre des timbres variés, voire contradictoires. Un crépitement organique qui accélère et ralentit autour d’une pulsation implicite et rarement soulignée. Il semble complètement concentré sur une logique délirante comme s’il se fichait du reste. Et pourtant, on entend clairement que ses tourneries ferraillantes et cliquetées font tenir l’édifice. Donc points de solos des souffleurs, mais de très courtes interventions conjointes, disjointes, télescopées ou sursautantes, coups de bec et bribes de mélodies distordues, ponctuées de silences répétés. Et une belle écoute. Au lieu de jouer tous ensemble et de surjouer au détriment de la lisibilité, on se relaie sur des demi-mesures, des points et des courbes. Eminemment collectif, un puzzle kaléidoscopique. Paolo Falascone est le maître de céans chez Mu-Rec studio, ex studio Barigozzi. Ce studio historique milanais, fondé en 1975, a vu défiler Bill Dixon et Tony Oxley, Cecil Taylor, Dizzy, Chet Baker, Waldron, Lacy, Paul Motian, Paul Bley et Gary Peacock, Konitz, Altschul etc… Bref un lieu à tomber par terre où on enregistre encore avec des bandes magnétiques analogiques. J’ai vraiment un grand plaisir à écouter ces Cinq Poulets déjantés. Un disque original où l’imbrication ludique et créative prend le pas sur l’exploit individuel.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Review of Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” on Free Jazz Alchemist, 2014 “Amiriani records is directed by Gianni Mimmo and claims one of it it’s artistic goals to create projects that will cross national and artistic boundaries. Magimc is a fine example, a trio featuring italian sax player Edoardo Marraffa and the drummer Stefano Giust alongside american pianist Thollem McDonas, for a series of spirited improvisations. “Polishing the mirror” gets right to it with a freewheeling outburst of sounds. The title tracks is the longest one on the cd (slightly above a quarter of an hour) and it allows for few scenery changes throughout, with the dynamic outburst to begin with, through the minimalistic, suspended eerie tones, and some staccato hopping and scattered tones. There’s an impressive passage with Thollem and Edoardo mimicking a lightning phrase, Giust breakes the symmetry with some arythmic pulsations. The three soon gets bananas (especially McDonas with the forte chords) but they all land on the ground gracefully, with piano creating a tonal centre for a lyrical but gritty melodic coda on the saxophone. “Lucidare la lente” and “Lucidare la retina” ease one into another. The start is spacious, misty, with lone tones and lot of pauses, leaving enough space for squeaky chair to to serve as rhythmic anchor. Giust drops off when piano and sax engage in an impressive spiral duel, comes back to push the matters forward for another free for all explosion. The second part begins with a sax solo interlude, restrained and intense, boiling with rusty overtones. leading to a rollercoaster piano-drums duo. After a short and frenetic “Hinges” the cd ends with “Ritorno”, which starts with just a few precious and simple piano notes, soon to be built up into an entire labirynth of sounds (you can listen to the piece below). There’s so much happening that it’s pointless to try keep track of it. Free, direct, explosive and adventurous. Thollem McDonas, Stefano Giust and Edoardo Marraffa create some real sparks here, with tones and sounds flying free and wild, there are moments they seem to be everywhere. Most definitely recommended. McDonas is truly on fire here but so are the other two.” (Bartek)

(EN) Review of Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” on All About Jazz USA, 2013 “Here, we have the wonderful improvising pianist Thollem McDonas in no-holds-barred free-jazz mode. Accompanied by saxophonist Eduardo Marraffa and percussionist Stefano Giust – two of Italy’s finest young improvising musicians – McDonas cuts loose with some truly radical, and truly lovely, piano playing. Marraffa is an exceptionally gifted player. His tenor sound is positively cavernous, harkening back to the more atavistic sounds. Guist is no slouch either. Endlessly resourceful, he uses every surface of his conventional drum kit to generate sounds that are somehow unexpected while being completely in concert with the prevailing mood of the moment. The 16-minute-plus title track is the album’s centerpiece. Flowing through an endless variety of strategies and approaches, the trio remains tightly focused throughout. Giust is the key element here. While never playing time per se, his drumming has got a real sense of “pulse.” For the first five minutes of the piece, he imparts a bounding sense of forward motion while continually shifting amongst a wide array of sounds. He bows out, largely, for an extended and amazing prepared piano passage, re-entering with low, muffled toms as McDonas himself waxes percussive on the piano innards. The amazing thing is that Magimc is just one of an array of two dozen or so working small groups that Thollem McDonas maintains these days. The sense of connection between these disparate musicians is deep and palpable. It’s something that can take years to develop, but in this case – as with many of McDonas’ collaborations – it’s seemingly developed instantly.” (Dave Wayne)

(EN) Review of Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” on Jazz&Tzaz 2013 “Their CD entitled “Polishing the Mirror” (Amirani Records) is a perfect example of contemporary free improvisation from three musicians with full control of their instruments, ready to cope with the requirements of the moment, but at the individual time, absolute masters of their instrumentations. All five pieces are the result of an obvious outlet of music communication of a ruthless and refined inspiration that fully exploits the musical instruments, a dissolute imagination, through which it becomes usable the utmost in organs. Saxophones sounding not only as wind and as percussion, piano is inside out, drums and other percussions (cymbals and crowd objects) emit ‘fiery shrapnel’ in every direction. An iconoclastic music with a starting point, but at the same time rich in tensions and vibrations, but not aesthetically uncontrollable, which is credited to the creative capacity (talent and virtuosity) of three musicians and of course the centripetal forces that keep Magimc in body.” (Φ.T.)

(EN) Review of Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” on Downtown Music Gallery 2012 “Outstanding performers, high concentration, remarkable interplay! Awesome trio featuring the unmistakable powerful Edoardo Marraffa on tenor&sopranino saxes, the bold piano exploring of Thollem McDonas, the pushing dash on drums by Stefano Giust in a far from conventional, passionate and cutting edge concert recorded live in Bologna.” (DMG)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Kathodik 2012 “Polishing The Mirror” è mirabile esempio di composizione istantanea collettiva. I tre artisti si conoscono bene e non credo abbian bisogno di troppe presentazioni. Sono agitatori, ricercatori testardi, centrifughe ultrasoniche, che intercettano, masticano e rilanciano, segnali, dubbi e certezze. “Polishing The Mirror”, si agita su di un doppio binario. Singoli segnali convulsi, che magicamente, si assemblano vertiginosi. Un percorso azzardato, senza nessuna corda di sicurezza legata in vita, a ricordar dov’è l’uscita. Schegge sottoposte ad un continuo processo, accelerazione e decelerazione, dove la relazione fra i musicisti, agisce a tutto campo. Ci scorgerete macinato dentro di tutto. Il free, spappolamenti blues, rompicapi classicheggianti intrappolati fra i tasti, lo stridore metallico, in bilico fra i generi di Eddie Prévost, singhiozzanti delizie afroamericane. Vuoti improvvisi e furore quasi performativo. Opere del genere, sono un monito. Mai mollare. Magimc, sono Edoardo Marraffa, Thollem McDonas e Stefano Giust. Nudi, crudi e trasparenti.” (Marco Carcasi)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Music Zoom 2012 “L’avanguardia celebrata dalla coraggiosa Amirani Records di Gianni Mimmo pubblica con Polishing the Mirror un altro disco piuttosto insolito nel panorama nazionale. Il trio con il nome collettivo di Magimc è protagonista di un concerto registrato alla scuola popolare di musica Ivan Illich di Bologna e si dà da fare per togliere qualunque pregiudizio sull’avanguardia poco comunicativa o racchiusa su se stessa. Edoardo Marraffa al sax tenore e sopranino, il pianista americano Thollem McDonas e Stefano Giust (animatore fra l’altro della label Setola di Maiale) alle percussioni più varie, partono subito sul primo brano con un’improvvisazione travolgente, molto free. Si tratta di un lungo brano, ben sedici minuti, in cui si notano subito gli ingranaggi ben rodati del gruppo, in grado di passare da atmosfere più roventi a situazioni in cui il pianoforte viene suonanto dall’interno alla ricerca di nuovi modi di espressione. Ad ogni momento del disco si rivelano musicisti di vaglia. Marraffa con le sue note macerate e sofferte, ed il pianista con degli accenti precisi, di matrice monkiana, capace di fare ribollire il tutto quando richiesto mentre il batterista introduce elementi di sorpresa con i suoi ritmi improbabili. La musica acquista di imprevedibilità ed è proprio godibile per il suo mettere insieme con perizia suoni nuovi e della tradizione del free, alla ricerca di un qualcosa che appare per la via a sorprendere un pò tutti, musicisti ed ascoltatori. L’avanguardia italiana ha trovato un trio sorprendente e ben fa la Amirani Records a dargli un poco di visibilità.” (Vittorio Lo Conte)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Sounds Behind The Corner 2012 “Il numero 31 del catalogo Amirani, avvista un trio d’eccezione grazie all’ensemble che oggi unisce Edoardo Marraffa ai sax, Thollem McDonas al piano, Stefano Giust protagonista di cembalo e drum-line e non è un caso incontrare Stefano (produttore di altrettante avanguardie sonore con la sua Setole Di Maiale, label in questo cugina molto prossima ad Amirani) perché siamo all’interno della scuola Ivan Illich ed un’altra figura dietro le quinte compare nella registrazione del dischetto, Nicola Guazzaloca. Leggete, segnatevi questi nomi, sono gli ‘eroi’ che soventemente incontriamo nelle produzioni Amirani. Una crew all’avanguardia con lo zaino sulle spalle nel quale riporre anni ed anni di sperimentazione illustre, spostandosi al di fuori dei contesti, scegliendo di farlo perché ci sono ancora artisti che possono, forse in loro, devono, spingersi oltre il definito per catturare l’attimo. Catturarlo tra i tasti, con le bacchette, nelle ance ma catturarlo, senza conoscerlo a priori: l’istinto è quello del cacciatore, dell’esploratore, del viaggiatore che non conosce la meta e decide la strada quando vuole perché sa di non avere confini davanti, sa di non avere preclusioni, gabbie. Il concetto del volo in questo non è distante ed un volo, uno sciame in volo, ci apre scenari illimitati: la lunga traccia d’apertura, “Polishing The Mirror”, è il volo di sciami d’insetti, disordinati e veloci, lanciati in un’invasione senza scopo, una fuga piuttosto. Eterogenea… un’esplosione di micro-Natura che trova il suo ordine durante la lunga traccia, la simbiosi estemporanea dei tre avvolge, toglie il respiro per tutti i sedici minuti della durata, poi la quiete, il post epidemia, la possibilità di metabolizzare le note, capirle inconsciamente. “Lucidare La Lente”, “Lucidare La Retina”, “Hinges”, sono successive, crescono nei virtuosismi, nelle simbiosi reciproche: tre musicisti che si conoscono, colgono gli spunti e li sviluppano nell’assieme, scolpendo il suono, con il cesello, nelle stasi, con il vigore dei fiati e del corpo nel produrre mille, tremila, diecimila note veloci in successione, esplodendo il proprio intuito, generando nuovi sciami, colori. Quale ordine ha la Natura se non l’istinto? “Polishing The Mirror”, istinto e ragione, un subconscio che esplose in musica in una serata di live all’interno della Scuola Popolare Ivan Illich, ora ha il giusto supporto discografico perché certi momenti vanno colti, anche a posteriori!” (Nicola Tenani)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Solar Ipse 2013 “Magimc debutta per l’etichetta Amirani di Gianni Mimmo con un disco registrato live alla Scuola Ivan Illich di Bologna nel maggio 2011. E’ un movimento tutto interno di deliquescenze della materia quello che va in scena, denso di attacchi, arresti e “quasi” silenzi traumatizzati. le forme che prendono corpo dai dialoghi degli strumenti vengono sfruttate a pezzi o a blocchi, ma mai tutte assieme, privilegiando raccordi e trasparenze anzichè una traccia ritmica sola, sulla quale scorre tutto il resto (spesso e volentieri un ruolo ricoperto dalla batteria). Il risultato finale è un album di fine eleganza, che disinnesca il lato “complicato” dell’improvvisazione, scoperchiando la bellezza vera, ancora da sgrezzare. Accattivante.” (Loris Zecchin)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per L’Isola che non c’era 2012 “Magimc, album votato a un jazz informale robusto e affermativo, nervoso, frastagliato, che a dispetto di qualche raro momento un po’ convulso sa dare di sé un’immagine globale di sicuro rigore e coerenza formale.” (Alberto Bazzurro)

(FR) Chronique de Magimc “Polishing the Mirror” (Edoardo Marraffa, Thollem McDonas, Stefano Giust) par Orynx – Improv and Sound 2012 “Lorsqu’on écoute le trio Magimc et qu’on a mon âge, on a une bouffée de souvenirs et une bonne surprise. Le trio saxophone (ici ténor) – piano – batterie fut au centre de la free music européenne: on pense aux trios légendaires des Brötzmann / Van Hove / Bennink ou des Rudiger Carl / Irene Schweizer / Louis Moholo et à celui toujours en activité d’Alex von Schlippenbach avec Paul Lovens et Evan Parker… Je recommanderais l’écoute du Cecil Taylor Unit lors de sa tournée européenne de 1966 avec Andrew Cyrille, Jimmy Lyons et Alan Silva pour remonter le courant de l’histoire. Certains enregistrements de cet Unit de Cecil Taylor préfigurent les sons et l’interactivité des européens des années 70 alors que ceux-ci avaient encore en 1966 un solide pied dans la pratique du jazz avec tempo régulier. Ces trios historiques ont happé l’imagination de leurs contemporains et modifié le cours du jazz vers la musique improvisée radicale pour beaucoup d’auditeurs. La bonne surprise, c’est la furia de Thollem Mc Donas, un pianiste exceptionnel qui demande à être suivi à la trace. Les cliquetis rebondissants et dynamiques de Stefano Giust qui prend bien garde de ne pas couvrir les nuances colorées du clavier de son partenaire. Les morsures et diffractions de la colonne d’air, le souffle hanté par la jouissance d’Edoardo Marraffa. Ces trois-là inventent et déconstruisent leurs équilibres sur le fil tendu entre des rochers battus par les flots en furie d’un typhon aléoutien. Un ressac fait trembler la table d’harmonie sous les spasmes du bec du ténor barissant. La spontanéité n’exclut pas la réflexion et c’est bien cette démarche paradoxale qui excite les sens. Après avoir taillé dans la pierre, voilà qu’ils polissent les facettes… Mirobolant!!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Il Tirreno 2012 “L’instancabile etichetta discografica Amirani guidata da Gianni Mimmo offre ancora un’altra occasione per gli amanti della musica improvvisata di gustare i frutti dell’incontro di tre bravi musicisti la cui unica legge è assecondare l’ispirazione del momento nell’interagire reciprocamente. La musica contenuta in “Polishing The Mirror”, registrata dal vivo a Bologna, è energica e vitalissima, a tratti davvero entusiasmante. Senz’altro una delle uscite migliori nel comunque prezioso catalogo di Amirani.” (Cecina)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Rockerilla 2012 “Un terzetto che chiama in causa la debordanza creativa di Thollem McDonas. Stavolta cercano di seguire il suo pianoforte impazzito Edoardo Marraffa e Stefano Giust. Un’azione particolarmente irruente, basata sulla (non) logica di dinamiche confrontazionali a tratti quasi ostili, a muscoli esibiti. Davvero degna di menzione, da questo punto di vista, la “prestazione” di Stefano Giust, forsennato eppure precisissimo come fosse alla guida di una macchina da guerra nomadica, un trio fotografato in pieno stato di grazia.” (Vincenzo Santarcangelo)

(FR) Chronique de Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” par Monsieur Délire 2013 “Magimc est un trio de free jazz composé du pianiste américain Thollem McDonas (dans un rôle plus conventionnel que ce que j’ai entendu de lui précédemment) et des Italiens Edoardo Marraffa (saxo) et Stefano Giust (percussions). Un set improvisé devant public, très vif, puissant, interactions rapides, souffle créatif soutenu, sans être pour autant remarquable.” (François Couture)

(EN) Review of Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” on Monsieur Délire 2013 “Magimc is a free jazz trio consisting of US pianist Thollem McDonas (in a more conventional role than what I have previously heard from him) and Italian musicians Edoardo Marraffa (sax) and Stefano Giust (percussion). A freely improvised live set, very lively, powerful, with quick interactions, and sustained creativity…” (François Couture)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Sands-zine 2012 “Tutta la bontà di un nu-jazz. «Vorrei dire che esiste un’altra faccia del jazz che non è quella che ci viene presentata quotidianamente nei festival e nei seminari, anche perché credo che il jazz non stia in uno stile o in un linguaggio ma nella perpetuazione della rivoluzione che per esempio dai primi passi di New Orleans ha portato allo swing, da questo al be bop e così via». Se quanto affermava Sabatini una decina d’anni fa è vero, e ne sono fermamente convinto, ecco un CD che risponde in pieno a quei principi. Da una parte il riferimento sempre vivo alla verve più innovativa che ha attraversato il jazz nell’ultimo mezzo secolo e oltre. Dall’altra, a fare da contrappeso, un’attitidine e un’estetica contemporanee che sfuggono le anguste stanze del già detto e le spicciole logiche del facile ascolto. Si tratta quindi di un lavoro che invita al confronto, e accanto alle interdipendenze si notano comunque peculiarità specifiche e notevoli differenze, anche piuttosto marcate. Le differenze sembrano derivare soprattutto dalla diversa estrazione, sia d’ambiente sia generazionale, dei musicisti coinvolti. “Polishing The Mirror” è fondamentalmente un disco austero, dove gli insiemi si alternano a improvvisazioni di tipo puntillistico, e dove Giust tende quasi sempre a smarcarsi da un’interpretazione propriamente, e puramente, ritmica. L’ensemble riesce inaspettatamente a funzionare a dispetto di qualche sospetto, indubbiamente lecito, dacché con un pianista aggressivo e bestiale come McDonas a regola dovrebbe scapparci il morto, laddove alla resa dei conti i due pard reagiscono in modo più che dignitoso e tengono il passo dello scatenato americano senza sprecare nessuna battuta. Colpo su colpo. Consigliato ai seguaci delle nuove forme d’improvvisazione elettroacustica e/o non idiomatica.” (Etero Genio)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Blow Up 2012 “Free jazz appassionato e veemente, registrato dal vivo alla Scuola Popolare di Musica Ivan Illich di Bologna nel maggio del 2011, che rivela le qualità di un trio all’esordio discografico ma già con una corposa storia alle spalle. Il batterista Stefano Giust è infatti uno sperimentatore che si occupa anche di composizione elettronica e acusmatica, nonchè fondatore dell’interessante etichetta Setola di Maiale; il sassofonista Edoardo Marraffa è attivo sin dagli anni novanta e vanta collaborazioni con musicisti del calibro di Tristan Honsinger, William Parker, John Edwards, Han Bennink, Paal Nilssen-Love e Paul Lovens; il pianista Thollem McDonas è una sorta di nomade del circuito improvvisativo, nato artisticamente a San Francisco ma in costante peregrinazione nel tentativo di applicare la sua peculiare sensibilità musicale ad esperienze inedite come ensemble di percussioni africane, orchestre di gamelan giavanese o bands del circuito noise più devianti. “Polishing the Mirror” è la sommatoria di tutte queste esperienze con un valore aggiunto, quello della notevole intesa fra tre musicisti impegnati all’unisono a confrontarsi in contesti espressivi che rifuggono i clichè e le convenzioni, alla costante ricerca di soluzioni estreme per generare il flusso ipnotico di note ed energia che sprigiona dai loro strumenti. Un lavoro complesso, talvolta addirittura sovraccarico di suono, un dedalo di suggestioni che attira al suo centro e poi rimanda ai margini, senza mai rivelare l’uscita.” (Massimiliano Busti)

Recensione di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) “Polishing the Mirror” per Sodapop 2013 “Quando due personaggi noti del mondo free e sperimentale italiano (Edoardo Marraffa al sax tenore e sopranino e Stefano Giust alla batteria) incontrano un altro improvvisatore/tuttofare americano come Thollem McDonas al piano, succede che il suono si frammenta in tante piccole parti che mostrano al mondo come il caos in fondo abbia un suo ordine e dimensione sonora ben precisa. E secondo la fisica ci sono tutti i presupposti affinché Magimc, il sistema costruito dai tre musicisti qui sopra coinvolti, rispecchi le caratteristiche per definire un sistema dinamico come caotico: – Sensibilità alle condizioni iniziali, ovvero a variazioni infinitesime delle condizioni al contorno (o, genericamente, degli ingressi) corrispondono variazioni finite in uscita. E qui ci siamo, se consideriamo l’interplay tra i tre baldi musicisti e il loro adattarsi alle variazioni che loro stessi mettono in campo. – Imprevedibilità, cioè non si può prevedere in anticipo l’andamento del sistema su tempi lunghi rapportati al tempo caratteristico del sistema a partire da assegnate condizioni al contorno. Senza ombra di dubbio anche questo presupposto viene confermato dall’idea stessa di improvvisazione. – L’evoluzione del sistema è descritta, nello spazio delle fasi, da innumerevoli orbite (‘traiettorie di stato’), diverse tra loro con evidente componente stocastica agli occhi di un osservatore esterno, e che restano tutte confinate entro un certo spazio definito. Si parte da materiale ricco e variegato che viene lavorato in tempo reale per creare diverse e nuove forme che vengono a loro volta subito rimanipolate. Un lavoro dinamico, frizzante e molto denso, senza sospensioni e parti “morte”. Un bel biglietto da visita, che sottolinea ancora una volta come, anche nell’ambito improvvisativo italiano, ci sia ottima qualità.” (Gianmaria Aprile)

Introduzione alla musica di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) per Area Sismica 2011 “Un trio ipertalentuoso. Descrivere i diversi percorsi musicali o i rispettivi curriculum è superfluo, trattandosi di musicisti di così alta caratura. Questa unione crea ambiti espressivi amplissimi, in cui le diverse sensibilità vengono accomunate dalla ricerca che ognuno dei componenti applica al proprio lirismo. È una formazione che non ha confini musicali, in cui l’equilibrio è volutamente labile. Inarrivabili.” (Ariele Monti)

Introduzione alla musica di Magimc (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa, Stefano Giust) per Area Sismica 2011 “Trio improvvisativo di enorme valore che incrocia tre distinte e brillanti realtà della musica contemporanea. Il suono del trio è una potentissima corsa senza cinture di sicurezza empatica e travolgente, che a breve diventerà un album che sarà pubblicato dalla Amirani Records, un evento per gli appassionti di suoni contemporanei.” (Luigi Bertaccini)

(FR) Chronique de Roberto Del Piano “La Main Qui Cherche La Lumière” (Roberto Del Piano, Massimo Falascone, Pat Moonchy, Silvia Bolognesi, Roberto Masotti, Robin Neko, Paolo Falascone, Marco Colonna, Stefano Giust) par Orynx – Improv and Sound 2016 “Enregistré dans le légendaire studio Mu-Rec de Milan (ex-Barigozzi) par Paolo Falascone les 26 octobre 2013 et le 14 janvier 2016, La main qui cherche la lumière est un état des lieux singulier des amours musicales du bassiste Roberto Del Piano avec et à travers ses meilleurs compagnons et compagnes faut-il écrire. Quoi de plus curieux qu’un album où un bassiste électrique (!) et une contrebassiste acoustique rencontrent une vocaliste éthérée et fragile et un saxophoniste exquis acquis à la fée électronique dans une tentative de mise en commun de leurs appétits musicaux qui se révèle aussi pure qu’hybride, sincère et insituable (CD1). Vous saviez déjà qu’il n’y a pas que Steve Swallow: Roberto Del Piano a un véritable pedigree en matière d’improvisation. Ce milanais à moitié suisse évoluait déjà très jeune dans la scène free-jazz et improvisation italienne des années 70: bassiste des groupes du pianiste Gaetano Liguori et du trompettiste Guido Mazzon, il côtoya sur scène les regrettés Massimo Urbani (sax alto d’exception et jazzman italien n°1 des années 70/80) et Demetrio Stratos, le génial vocaliste qui initia l’improvisation vocale masculine. Les deux pontes de Jazzmag, Philippe Carles et Daniel Soutif considéraient les trio et quintet de Liguori comme une des valeurs sûres de la scène italienne au même titre que Rava ou Gaslini. A bord Roberto Del Piano ! Roberto joua quelque temps dans le groupe Area quand Urbani y soufflait et devint le comparse précieux de Massimo Falascone et d’Edoardo Ricci, deux soufflants peu communs. Il y eut ensuite d’excellents groupes comme le Jazz Quatter Quartet et Musimprop… A la demande d‘Improvising Beings, Roberto fit un deuxième enregistrement avec le superbe clarinettiste romain Marco Colonna, considéré aujourd’hui comme un des meilleurs improvisateurs de la péninsule. Se joignent à eux le saxophoniste Massimo Falascone et le batteur Stefano Giust sur plusieurs plages (CD2). Dans le cd1, la voix de Pat Moonchy plane, tend des filets de voix aux notes hautes en léger glissando alors que les doigtés des deux bassistes s’écartent et se croisent. Le saxophone alto de Falascone (à la sonorité aussi somptueuse qu’un Art Pepper) suit et commente la vocalise éthérée et surréelle. Sur quelques pièces, son électronique ingénieuse et raffinée se répand, suspendue au-dessus des vibrations sinueuses des basses. Question basse électrique, Del Piano est un curieux oiseau : il aurait aimé pouvoir jouer de la contrebasse. Mais un handicap à la main gauche l’a contraint à la basse électrique pour laquelle il s’est inventé des doigtés et des positions sur la touche sans frette collée sur le manche de sa Fender Jazz Bass. Mais il a invité une contrebassiste prometteuse, Silvia Bolognesi, elle aussi active dans la scène milanaise à le joindre, tout comme Massimo Falascone, son pote soufflant favori. Libres à chacun d’apporter les couleurs, les idées et les sons de leur univers personnels presqu’au gré de leur fantaisie, sans se restreindre à un seul instrument ni se focaliser sur une champ délimité / voie étroite qu’il faut développer avec intensité en étendant les possibilités au maximum des interactions entre deux ou trois mono-instrumentistes explorant le champ sonore en favorisant l’abstraction dans le sens donné dans les arts plastiques (Klee – Pollock). Cette dernière option est bien celle de nombreux improvisateurs britanniques et allemands qu’on regroupe sous le vocable musique improvisée libre non idiomatique. Dans la session de Roberto, le propos est d’intégrer plusieurs pratiques et attitudes qui tiennent à cœur à chacun et d’assumer les changements de perspective au fil des morceaux. Par exemple, qui croirait qu’il s’agit de la même personne qui joue du saxophone alto ou de l’électronique – brillante? Falascone est non seulement un des tout meilleurs souffleurs de la péninsule, mais aussi un électronicien à suivre. Bifurquant maintenant ma réflexion sur le contenu de la musique, j’ai découvert son travail digital sur un ou deux morceaux où la fluidité et l’inventivité de cette électronique me fait dire qu’il pourrait bien être le parfait collègue improvisateur dans ce domaine «non-idiomatique radical». Pat Moonchy tâte aussi de la TAI machine bruissante quand elle ne chante pas. En quartet, sa voix ajoutée au sax alto et aux ponctuations des basses évoquait le légendaire Spontaneous Music Ensemble avec Julie Tippets, Watts, Stevens et Herman qui se sont fait chahuter lors du premier grand rock stadium festival péninsulaire en 1971 (Palermo Pop Festival) et qu’on retrouve sur les albums Birds of a Feather, 123 Albert Ayler et dans la compile Frameworks (Emanem 4134). Quant au «leader», on l’entend délivrer des instants mystérieux sous ses doigtés furtifs qui étonneront les auditeurs capables de visualiser les positions des mains des guitaristes sur le manche et raviront les autres par son élégance. A noter deux belles divagations aux crackle boxes (inventées par feu Michel Waiszwisz) avec Roberto Masotti et l’acteur Robin Neko. Bref, dans ce qui n’est pas à proprement parler un patchwork mais plutôt un parcours insituable, il nous faut pour en saisir les moments de grâce tout autant travailler l’écoute que pour un disque de John Butcher. Si le quartet qui ouvre le CD 2, avec Falascone au baryton, Colonna à la clarinette basse et Giust aux drums, évoque la brötzmania vandermarkisée par son énergie, la suite des opérations dans une veine plus intériorisée est guidée par le duo de notre compère bassiste avec cet exceptionnel improvisateur qu’est Marco Colonna avec la présence éclairante de la batterie et du sax alto sur quelques plages. Trois morceaux avec Giust et Falascone (1/4/7) en quartet et deux en trio avec le batteur la basse et le clarinettiste. D’abord, il faut souligner le travail remarquable, voire très original de Stefano Giust. Lorsque j’ai découvert ce batteur, il y a une dizaine d’années, je le trouvais un peu trop pesant et appuyé selon ma pratique personnelle de l’improvisation collective: si sur scène nous sommes tous égaux, il n’y a pas de raison que le percussionniste surjoue et impacte le champ sonore par la dureté de son attaque etc. par rapport aux autres instruments ou la voix. C’est avec grand plaisir que je me suis délecté, Stefano ayant acquis cette finesse, cette ductilité rebondissante qui fait songer aux Barry Altschul et Andrew Cyrille de notre jeunesse. Bref le swing et la force dans la légèreté. Il a travaillé son instrument en jouant avec des musiciens exigeants (Thollem McDonas, Edoardo Marraffa) pour parfaire sa pratique. J’en suis vraiment heureux car Stefano Giust est un cas rare: il n’y a pas en Europe un autre improvisateur qui se consacre corps et âme à un label de disques aussi prolifique que le sien, Setola di Maiale. Des centaines d’albums, avec un nombre considérables d’artistes et un panel esthétique diversifié à souhait. Bien sûr, les artistes en paient eux-mêmes les copies en cd’s ou cdr, mais au prix coûtant et de manière transparente. Setola leur propose un choix d’options inégalé au niveau du nombre de copies (de 50, 100, 150, etc… jusque 500) et des caractéristiques techniques. Stefano Giust, graphiste professionnel de haut vol, réalise tout le travail graphique des pochettes gratuitement, assure les envois lui-même et rectifie sur le champ les erreurs d’usine éventuelles avec une conscience professionnelle rare. Il s’adapte aux requêtes des artistes avec une patience d’ange en faisant tout lui-même. Vu le volume de ses publications (si j’ose écrire) et la quantité de travail que cela implique, Stefano Giust est sûrement l’improvisateur européen qui consacre le plus de son temps personnel aux autres musiciens, tout en maintenant de front une activité professionnelle non musicale. Cela fait de lui une personnalité aussi incontournable que John Russell avec son Mopomoso, Eddie Prévost (Matchless) ou Evan Parker et tous ces musiciens qui gèrent des venues et sans qui cette scène improvisée n’existerait pas. C’est aussi par amitié pour son travail que Stefano avait été invité et ces cinq plages de La Main Qui Cherche La Lumière nous le montrent sous son meilleur jour. Le déroulement de la musique traverse quelques zones d’ombres et des champs mystérieux, où l’inspiration lumineuse de Marco Colonna démontre son savoir-faire multiple, et on découvre au fil des plages cette main espérante qui cherche les moindres lueurs, annonciatrices de la lumière, sans laquelle toute vie serait anéantie. La main gauche atrophiée du timonier Roberto, ses doigts boudinés de la main droite animés d’une logique insondable se font jour dans la trame. Colonna est un improvisateur instantané hors-pair dont l’instinct et l’expérience mêlés confortent la construction formelle d’une improvisation collective sur la durée et la spontanéité face au moindre détail/instant du parcours. Il a le chic d’articuler le moindre plop ou Pfff du bec à l’instant le plus propice imprimant ses interventions fugaces durablement dans la mémoire de l’auditeur avide d’appréhender le processus de l’improvisation dans sa globalité et ses infimes détails. Dans cette session, Colonna improvise ad-lib comme un jazzman libre en survolant la trame de la basse. Son souffle dans la clarinette basse se délivre en un son soyeux, capable d’un lyrisme rare, rendu par une qualité sonore optimale, ou d’éclairs jupitériens et de sons aléatoires. Quelle dynamique, quel timbre! A la clarinette droite, il évoque de loin Jimmy Giuffre ou Perry Robinson parce qu’en est venu le moment émotionnel. Une personnalité intelligente, complexe, une musicalité telle que le critique Sandro Cerini, plume avertie et sincère de MusicaJazz, le magazine national, et entièrement dévoué à la cause improvisée, le tient pour le souffleur d’anche numéro 1 en Italie avec son collègue Massimo Falascone, dont le saxophone alto donne du répondant dans les deux autres plages (4 et 7). Massimo, faut-il le répéter, est un saxophoniste de haut vol au niveau technique superlatif, lequel se devine au timbre et à l’articulation plutôt qu’à l’étalage de la virtuosité. Cette personnalité discrète a une sonorité magnifique qui ferait de lui, dans une autre vie, un musicien de studio demandé à NYC ou L.A. Le contenu du CD 2 n’est peut-être pas le manifeste ultime que ces individualités brillantes pourraient réaliser, mais il offre bien des plaisirs secrets et des moments de bonheur. C’est ici, parce qu’il est le seul bassiste, qu’on surprend Roberto Del Piano dans ce qu’il apporte de convainquant à cet instrument décrié dans le jazz contemporain, la basse électrique. En fait, il a compris beaucoup de choses quand à l’usage qu’il peut en faire dans les occurrences imprévues du dialogue et des pulsations avec un souffleur et un batteur. Des virtuoses nous barbent avec des platitudes et des tics. Roberto trouve la formule idoine dans le rapport de force centrifuge. Un sens de la mélodie dans le rythme, la science du mouvement. Une force naturelle. Un jeu inscrutable et des doigtés secrets (comme Django). La Main Qui Cherche La Lumière. En quelque sorte, un innovateur dans le domaine du jazz libéré et totalement improvisé. Des principes de bon sens qu’on retrouve chez Swallow, Pastorius ou Phil Lesh (Grateful Dead : à écouter pour s’éclairer au sujet de l’instrument). Donc l’écoute est vraiment instructive, plaisante, la musique chaleureuse, chercheuse, authentique. Un très bon point à Julien Palomo et à son label uto-atypique, Improvising Beings! La photo de pochette est due à Matthias Boss, violoniste inspiré.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione di Roberto Del Piano “La Main Qui Cherche La Lumière” (Roberto Del Piano, Massimo Falascone, Pat Moonchy, Silvia Bolognesi, Roberto Masotti, Robin Neko, Paolo Falascone, Marco Colonna, Stefano Giust) per Percorsi Musicali 2016 “Molti ritengono che la musica stia attraversando un momento travagliato: non è solo un problema di novità o di possibilità espressive, quanto piuttosto sono le direzioni che preoccupano: “giudei” della musica o falsi profeti sono all’ordine del giorno. In questa festa regale delle apparenze, una ristretta cerchia di artisti se ne distacca amaramente per l’impegno nel rimarcare un concetto oltre la musica, che sia in grado di reggere i tempi attuali e prefigurarne alcuni futuri. Vi basterebbe una sola mezz’ora di ascolto di un concerto fatta assieme a Roberto Del Piano per capire la competenza del musicista e l’esattezza nel delineare le realtà musicali a suo dinanzi, come è capitato a me. Di fronte al suo primo cd da solista, arrivato in un momento inatteso della sua carriera, tocca confrontarsi proprio per delineare prospettive: di Del Piano non devo certo esplicitare l’importanza che ha rivestito nel jazz italiano, quando negli anni settanta sorgevano compagini come il Gruppo Contemporaneo o l’Idea Trio di Gaetano Liguori, formazioni in cui Roberto ha calcato il ruolo del bassista impegnato e militante (si pensi a Aspettando i dinosauri e ai due LP Pdu Cile Libero, Cile Rosso e I signori della guerra); così nondimeno la sua figura è stata sempre presente nell’improvvisazione che conta, soprattutto quella attuata tramite progetti interdisciplinari ed ironicamente avant-garde nei combo sperimentali o tendenti alle arti perfomative (qui il riferimento è al teatro musicale dei Neem e al Musimprop), sebbene non si possa enucleare in maniera netta un contributo a lui solo ascrivibile data la natura collettiva delle esperienze. Mi limito a queste segnalazioni perché soggettivamente le considero più importanti, ma l’elenco “spatafiata”* che ho ricevuto e che avrei dovuto pubblicare, penso serva solo per dimostrare quanto sia apprezzato come musicista e come uomo. Una raggiante modestia si comprende da sola! La prolungata fase di insoddisfazione degli ambienti musicali lo ha portato ad abbandonare il mondo musicale per molto tempo finché, stimolato da alcuni suoi colleghi e da una rinnovata vitalità dei modelli improvvisativi, sono ritornate le esibizioni in pubblico (il Fonosextant, i Five Roosters, gli 876+, uno splendido duo con Mazzon e la condivisione/creazione del modello Tai Orchestra). Non so quanto ci sia di vero nell’annuncio di un nuovo ritiro, ma il dato di fatto è che questo succede in concomitanza di un evento eccezionale dell’artista: la sua prima concezione discografica totalmente riferibile alla sua visuale artistica così come è aggiornata oggi. “La main qui cherche la lumiére” imposta due sets con alcuni dei suoi musicisti preferiti ed adatti al suo tipo di interazione: nel primo troviamo Massimo Falascone (con tanto di sassofoni ed live electronics), Pat Moonchy (voce e Tai Machine), Silvia Bolognesi (contrabbasso) ed alcuni manipolatori del suono e del crackle (Neko, P. Falascone, Masotti), mentre il secondo è dominato dai clarinetti di Marco Colonna, con la batteria saltuaria di Stefano Giust e, in tre brani, l’alto o il baritono di Falascone. La divisione appena accennata non è solo informativa ma corrisponde anche ad una bio-diversità emotiva dei contenuti: se c’è una mano che tenta di afferrare la verità questa circostanza può essere raggiunta in differenti modalità. Del Piano la fa sviluppare mettendo in contrapposizione il diavolo (nel primo cd una musica terribilmente aggressiva, piena di volute asperità sonore) e l’acqua santa (nel secondo cd una musica più eterea, leggiadra contaminazione genetica del jazz); in poche parole una parte esprime un vulcanico espressionismo astratto, l’altra un improbabile impressionismo da camera. La configurazione di Né cane né gatto ci introduce immediatamente in un ambiente dogmatico, che trova compimento nella parte centrale della prima parte della raccolta quando il clima generale si chiarisce in Scarliga Merlùss, che richiama in maniera subliminale uno stato pagano dell’improvvisazione, ciò che potrebbe serpeggiare in Apocalypse Now se esso fosse immerso nei panni dell’improvvisazione libera; è un’idea di atonalità completa quella proiettata dal basso di Del Piano che lavora sulle condizioni umorali dei brani e si contorce sullo strumento con veloci frammentazioni o pulsazioni del tutto anti-convenzionali, frutto della tecnica sviluppata dopo l’infortunio alla mano sinistra; fondamentale il supporto di Falascone, che indovina tutte le modificazioni di un’elettronica che va oltre la riflessività (suoni e tagli disomogenei sono al servizio di una rinnovata trasversalità dei contenuti), della Moonchy, che imposta la sua eclettica vocalità nelle terre dei pentimenti e delle preghiere, e della Bolognesi, che dividendosi tra pizzicati ed archetti contribuisce alla parte cupa ed assediata dell’esibizione; sono messaggi dell’inconscio quelli di Del Piano, che emergono trasparenti anche in Four hands double bass o nelle due stranianti dediche a Michel Waisvisz (Michel e Waisvisz appunto), che in mezzo ad effetti di elettronica brulicanti di impertinenza e autoironia, ricalcano un’interpretazione viscerale dell’elettronica applicata all’improvvisazione. E’ un puntellamento del basso che simula l’azione del metter chiodi su un muro o che vuota lo stomaco grazie al collegamento degli ausili elettronici come succede in Swami katabanda, un avanzato ripensamento dell’azione del basso in un happening da epopea futuristica. Un’intermittenza sonora introduce invece la seconda parte e la collaborazione con Marco Colonna e Stefano Giust in Meeting in Milan; qui il free jazz si configura come approdo alla realtà urbana. Una forma libera che comunque fa percepire insofferenza e costruisce una voce di riflesso (il basso snocciola note senza priorità) in connessione a quelle bellissime degli altri partecipanti: in For strings and reeds le astrazioni e compulsioni di Del Piano si scontrano con le articolazioni da camera di Colonna: si entra in un compendio improvvisativo le cui caratteristiche lo evolvono in stato compositivo, quasi scrittura contemporanea che raggiunge il suo completamento nella successiva Polyphonic organization, dove si crea per magia un subdolo canone medievale; si cercano anche porti sicuri come in Quiet place o Tired blues, con basso pensoso e profondo contro clarinetto (e nel secondo caso batteria sfavillante di Giust) che riporta il jazz nel territorio del dialogo puro. Colonna, poi, sale in alto in Mirrors, ipnotica rappresentazione del flusso continuo determinato dalle tecniche di respirazione, ma anche Eyeliner scruta ottimamente i suoni reconditi del basso in un ambiente sonicamente impostato allo scopo. La main qui cherche la lumiére è un prodotto sentito in ogni sua nota, dove anche un’unghia appoggiata sullo strumento ha una sua giustificazione. Nonostante ci siano dei flashback che ricordano la free improvisation europea dei settanta (gli scorpori di elementi dell’Instant Composers Pool o delle orchestre di improvvisatori inglesi), il tutto vive di luce propria, dominato dal senso atipico creato dal basso di Del Piano, a cui non si possono nemmeno attaccare delle costanti di stile (di Pastorius c’è molto poco, per Swallow si viaggia su altri binari). Lavorato di fino, non vuole solo evidenziare le potenzialità sonore del basso elettrico in strutture alternative della musica (una ricerca che di per sé è una rarità) ma anche uno stato progettuale dell’umanità, il suo sentirsi ancora in grado di macinare arricchimenti espressivi e di guardare senza remore ai vantaggi che l’arte astratta può ancora fornire.” (Ettore Garzia)

Recensione di Roberto Del Piano “La Main Qui Cherche La Lumière” (Roberto Del Piano, Massimo Falascone, Pat Moonchy, Silvia Bolognesi, Roberto Masotti, Robin Neko, Paolo Falascone, Marco Colonna, Stefano Giust) per Tracce Di Jazz 2016 “Nel titolo e nell’artwork di questa nuova realizzazione di Roberto Del Piano dopo un suo lungo ritiro, sembrano già espressi efficacemente una coppia di concetti: protensione, non solo corporale e, quindi, anche uno spirito di fiducia, largamente accordata alla imprevedibilità della fonosfera, che possa questa sempre illuminare nuove opportunità espressive individuali e collettive. Una misteriosa corrente di “doppio” è sembrata circolare dappertutto. Nella prima sessione, quella in prevalenza elettroacustica e in quartetto, l’evidenza di quella sensazione si fa già notare nella prima delle 10 improvvisazioni collettive qui incluse, la più concisa ma di quelle ad alta densità. Vi è tutta una sana bio-varietà (anche ironica) di strategie, interferenze e soluzioni foniche combinatorie – fra le altre, l’interessante confronto tra i due bassi (elettrico) di Del Piano e (acustico) della Bolognesi. Le altre 10 improvvisazioni della seconda sessione acustica si basano invece sulla coppia Del Piano e Marco Colonna, cui si aggiungono Stefano Giust per 2 trii e ancora Massimo Falascone per 3 quartetti. Le considerazioni generali prima esposte sono naturalmente qui estendibili, mentre, nello specifico, si vuol far presente soprattutto la piena rivelazione della sorprendente ricchezza delle possibilità espressive e creative di Marco Colonna. In Circular Worm, un trafficato duo con Del Piano, è impressionante la tensione e complicità che si genera tra la lunga, frastagliata, rapida ma estremamente sorvegliata corrente vibratoria in legato del clarinetto basso e le fantasiose interpolazioni ritmiche e timbriche del basso elettrico. Il guizzante trio di Scratch (con Giust in un pulviscolare percussionismo “sordinato”) si distingue invece per la spontanea chiarezza formale che assume, considerato che si poggia sulla pietra angolare di un minimale spasmo o brivido che regge elasticamente ogni tipo di urto e “stop and go”. Roberto Del Piano è un eminente depositario delle vicende storiche della modalità espressiva in libera improvvisazione /composizione spontanea, com’è noto connotata da misteriose mappe per viaggi sonori poco o nient’affatto ‘organizzati’, dunque da una continua e resistente dedizione alla formulazione di avvincenti ipotesi, richiesta anche nell’attività della fruizione. E per consuetudine è una modalità sempre orientata verso un radicale scavo (e ripensamento) strumentale per ampliare lo spettro sonoro e quindi rendere più complesso e ricco l’intreccio di una suprema sintesi creativa. Insomma, un’attitudine che si direbbe quasi di “scienza alchemica” che, come tale, richiede un alto profilo delle personalità partecipanti per poter padroneggiare l’accentuata necessità di centratura, bilanciamento e chimica delle sue mobilissime componenti. Del Piano ha perciò riunito in questa notevole produzione due illustri formazioni, in altrettante sessioni cronologicamente distanti quasi 3 anni, entrambe registrate da Paolo Falascone nello storico studio Mu. Rec di Milano per la casa di produzione parigina di Julien Palomo.” (Donatello Tateo)

(EN) Review of Roberto Del Piano “La Main Qui Cherche La Lumière” (Roberto Del Piano, Massimo Falascone, Pat Moonchy, Silvia Bolognesi, Roberto Masotti, Robin Neko, Paolo Falascone, Marco Colonna, Stefano Giust) on Free Jazz Blog 2016 “Roberto Del Piano has been a stalwart of the Italian free jazz scene of the 1970s, with stints in some of the most significant ensembles of the period, from Gaetano Liguori’s Idea Trio to Guido Mazzon’s Gruppo Contemporaneo. The first disc gathers a series of collective improvisations. Live electronics, handled by Falascone, Moonchy and a few guests, have and important role in defining the general mood of the album, combining old-fashioned sounds with a forward-thinking attitude that give the record a dark, intriguing cinematic atmosphere. The second disc features a more familiar concept and instrumentation, focused on distinct free jazz traits and tighter instrumental exchanges, but the results are far from predictable. The record is organized in different instrumental combinations, with a series of duets by Del Piano with Marco Colonna on clarinets, trios with Stefano Giust on drums, and quartets with Falascone on alto and baritone saxes. The opening “Meeting in Milan” features clarinet and baritone at their most aggressive, screaming over a thunderous base of bass and drums – a declaration of intents, establishing an uncompromising space of action for the following tracks. But soon the atmosphere changes, with the musicians free to follow their diverse attitudes. “Quiet Place” highlights Colonna’s passion for melodic explorations; “Mirrors” his mastery of circular breathing technique, complemented by Falascone’s concise delivery. Giust’s taste for unusual timbres and broken rhythms is evident in pieces like “Scratch” or “Polyphonic Organization”. Combining an unusual free improvisation session and an equally engaging free jazz meeting in the same package, La Main Qui Cherche La Lumière is not only an effective overview of Del Piano’s distinctive style and different activities, but it also offers a precious occasion to discover some of the excellent voices that animate today’s Italian free music scene.” (Nicola Negri)

(FR) Chronique de Roberto Del Piano “La Main Qui Cherche La Lumière” (Roberto Del Piano, Massimo Falascone, Pat Moonchy, Silvia Bolognesi, Roberto Masotti, Robin Neko, Paolo Falascone, Marco Colonna, Stefano Giust) par Sun Ship 2016 “Le label Improvising Beings s’est assigné une noble tâche, celle de la fidélité. C’est le cas avec le saxophoniste Sonny Simmons, avec le contrebassiste Alan Silva, avec le pianiste François Tusques, avec la chanteuse Linda Sharrock ou encore avec le trompettiste Itaru Oki. Bref, avec bon nombre d’esprits libres et frappeurs qui farouchement libre qui ont nourri nos musiques et les nourrissent toujours. Ils sont parfois oubliés, en marge. Des fois, ils sont de lointains souvenirs de l’époque dorée, d’une scène, d’une ville. Parfois ils ont fait des pauses, ils reviennent, on les retrouve. Tout ceci, c’est un peu le cas du bassiste électrique Roberto Del Piano, un bassiste électrique de Milan qui dans les années 70 participait à la palpitation ambiante du Free italien. On a pu le voir, plus récemment, dans le Tai-No Orchestra qui a des allures de collectif informel, où l’on dénombre beaucoup de musiciens présent dans le disque qui nous concerne aujourd’hui. Etonnant double album, avec ses deux ambiances, enregistrées à 1 an d’intervalle. Le bassiste joue avec le son tout autant qu’il porte le fer au milieu du choeur des graves dans le magnifique “Meeting in Milan”. Bel Eventail.” (Franpi)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) a Villa Ada (Roma) per 2014 “Complessità ed eleganza. Un Pierpaolo Capovilla inedito nel repertorio e nell’atteggiamento che sa stupire il suo pubblico rapito da musica e parole, scosso da una band eccezionale. Sul palco con il cantante Kole Laca “alle diavolerie elettroniche”, già tastierista del Teatro degli Orrori, sempre prezioso in ogni contributo; Alberto Turra alla chitarra elettrica, fondamentali le sue distorsioni allucinate; Francesco Lobina al basso, direttamente preso in prestito dal mondo del blues e del jazz; Stefano Giust alla batteria e alle percussioni, pronto a guidare i pezzi più classici e a dare spettacolo nei momenti più frenetici e Guglielmo Pagnozzi, sintetizzatore e sax alto, che al momento giusto sa dominare il palco con fascino magnetico. Tutti musicisti di primo ordine che giocano evidentemente un ruolo fondamentale, sta soprattutto a loro l’estemporanea ricostruzione delle difficili atmosfere di “Obtorto Collo”, è merito loro quell’improvvisazione senza incertezze che si avverte proprio nella sua capacità di seguire e rincorrere l’interpretazione di Capovilla, svincolandola da tempi prestabiliti e dandole così modo di esprimersi al meglio attraverso brevi pause e silenzi prolungati. In tutto ciò Capovilla rimane al centro della scena, protagonista nel dettare i tempi ma anche intelligente nel cogliere i momenti in cui farsi da parte in favore della band. Nel repertorio suonato non mancano due poesie di Pasolini (“Ballata delle madri”) e Majakovskij (“Lilicka! Invece di una lettera”), un pezzo degli One Dimensional Man (“A better man”) e due chicche dal repertorio del Teatro degli Orrori (“Io ti aspetto” e “Vivere e morire a Treviso”), quelle che non trovano spazio nelle esibizioni della band e che vengono accolte da un pubblico meravigliato ed emozionato. Dopo un’ora e mezza circa di musica, la band saluta un pubblico felicemente sconvolto da un concerto ricco e sentito, in cui Capovilla è stato in grado di far convergere ed aggiungere qualcosa alle varie anime della sua figura artistica. Impossibile comunque mascherare l’attaccamento all’ultimo lavoro, l’emozione nel vederlo compreso e riconosciuto dai presenti, apprezzato come un disco coraggioso merita, soddisfatto è invece il pubblico dopo una sua ricostruzione perfetta, intima e raffinata, investita di una carica emotiva difficile da dimenticare.” (Giulia De Carlo)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) a Villa Ada (Roma) per Qube Music 2014 “Il live è quello di uno dei cantautori più veri ed intriganti del panorama musicale Italiano. Si spengono i riflettori e sul palco inizia a prendere forma un sestetto di musicisti che da lì a poco avrebbe dato vita a “Obtorto Collo”. Quindici interpretazioni durante le quali l’artista non si risparmia e regala note che toccano le corde del cuore e lasciano un‘impronta indelebile. Intime, dolci e dolorose. Lo show musicale è di pregevole fattura e la presenza scenica di Capovilla cattura. Per lui ogni canzone diventa un espediente letterario. Capovilla mette in musica ognuno di noi presente nel parterre. Nel finale, magistrale l’esecuzione di “Lilicka”. (Luca Brado Ferri)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) al Magnolia (Milano) per Musica Rock 2014 “Un’ora e mezza di musica e parole che ha raccolto attorno a se un pubblico assorto e attento all’interpretazione dell’artista in un’atmosfera intensa resa tale anche grazie ai grandi musicisti che lo hanno accompagnato. Uno spettacolo coinvolgente e toccante che merita veramente di essere vissuto.” (Niska Tognon)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) al Magnolia (Milano) per Dafen Project 2014 “Grande serata quella passata ieri sera al Circolo Magnolia di Segrate. I testi taglienti e la musica intensa, resa grazie ad una band d’eccellenza, rendono il pubblico completamente assorto e affascinato dal live e dall’interpretazione che Capovilla da alle parole delle sue canzoni. Durante tutto il live si parla di temi delicati, come la violenza sulle donne in “Quando”, di morti di Stato in “82 ore”, che tratta la storia di Francesco Mastrogiovanni, morto dopo 82 ore di maltrattamenti (TSO) presso una clinica psichiatrica.” (Valentina Genna)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) al TPO (Bologna) per Outune 2014 “Il concerto di Pierpaolo Capovilla andato in scena al TPO di Bologna lascia in mano, a chi ha avuto la fortuna di essere presente, qualche bella certezza su questo suo “Obtorto Collo Tour”. Precipitatevi al prossimo concerto e godetevelo tutto. Sì, perché l’energia che arriva dal palco è impressionante; Pierpaolo canta, recita, racconta, si appassiona, si diverte, suona, pensa. E il pubblico con lui. Si solleva un’ovazione, naturalmente diretta anche ai musicisti che lo accompagnano, una vera forza. Se il disco vi ha lasciati perplessi, un live di questo tour cancellerà ogni dubbio sul primo lavoro solista di Capovilla.” (Sara Sargenti)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) al Magnolia (Milano) per OnDetour 2014 “C’è un moto disarmonico che, partendo dal titolo Obtorto Collo, attraversa per intero l’ultimo lavoro in studio di Pierpaolo Capovilla. C’è una complessità irrisolta dentro ai brani che l’ensemble di musicisti porta in scena in uno dei soliti freddi mercoledì dell’hinterland di Milano. Come la società che cerca di descrivere, la musica di Pierpaolo appare, nella sua resa dal vivo, una creatura (volutamente) sgangherata che si trascina seguendo, per l’appunto, un moto complesso e disarmonico. Gli artisti sul palco incarnano questa complessa disarmonia nella fisicità dei loro corpi, nella esperta gestualità dei movimenti da cui derivano le sonorità che, forti e precise, sferzano l’aria colmandola di un’impassibile tensione. Atterrisce, per la sua intensa bellezza, il suono del saxofono di Guglielmo Pagnozzi, che si mescola alle dolci e languide note della chitarra di Alberto Turra. Alla batteria, Stefano Giust, che presta al “rock” i suoi snodati polsi da jazzista senza precludersi una digressione nel campo della musica improvvisata, con un solo che inizia accartocciando bicchieri di plastica e termina sfregando i piatti sulle pelli dei tamburi. Francesco Lobina al basso, col suo fare un po’ olandese, e il pizzuto Kole Laca alle tastiere costruiscono un vibrante tappeto di suoni su cui si adagia la voce di Pierpaolo Capovilla che nell’esperienza di anni si è affinata, divenendo sempre più consapevole e intensa. La ricchezza delle contaminazioni musicali dipende dall’immenso background dei musicisti, di grande esperienza. La natura educativa – apparentemente intenzionale – del processo interpretativo, sia dal punto di vista musicale che in termini di critica sociale rimane, a mio avviso, ammirevole e tutt’altro che presuntuosa.” (Francesco Forzani)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) ad Asti Musica per Le Ringhiere 2014 “Pierpaolo Capovilla ha vinto. Di nuovo. Ho assistito a due date del tour di Obtorto Collo e no, non mi sono annoiata, neanche un secondo. C’è un’eleganza che sorprende. Capovilla è un attore nato: inutile allungarsi sulle sue doti recitative, è bravo, sa come muoversi e fare suo lo spettatore, con quello sguardo penetrante e quella voce un po’ rauca di chi ha fumato troppe sigarette. E se i concerti piacciono non è solo per Pierpaolo, ma anche perchè alle sue spalle ha dei grandi professionisti che rendono tutto meraviglioso. Il pubblico risponde alla grande e molto partecipe.” (Yolima Marini)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) al festival La Tempesta al Rivolta IV (Mestre) per Balena Bianca 2014 “Pierpaolo Capovilla, accompagnato da una validissima schiera di musicisti, sempre coraggioso e onesto, riesce ad accompagnare il pubblico verso territori poco festaioli e spensierati, grazie a una performance intensa in cui i passaggi teatrali e rumorosi si sono alternati a silenzi che suonavano come domande.” (Achab)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) al festival La Tempesta al Rivolta IV (Mestre) per Rumore 2015 “Undici concerti, due dj-set e migliaia di persone: questo è stato la quarta edizione del festival della Tempesta. La prima sorpresa è marchiata Pierpaolo Capovilla, che esegue Obtorto Collo con piglio convinto, supportato da una band in grado di gettare una luce diversa sul criticato esordio.” (Rumore)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) allo Spazio 211 (Torino) per Nerds Attack 2014 “Ogni volta che giunge la conferma dell’accredito, mi prende l’ansia. Devo ascoltare le nuove canzoni, devo leggere altre recensioni, cercare i nomi degli artisti della band, fare delle ricerche. Pierpaolo Capovilla allo Spazio 211, io c’ero. Si tratta del tour di lancio del suo primo album da solista “Obtorto Collo”, un disco decisamente controverso che ha ricevuto critiche e pareri discordanti. È scontato che chi apprezza la forza e la violenza del Teatro degli Orrori rimane spaesato, ma è un effetto voluto. La musica e la struttura della band assumono nuovi connotati, diversi dalle precedenti esperienze. La batteria è appena sfiorata, di netto impatto jazzistico, quest’ultimo confermato anche dalla presenza di un sax. Il concerto è piaciuto. Ho portato un mio stagista, e anche se all’oscuro del passato del protagonista, ha molto apprezzato lo spettacolo. Si è divertito ed ha imparato cose nuove. Forse allora era questo l’approccio giusto, all’evento come al disco. Bastava affacciarsi senza pregiudizi all’ora e mezza di musica e poesia, senza chiedersi niente, senza affanni. Godendosela e basta.” (Gerri J. Iuvara)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) all’Orion (Roma) per Outsiders 2014 “Con una band davvero eccezionale, Capovilla sale sul palco sulle note di “Bucharest” prima di aprire davvero il concerto con la sulfurea “Invitami” e subito si materializzano gli spazi intimi ed a tratti soffocanti dell’album, le atmosfere allucinate arricchite da timbri e rifiniture precisi. Alla band è affidato il compito di plasmare i brani, di costruire assoli fulminanti e di tendere il filo su cui Capovilla può muoversi sicuro di non cadere, libero di dare sfogo ad ogni sua ispirazione ed iniziativa. Ed in tutto ciò il cantante si diverte da assoluto protagonista, sfodera tutte le sue capacità da artista consumato, attore e musicista, comunica con il pubblico in modo trasparente, senza declamare o provocare, imbraccia il basso per sporcare ulteriormente la cupissima “Come ti vorrei” e dare maggior compattezza a “Dove vai”, si aggira sul palco per la crudele e teatrale “Quando”, si lancia nell’interpretazione da crooner di “Bucharest” e si immerge con straordinaria intensità nelle parole di Majakovskij in “Lilicka”. Ma sono soprattutto “Vivere e morire a Treviso” e la title track del disco, “Obtorto collo”, a sconvolgere in modi completamente diversi, la prima con la sua dolcezza dolorosa ma non rassegnata, non ha mai trovato spazio nelle esibizione del Teatro e viene ora eseguita in modo ancora più suggestivo grazie alla ricchezza timbrica dello stile del percussionista Stefano Giust; la seconda è rumorosa, pesante come un macigno, impietosa ed alienante ma commuove quando dopo tanta furia e disperazione sfocia nelle note finali. Così è Pierpaolo Capovilla e questo ci dice: che in fondo è una questione di umanità, che dall’angoscia ad una carezza l’unica via è un po’ di preziosa compassione, il sentimento più rivoluzionario contro questi tempi in cui viviamo.” (Giulia De Carlo)

Live report di Pierpaolo Capovilla (PPC, Guglielmo Pagnozzi, Alberto N. A. Turra, Kole Laca, Francesco Lobina, Stefano Giust) all’Orion (Roma) per Keep On Live 2014 “Uno spettacolo drammatico ma mai patetico, sempre impregnato di un malinconia elegante e caratterizzato da una estetica in bianco e nero. Sul palco dell’Orion Capovilla mostra invece il suo volto fiero, come sempre, ma allo stesso tempo si cala nei panni di un uomo solitario, serenamente senza speranza, trascinato nel “triste destino comune e quotidiano” del mondo Occidentale. L’orchestra – con sax, synth e piatti della batteria graffiati ad arricchire il classico assetto rock – fa il suo dovere e crea l’ambiente perfetto per le riflessioni di Capovilla. Vista la loro forma spesso tendente all’interpretazione teatrale, le canzoni di “Obtorto Collo” si apprezzano maggiormente dal vivo e generano un incedere di momenti toccanti, di derive noise, di lunghi silenzi rispettati religiosamente dalla sala. In questa veste intima, solitaria e sincera, Capovilla regge il confronto con i progetti che lo hanno reso celebre e si pone una spanna sopra rispetto a tanti nuovi “astri nascenti” della scena nazionale indipendente.” (Federico Petitto)

Recensione dell’album Gian Luigi Diana / Stefano Giust / Lorenzo Commisso “Cosa’altro” per Kathodik 2012 “Non alza nessuno steccato protettivo, “Cos’altro”. Intorbidisce i pozzi d’approvvigionamento, e mantiene a debita distanza, il guscio vuoto del concetto di nicchia. Taglia, cuci e percuoti, poi trova il passaporto e scappa lontano dall’asfissia. Arte del collage e orizzonti trance, sinusoide minimalismo e pow-pow afroasiatico, marchingegni piccini e ronzanti che ballano esclusivamente funk stecco secco, pattume metropolitano dronato e deliziosi cocktail cicuta/Carpenter. Nel tramestio oggettistico, fra un luogo e l’altro, parecchi (non detti) bizzarri haiku che capolinano. Per laptop, giradischi, chitarra, voce, batteria, oggetti, percussioni, elettronica e campionamenti. Chiederne un altro sorso, parrà troppo?” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Tobias Delius / Mikaele Pellegrino / Stefano Giust / Clayton Thomas / Chris Heenan “Three Nights in Berlin” per Kathodik 2011 “Tre giorni di azione a Berlino. Wendel, Staalplaat e Sowieso, i luoghi coinvolti. Cinque musicisti, che si montano in due quartetti ed un trio. Musica improvvisata, libertà e gioia palpabile. Jazz, fra nodose radici africane esposte, scomposizione europea ed increspature etniche. Tenerezze, strappi e complessità assortite (mai ammorbanti e fini a se stesse…). Sul filo della perfezione, senza trucco e senza inganno. Colloquio profondo e istantaneo, fra musicisti/spugna (compenetrazione reciproca, traduzione e rilancio immediato). La prima parte, indecisa fra tradizione e malinconia, la seconda, maggiormente frastagliata e tagliente, l’ultima esibizione, notturna, corale e riduzionista. Registrazione eccellente e grafica fascinosa. Rumor di ossa e muscoli, che s’incrociano e flettono armoniosamente. Gioiosa esposizione di musiche non convenzionali (praticamente da manuale).” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Tobias Delius / Mikaele Pellegrino / Stefano Giust / Clayton Thomas / Chris Heenan “Three Nights in Berlin” per Blow Up 2011 “I processi sono quelli della scomposizione, del prolasso jazz (bop) e blues nell’improvvisazione istantanea, che però in qualche modo ne vagheggia i temi e non vuole disfarsene completamente. Nelle tre notti berlinesi del 2009 quella del 16 ottobre allo Staalplaat vede il trio Delius, Pellegrino e Giust suonar tal quale. As You è bellamente lassa, con sax che costruisce giri ubriachi sul beat profondo di Giust e suona allucinata e no-blues soprattutto per via della chitarra. In Was A Thing le percussioni sono più secche e le corde accompagnano l’accendersi d’una tensione che sfoga attraverso il cono del sax che si muove con padronanza dal timbro afono allo strepito. Due sere prima, al Wendel, della partita era anche il contrabbasso di Thomas che ben si è trovato a dialogare e sdoppiare il fraseggio del sax (Zoo Off) ed ad oliare con un caldo pizzicato l’afrore urbano di City Thought in cui Pellegrino trama contro ipotesi melodiche. Il 17 al Sowieso c’è Heenan a intrecciare le armi, il livello di scontro si eleva (Isn’t), bontà anche del fraseggiare delle ance che trascina la band da suggestioni parkeriane ad una scientifica aggressione al bop (Touch).” (Dionisio Capuano)

(EN) Review of Tobias Delius / Mikaele Pellegrino / Stefano Giust / Clayton Thomas / Chris Heenan “Three Nights in Berlin” on Jazz Word 2011 “Without borders is more than a slogan when it comes to free music, a sentiment proven by these exceptional improvisations. Recorded live, this CD demonstrate the empathy exploratory musicians from different countries possess. Further compounding the 9pt-world theory, Clayton Thomas, now a Berliner, seems to be in every second group in that city. Also now a Berlin resident, Rome-born guitarist Mikaele Pellegrino works with other sound explorers such as drummer Michael Vorfeld, as well as Californian-in-Berlin reedist Chris Heenan, who also plays on this CD. Also present on all tracks is saxophonist/clarinettist Tobias Delius, the British-born member of Amsterdam’s ICP Orchestra, who now makes Berlin his home. The visitor in this case is experienced Pordenone, Italy-based, Swiss-born percussionist Stefano Giust, who has played with other reedists such as Carlo Actis Dato and Gianni Gebbia. Appropriately enough the Berlin improvisations differ on each night, depending on the personnel. No matter which, however, Giust – who in the early 1990s co-founded the Setola di Maiale independent musicians’ network – and his confreres have such command of the material that each of the tunes seems to zip by. Interestingly enough as well, each of the performances can be defined as Free Jazz. “As You”, one of the trio intermezzos that divides the quartet performances, is outstandingly fascinating though, since on it Giust, Delius and Pellegrino cleave closest to Free Music with some obeisance to more mainstream sounds. Those echoes appear in the deep-dish Ben Webster-like blowing from the tenor saxophonist and a later jaunty line that could be “Flight of the Bumblebee”. Meantime the guitarist’s irregular downwards strokes are spelled by country music-like twangs and stops; while the drummer keeps up a martial snare pattern. Elsewhere during the track however, Giust exposes rattles, rim shots, pitter-patters and cymbal clatters; as Pellegrino’s squeaky guitar slides and percussive rasgueado mirror in double counterpoint Delius’ reed bites, sibilant extensions and crying guttural smears. While the guitarist and drummer revert to rhythm section accompanist roles on the Heenan quartet tracks, the sounds are still far from the standard two-saxophone battles. Atop Giust’s raps and ruffs and Pellegrino’s speedy picking, the two saxes honk and growl staccato lines, eventually dividing the reed lines between the tenor saxophonist’s double-tongued buzz and similar drones from Heenan’s alto sax. Gravitas is more apparent when the horn men bring out their doubles: pedal-point bass clarinet snorts from Heenan and slinky, triple-tongued variations from Delius’ straight clarinet. Paced exquisitely, the bonding climax occurs as Giust’s mallet-driven pumps link Delius’ reflux flutters and Heenan’s spreading ostinato. Thomas’ wood-rending slides and string crunches produce completely different overtones when he becomes the fourth partner. That’s because guitar, bass and drums together constitute a prototypical Jazz rhythm section. “Zoo Off”, for instance, is built on the bassist stretching his strings ever tighter, while Pellegrino strums note clusters and Delius unleashes a series of tongue smears, slaps and irregular vibrations. Additionally Giust’s opposite sticking on cymbals, plus busy drags and rebounds replicate the abrasions of electronic oscillations as “City Thought” becomes more conceptual. Most impressive is the unique contrast between Delius’ legato clarinet vibrato, mirrored by the guitarist’s classical guitar licks, and a contrasting invention as Thomas’ bowed bass line, which doubles the tenor saxophonist’s diaphragm-pitched smears and tongue flutters. More than sessions where visiting musical firemen play alongside other, usually local players, this CD present intuitive sound melding with equally committed improvisers on all sides.” (Ken Waxman)

Recensione dell’album Tobias Delius / Mikaele Pellegrino / Stefano Giust / Clayton Thomas / Chris Heenan “Three Nights in Berlin” per 2011 “Disco condiviso tra il tenorista e clarinettista Tobias Delius (Icp Orchestra, Steve Lacy, Louis Moholo-Moholo, Ray Anderson, Mark Feldman, Jeb Bishop), il chitarrista Mikaele Pellegrino, Stefano Giust (poliedrico, per stile e influenze, percussionista e fondatore dell’etichetta Setola Di Maiale), Clayton Thomas (Peter Brotzmann, Ken Vandemark…) al contrabbasso e il polistrumentista Chris Heenan. Si tratta in effetti di un disco molto variegato e interessante, che ci presenta cinque musicisti dare vita a una talvolta densa e talaltra rarefatta e notturna materia sonora free form mai completamente astratta; intriga in particolare Tobias Delius, che qui suona in un contesto tutto sommato lontano dalla giocosa estroversione delle sue formazioni di base, ma anche Stefano Giust che ormai sembra completamente a proprio agio, coi suoi set di percussioni, in qualsiasi contesto (oltre che improvvisatore è compositore di musica acusmatica/elettronica). Disco che si regge sul dialogo tra generazioni e esperienze musicali differenti che tra derive post bop, astrazioni europee e etnicità decontestualizzate mostra un interessante tentativo di sintesi e rilancio di forme musicali complesse ed essenziali al tempo stesso.” (Gianpaolo Galasi)

Recensione dell’album Tobias Delius / Mikaele Pellegrino / Stefano Giust / Clayton Thomas / Chris Heenan “Three Nights in Berlin” per Jazz-It 2012 “Musica scura e grumosa, quieta e riflessiva pur nella sua energia. La free music europea, e qui abbiamo nella cosmopolita capitale tedesca un esempio di come la comunità free sia appunto transnazionale, non abbandona asprezze e spigolosità, ma le mette al servizio di uno sviluppo pensoso dove c’è spazio per silenzi e puntillismi. Spicca la presenza di uno dei più significativi sassofonisti free del Vecchio Continente, Tobias Delius, qui al sax tenore e clarinetto. In particolare nei due brani in trio abbiamo modo di apprezzarne la versatilità, l’inventiva e la padronanza strumentale. Giust alterna morbidi mallets e feroci bacchette senza mai invadere gli spazi, attento al dialogo costante. Il terzo concerto ci offre una musica che i due fiati rendono più densa grazie anche al clarinetto contrabbasso di Heenan.” (Flavio Massarutto)

Recensione dell’album Tobias Delius / Mikaele Pellegrino / Stefano Giust / Clayton Thomas / Chris Heenan “Three Nights in Berlin” per All About Jazz 2012 “Da quasi vent’anni l’etichetta Setola di Maiale sforna CD di sperimentazione senza confini, che documentano spesso le collaborazioni fra improvvisatori italiani e stranieri. Nelle tre notti berlinesi dell’ottobre 2009 il percussionista Stefano Giust si trovava ad operare in un trio completato da Tobias Delius, al tenore e clarinetto, e dal chitarrista Mikaele Pellegrino. In due serate il trio si trasformò in quartetto con l’inserimento del contrabbassista Clayton Thomas e di Chris Heenan al sax contralto e al clarinetto contrabbasso. Delle tre situazioni la più convincente risulta quella in trio nei due brani centrali, “As You” e “Was a Thing”. In questo caso infatti emerge un interplay equilibrato e intenso fra i tre improvvisatori. Delius, come è suo solito, procede sornione e divagante secondo un’ambigua imprevedibilità, con accensioni eccentriche e flebili smorzamenti sia del sound che del fraseggio. Ottimo anche il lavoro di Giust, che espone un drumming asciutto e crepitante, fra minute inconsistenze e sussulti nervosi. Si staglia evidente anche il contributo della chitarra acustica o elettrica di Pellegrino, con sortite efficaci, a differenza dei brani in quartetto in cui il suo ruolo appare dimesso e appartato. In “Zoo Off,” “City Thought” e “Living Floors” il contrabbasso di Thomas inserisce un colore scuro ed evanescente delineando così la situazione più criptica e introversa del CD. “Isn’t” e “Touch” invece vedono l’ingresso delle ance di Heenan, che ingaggiano un dialogo scontroso con quelle di Delius. Three Nights in Berlin costituisce comunque un documento di improvvisazione totale, rigorosa nella sua scabra e increspata pronuncia, nel rovello di una ricerca istantanea, ma forse un po’ datata per la sua comunicativa per certi versi asfittica, che rifiuta cadenze regolari, riff o spunti melodici riconoscibili, per privilegiare quasi esclusivamente la densità ondivaga dell’incedere dinamico e timbrico.” (Libero Farné)

Recensione dell’album Crash Trio (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Live at Crash” per Sands-zine 2008 “Un pezzo unico, irripetibile, la vera essenza dell’improvvisazione. Un sax guida irrefrenabile, una batteria imprevedibile e una chitarra che cesella nel particolare l’intricata rete stesa da sax ‘n’ drums. I tre trovano subito l’affiatamento, senza concedersi pause di riflessione, buttandosi a capofitto nella musica senza mostrare segni di cedimento; è una corsa incalzante di invenzioni, degna di un gruppo navigato. Spettacolare.” (Alfredo Rastelli)

Recensione dell’album Crash Trio (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Live at Crash” per Sodapop 2011 “Questo è un super trio amici miei, nel caso non conosceste gli altri due compagni di viaggio di Stefano Giust sono Iemulo, un chitarrista piuttosto conosciuto nel giro dell’improvvisazione e Edoardo Marraffa, sassofonista altrettanto noto. Improvvisazione radicale con una forte base di jazz che fotografa un Giust più che mai delicato, un Marraffa sbizzarito ma non completamente selvaggio e uno Iemulo che si interpone come cuscinetto fra i due. Un trio che lavora in modo sinergico e questo è intuibile anche semplicemente dal modo in cui passano da baruffe free a spazi in solo, come nel primo caso in cui Iemulo e Giust lasciano di colpo Marraffa per poi affiancarlo in modo graduale a passi molto felpati. Se la partenza a bomba può far sospettare che si tratti di un disco esageratamente muscolare, l’idea è sbagliata: infatti nella seconda impro i tre si muovono in modo sghembo e solo a tratti ritornano a picchiarsi in un parapiglia da downtown new yorkese dei bei tempi, dove il jazz alla Blue Note poteva giusto sembrare un giochino per “little pussies”. Marraffa è un musicista molto frontale e chi avesse già avuto modo di ascoltarlo in altri lavori o in sede live lo sa, in questo caso segna molto il modo di procedere degli altri due, ma non si tratta comunque di una dittatura, infatti Giust e Iemulo non se ne stanno troppo a guardare ma fanno delle loro per intersecare il piano a modo loro. Free jazz made in Italy al meglio.” (Andrea Ferraris)

(FR) Chronique de Crash Trio (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Live at Crash” par Improjazz 2009 “Super! Iemulo est un excellent improvisateur à la six cordes et Giust est un percussionniste efficace et expérimenté et avec Marraffa – un son, un phrasé, un timbre, un lyrisme authentiquement aylérien!! -, ils forment un bon groupe de scène qui allie une énergie non feinte et explosive venue du jazz libre afro-américain, la liberté totale et la recherche sonore de la free–music européenne.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Review of Crash Trio (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Live at Crash” on Jazz Word 2009 “When it comes to pure improv, these players can be appreciated for the way they mix external influences, extended technique and atonality with cohesion, while being careful not to shrivel interaction into stasis. On three long improvisations the setting and the appreciative audience spur the other players as well. Iemulo turns from plunks to steel-string riffs and vibrating clicks while Giust rolls, pops and drags, with the cumulative speed presto. The nearly 17-minute “Elica” is the centerpiece, although elsewhere Marraffa does occasionally blow both saxes simultaneously as Iemulo frails his guitar strings while the drummer sticks to nerve beats and rim shots. Unrolling kinetically in lower pitches on “Elica”, the guitarist creates a basso continuum with a combination of strums and plucks, as the saxophonist emphasizes glottal punctuation and Giust rolls and pops parts of his kit. Upping the ante with percussive downward strokes, single-string snaps and plinking taut strings below the bridge, Iemulo’s theme fragments push Marraffa to altissimo puffs and tongue flutters streaking across and filling the sound field, this reed overblowing is answered by distorted yet powerful frails from the drummer. This disc confirms that Northern Italian improvisers are still as frisky, first-rate and frenetic as they have been in the past – even if they live in the United States.” (Ken Waxman)

(EN) Review of Crash Trio (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Live at Crash” on Monsieur Delire 2012 “An Italian free improvisation concert between sax player Edoardo Marraffa, guitarist Chris Iemulo and drummer Stefano Giust. It’s been a while since I’ve heard Marraffa playing such wild and powerful music. Three pieces, aournd 15 minutes each, recorded in January 2008. Fine smoking performances.” (François Couture)

(FR) Chronique de Crash Trio (Edoardo Marraffa, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Live at Crash” par Monsieur Delire 2012 “Concert italien d’improvisation libre entre le saxo Edoardo Marraffa, le guitariste Chris Iemulo et le batteur Stefano Giust. Ça fait longtemps que je n’ai pas entendu Marraffa être aussi puissant et sauvage. Ça fait plaisir à attendre. Trois pièces d’une quinzaine de minutes, enregistrées en janvier 2008. De belles prestations qui brassent la cage.” (François Couture)

Recensione dell’album Gianni Gebbia / Stefano Giust / Xabier Iriondo “L’Edera, Il Colle, e la Nebbia” per Altremusiche 2009 “Probabilmente tre fra i migliori improvvisatori in circolazione in questo disastrato paese. Forse nella musica non è ancora tutto convertibile in moneta, o almeno, continuiamo ad augurarcelo. Ad ogni buon conto siamo per le eccezioni. E tra le migliori che cerchiamo di segnalare qui, ci sono certamente musicisti come Gianni Gebbia, Stefano Giust e Xabier Iriondo. Il primo: un sassofonista dal piglio molto originale, ricco di suoni e abile nel mettere a frutto l’intera e cospicua gamma espressiva. A quanto ci consta, insieme a Gianni Mimmo uno dei sassofonisti migliori di questa provincia dell’impero. Quanto a Giust, al di là dell’indubbio merito divulgativo di quell’idea eterodossa di far musica attraverso l’etichetta Setola Di Maiale, è anche lui musicista di ottimo livello, il cui pregio migliore è forse saper individuare il proprio posto all’interno di una performance. Indubbiamente la capacità di ascolto è una dote che non gli manca, contestualmente a un drumming mai scontato. Iriondo si muove tra elettronica, marchingegni vari e strumenti autocostruiti: piace questo rimettersi in discussione da parte dello Steve Beresford italiano. Iriondo trova intime relazioni tra i suoi rumorismi dal carattere quasi puntillistico e il mondo dei suoni che lo circondano. Le session in questione, catturate da tre differenti esibizioni fotografano bene un contesto spartano dal punto di vista della produzione, ma sincero sotto il profilo dell’ispirazione. Può bastare no?” (Michele Coralli)

Recensione dell’album Gianni Gebbia / Stefano Giust / Xabier Iriondo “L’Edera, il Colle, e la Nebbia” per Alias/Il Manifesto n.21 2009 “Registrato dal vivo, questo disco offre all’attenzione un Gebbia il meno lunare che si conosca. Suona con Stefano Giust, e con Xabier Iriondo, e questi gli danno un sostegno solido che gli permette di giocare tra mood e slanci lirici nella costruzione delle tese atmosfere estenuate che danno carattere alla performance qui registrata. C’è della jungle ironica anche, ma, naturalmente, d’asfalto e notturno. Economia di segni sonori e velature intese a rendere più attento l’ascolto. Non è che ci si appropri facilmente di questi sargassi sonori, ma qui vien fatto il meglio a questo fine: non c’è nulla di plateale, ma il suon di un mistero. All’ascoltatore farlo diventare morbida favola.” (Giampiero Cane)

Recensione dell’album Gianni Gebbia / Stefano Giust / Xabier Iriondo “L’Edera, il Colle, e la Nebbia” per Kathodik 2009 “L’Edera, il Colle, e la Nebbia” ci ricorda che l’improvvisazione non è onda momentanea da cavalcare, in attesa della prossima tendenza annoiata. Gebbia, Giust e Iriondo in questo sono maestri. Avendo negli anni intrapreso un tenace percorso, costellato di collaborazioni durature, incontri occasionali e sketch solitari. Il lavoro, teso e non frammentario, circumnaviga territori free jazz (sensuale e profondamente cool…), leggermente screziati di elettroacustica. Un incedere in costante sottrazione, dove il drumming di Giust rappresenta idealmente la terra calpestata, i fiati di Gebbia la memoria ed il rilancio, e le corde e l’elettronica di Iriondo un metallico ventaglio di suggestive pulsioni/indicazioni vitali. Bellezza strettamente correlata, con una tenace pratica quotidiana (di vita/in vita). Signori questa è improvvisazione. Non una facile scorciatoia per produrre qualcosa (spesso l’equivalente di uno sputo). Applausi.” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Gianni Gebbia / Stefano Giust / Xabier Iriondo “L’Edera, Il Colle, e la Nebbia” per Sentireascoltare 2009 “Titolo poetico per l’ennesimo lavoro collaborativo tra Mr. Setola di Maiale Stefano Giust e Gianni Gebbia. Al batterista extraordinaire spesso e volentieri citato in queste pagine e al sassofonista free palermitano si aggiunge un terzo elemento che non sfigura affatto come terzo vertice del triangolo: Xabier Iriondo. Le sette improvvisazioni libere non lasciano spazio a dubbi sulle capacità creative e sulla sensibilità del trio. In questo è centrale l’operato di Giust e del suo indubbio orecchio musicale, capace di sottolineare col drumming eterogeneo che lo caratterizza da sempre ogni momento della performance. Ai lati, per modo di dire, il sax alto di Gebbia contrappunta con dettagli, frammenti, frattaglie e stacchi minimi mentre Iriondo si china sulle sue creazioni artigianali per condire, riempire, stranire il suono prodotto dai sodali. “L’Edera, Il Colle, e La Nebbia” è il sunto di performances live dei tre in cui si procede per sottrazione, anzi per riduzione senza per questo risultare minimali, perché a scavare, anche nei vuoti e nei silenzi che lo condiscono, se ne trovano eccome di gemme. Veramente pregevole.” (Stefano Pifferi)

(FR) Chronique de Gianni Gebbia / Stefano Giust / Xabier Iriondo “L’Edera, il Colle, e la Nebbia” par Improjazz 2009 “Cet album nous fait découvrir un univers différent, plus risqué et tourmenté que celui, magnifique, du duo du saxophoniste alto Giannni Gebbia et du percussionniste Stefano Giust (Duets, un véritable classique du genre publié par Setola di Maiale). Dans cette aventure, les duettistes sont rejoints par Xabier Iriondo. Gebbia joue aussi de la flûte, Giust agrémente sa batterie d’objets usuels et Iriondo est crédité électronique. Des extraits de concerts de différentes durées entre quatre ou neuf minutes et deux d’un quart d’heure nous font entendre une variété de climats, d’équilibres et d’intensités. Les trois musiciens ont abordé intelligemment (et spontanément) plusieurs approches de l’impro collective, chacun sachant développer ses idées indépendamment quand c’est nécessaire ou au contraire se fondre et s’échanger les rôles au plus vite. Aussi, ils font vivre les instants où la musique se rapproche du silence et où l’auditeur tend l’oreille vers des détails infimes. Ces moments donnent toute leur signification aux dénouements à venir. Une réelle maturité. Gebbia est au moins aussi original que le fût naguère John Tchicai (ICP 002 avec Bennink et Mengelberg il y a très longtemps) et ses deux compagnons construisent un univers sonore à la hauteur de la poésie qui se dégage du saxophone. Un super trio!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Review of Gianni Gebbia / Stefano Giust / Xabier Iriondo “L’Edera, il Colle, e la Nebbia” on Jazz Word 2009 “Very focused – at least to the extent that the seven tracks have individual titles – L’Edera, Il Colle, E La Nebbia is a rare touring excursion for Giust, joined by Palermo-based alto saxophonist Gianni Gebbia, one of the most traveled Sicilian improviser and Milan’s sound manipulator/guitarist Xabier Iriondo. Belgian trumpeter Bart Maris, who directs the Flat Earth Society among other aggregations, joins the trio on one track. Before that happens, L’Edera, Il Colle, E La Nebbia, like its title, balances the contributions of the three main players. “Camminando Guardo” and “Fosse Fluido Farlo” for instance, which follow one another, evolve from what initially could be variations on a standard theme to an interlude where the saxophonist begins parodying the lyrical line with tongue slapping. Iriondo distends the timbres still further by feeding irregular whooshes, blurry staccato eruptions and garbled vibrations into the mix via his electronic equipment. Gebbia responds with tongue flutters and slaps as Giust adroitly vibrates cymbals, while simultaneously applying enough lopsided pressure to the drum set to suggest the sound of tuned garbage-can lids. Without differentiating which gradually accelerating pulses are being patched in from which player’s crackle box, the electronic interface darkens when reed bites and drum top paradiddles are added. Slinking and skidding, antipodal timbres ricochet, shudder and squeal throughout many other tracks. Often present are fluttering tongue smears, irregular rim shots and drum sticks roughly dragged along cymbal tops, plus the distorted and oscillated textures available when the tonal centre is shifted. Also audible is the faint hint of a voice from a radio broadcast on one track and some distracted pings from Iriondo’s instrument arsenal elsewhere. Yet the wave-enhanced contrapuntal tones still skirt the inchoate, especially when Gebbia’s distancing twittering and reed bites introduce enough of a narrative to join with Giust’s press rolls, rebounds and multi-directional strokes. Maris’ fluttering grace notes and plunger tones initially connect with Gebbia’s mid-range honks to create shrilling call-and-response as the drum set clatters and pumps. When Iriondo’s pedal-point waves form themselves into textures as percussive as those produced by the drummer, the four-way improv climaxes. Highly accomplished, unabashed free music, the Italians players on this disc can hold their own in any situations.” (Ken Waxman)

Recensione dell’album Gianni Gebbia / Stefano Giust “Duets” per Sands-zine 2007 “La cosa che mi ha colpito fin da subito dell’accoppiata Giust/Gebbia è l’espressività. Credo che molto del fascino che ho trovato in questo disco dipenda dalla complementarietà del modo di suonare dei due: se l’impronta di Gebbia, soprattutto dal punto di vista melodico, è fortissima, è altrettanto vero che Giust si adatta ‘hand in glove’ al modo di suonare del sassofonista. Il risultato è free jazz melodico di grande gusto, retrò nel senso buono del termine dove non si cade nel passatismo: la personalità permette loro di staccare rispetto alla semplice citazione. Qui sta la grande differenza fra l’improvvisazione ispirata e quella puramente onanistica, nel caso di “Duets” c’è passione, tanto da rendere interessante quello che molti duo fiato-batteria finiscono per far risultare un po’ come un binario morto.” (Andrea Ferraris)

(EN) Review of Gianni Gebbia / Stefano Giust “Duets” on The Wire 2008 “There’s much to admire in these duets from italian saxophonist Gianni Gebbia and drummer Stefano Giust; they have cultivated ears for rarefied texture” (Philip Clark)

(FR) Chronique de Gianni Gebbia / Stefano Giust “Duets” par Improjazz 2009 “Stefano Giust est un excellent percussionniste et un improvisateur sensible et intelligent. Ses 15 courts dialogues avec le saxophoniste alto Gianni Gebbia aux titres dessinés et stylisés fonctionnent à merveille et sont hautement recommandables. Dynamique et lyrisme font excellent ménage avec une lucidité et un remarquable éventail des possibilités expressives des musiciens. Gebbia est un des grands lyriques de l’improsphère européenne non formattée. Une parfaite réussite et un enregistrement attachant. Bravo sur toute la ligne!” (Jean-Michel Van Schouwburg)

Recensione dell’album Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) per Sands-zine 2007 “Camusi è lavoro di una bellezza infinita, semplice, come le parole che usano per descrivere quel che fanno; persone schiette che vivono di passioni intense. Camusi sfianca le parole, le rende inutili; ci voleva. Potrebbero senza volerlo aver creato un divario fra l’ora ed il poi. Ti apre una voragine sotto i piedi. Quanto tempo era che non mi si rizzavano più i peli sulle braccia? Camusi possiede un dono prezioso: la visione.” (Marco Carcasi)

(EN) Live report of Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) at Hanoi New Music Festival 2013, for The Onion Cellar 2013 “A solo concert from the Italian duo Camusi – who totally burnt the house down and melt the faces and minds of all present at their concert on Monday as part of the Hanoi New Music Festival 2013.” (Hung Tran)

Recensione dell’album Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) per SentireAscoltare 2007 “È il duo Giust/Oliva la sorpresa più stimolante del 2007. La fusione estatica tra due spiriti affini genera un mostro a mille teste, al cui ascolto si resta pietrificati. Madame P si autofagocita in continui controcanti. Giust stende un tappeto ritmico che ha dello straordinario. Musica che avvolge mondi lontani.” (Stefano Pifferi)

Recensione dell’album Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) per Sodapop 2007 “Credo che molti di voi conoscano Stefano Giust e Patrizia Oliva (Madame P) e se così non fosse li inquadreremo dicendo che lui è uno dei batteristi (limitante visto che suona anche altro) più eterogenei che ci siano in Italia. Madame P se non rimarrà nella memoria per aver fatto parte della prima line up delle Allun è rimasta impressa per i suoi millemiglia tour. Incredibile dictu se anche i due si lanciano in campi tortuosi, il disco è molto melodico ed a tratti etereo, tutto “ruvido” però. Ultimi grandi spettri che aleggiano sono psichedelia e minimalismo orientale.” (Andrea Ferraris)

Recensione dell’album Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) per SentireAscoltare 2007 “Progetto tra i più stimolanti di quella epifania vivente che è Stefano Giust, Camusi è un duo di improvvisazione atipicamente jazz, nato dall’incontro con Patrizia Oliva. La Camusica nasce in quell’interstizio esistente tra le cifre stilistiche peculiari dei due: l’elettronica rumorista e la ricerca sulla voce di Madame P e l’enorme mole percussiva larvatamente jazz di Giust. La voce della prima si spezza, si rifrange, si autofagocita. La capacità di adattamento a contesti sempre più diversi di Giust mostra una compiutezza ormai pressoché perfetta nel saper disegnare paesaggi sonori personali. A risalire dal profondo dell’animo dei due protagonisti sono memorie di una atavica bellezza manifestate sotto forme musicali cangianti: da ipotesi di trip-hop formless a nenie che guardano ad oriente. Un esordio col botto per due musicisti tanto interessanti quanto sottovalutati.” (Vincenzo Santarcangelo)

Live report di Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) al festival Scatole Sonore (Roma) per Succo Acido 2008 “Il live è sfolgorante: i ritmi frammentati di Giust mutano con la naturalezza di un battito d’ali; è free jazz, è improv radicale, è addirittura trip hop, ogni pezzo porta la sua impronta, indelebile. Non è da meno la Madame per eccellenza: la sua voce trasuda passione e veemenza, è un graffio, una carezza. Tutto questo trascina il suono dei Camusi nel baratro dell’anima, per poi risalire al cielo. Una forma di improvvisazione che riesce nel miracolo di non apparire raffazzonata o capitata per caso. Da non perdere, se li avvistate in concerto.” (Italo Rizzo)

Live report di Camusi (Patrizia Oliva, Stefano Giust) al festival Scatole Sonore (Roma) per Blow Up 2008 “Una delle più interessanti rassegne underground romane si riapre nel 2008 sotto il segno del genio. Quello del batterista Stefano Giust, percussionista di incredibile talento e dal groove dannatamente negroide. Camusi ha un tiro devastante: un qualcosa che odora di new thing, bagnato però nelle torbide acque dell’improvvisazione europea e nei solchi di un virtuale rumorismo. La duttilità del duo è un discorso di telepatia, di prontezza nel trasportare gli stimoli cerebrali agli arti. Una performance di grande magnetismo ed impatto.” (Luca Collepiccolo)

Recensione dell’album Edoardo Marraffa / Marco Tabellini / Vincenzo Vasi / Stefano Giust “Old Red City” per Kathodik 2009 “Sanno cosa fanno, con chi lo fanno e dove lo fanno. “Old Red City” è una salutare pedata nel culo per molti improvvisatori ‘improvvisati’, che si sentono eterodossi, ma hanno manette belle strette ai polsi. Marraffa, Vasi, Giust e Tabellini, possiedono storie defilate, importanti e senza compromessi. E son impegnati, costantemente e caparbiamente, nel lasciar una scia, una direzione/ipotesi percorribile per chi verrà. La messa in pratica militante, di pure scintille di genio. Il quartetto improvvisa, e ti par un gruppo di quelli che si alza, colazioneggia, pranza, cena, dorme, sempre mano nella mano, stretti stretti. E vanno, s’intrufolano, s’interrogano, si confrontano, in un dialogo sempre aperto, che, d’istante in istante, si carica ed arricchisce di suggestioni disparate (il bellissimo insieme, gioioso/giocoso/esplosivo di Vernicepiena, il blues sottopelle che preme in Bucaneve). Ora, se fra dieci anni, andremo a comprarci la ristampa giapponese (costosissima) di questo cd, oppure, in alternativa, ci troveremo questo live in scarico, sul nipote del mulo di oggi, vorrà dire che siamo dei perfetti cretini. Vi volete bene? Allora cercate questo cd, ma, sopratutto, invitateli a suonare, sui vostri tetti, nelle vostre case, nei giardini, sui palchi del vostro centro sociale preferito, nel locale dietro casa, in quello lontano da casa, ospitateli, parlateci, organizzatevi, muovetevi, datevi da fare, perché, il loro (e vostro…) futuro, lo avete fra le mani. L’arte del rabdomante che si tramuta in segno politico.” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Edoardo Marraffa / Marco Tabellini / Vincenzo Vasi / Stefano Giust “Old Red City” per Sands-zine 2009 “Grande impro-music, un disco di ispirata improvvisazione, sospesa tra jazz (il sax di Marraffa e la batteria di Giust) e rock (il basso elettrico di Vasi e la chitarra di Tabellini); se in Insettocerto i quattro si lasciano andare al puro divertimento, nella successiva Vernicepiena, le cose cominciano a farsi serie regalandoci sprazzi di grande musicalità; ma è solo in Lavabianca che viene dato sfogo a tutta la loro verve iconoclasta, in una suite che potrebbe durare veramente all’infinito.” (Alfredo Rastelli)

Recensione dell’album Carver (Ninni Morgia, Silvia Kastel, Patrizia Oliva, Stefano Giust) “Raw” per Sentireascoltare 2011 “Traggono forse ispirazione per il nome dal padre del minimalismo letterario americano i quattro Carver, ma visti i nomi coinvolti non di mera speculazione si tratta, quanto di affinità elettive. Il quartetto doppio misto è infatti composto da nomi noti a chi indaghi le frange meno lineari del jazz informale o del chitarrismo off e minimale italiano: da un lato, una coppia consolidata da anni di frequentazioni, da un animo affine e da almeno una esperienza, i Camusi, per chi scrive tra le più eccitanti del panorama nazionale: Stefano Giust alle pelli e Patrizia Oliva aka Madame P a elettronica, field recordings e voce. Dall’altro, una coppia di ex-newyorchesi di recente composizione ma affiatatissima e sulla cresta dell’onda del free-rock: Silvia Kastel (a synth, mixing e mastering) e il nostro personale guitar hero Ninni Morgia. Una sorta di quartetto delle meraviglie, dunque, un all-star game da giocarsi sul terreno scosceso del free-noise più cerebrale e meno impetuoso, dell’improvvisazione libera (l’albo è stato registrato in un unico take) macchiata di jazz fratturato e dell’isolazionismo spinto condito di silenzi, assenze, ricami, gorgoglii e quant’altro d’ordinanza. Il tutto però fuori dall’ordinario, perché ci saremmo meravigliati del contrario viste le capacità dei singoli di giocare fuori schema, anzi creando un proprio schema che si va facendo canone nelle sensibilità off. Citare una delle sette tracce untitled sarebbe perciò riduttivo così come elencare le singole componenti in atto, un mero tentativo di ridurre alla razionalità una musica che è puro sentire, flusso di coscienze libere e ondivaghe. L’abbandono è quindi l’unico suggerimento, quasi categorico.” (Stefano Pifferi)

Recensione dell’album Carver (Ninni Morgia, Silvia Kastel, Patrizia Oliva, Stefano Giust) “Raw” per Sodapop 2011 “Abbiamo a che fare un super quartetto. Questa è space-psichedelia oppure space-free music in cui le diverse componenti funzionano molto bene, infatti l’elettronica analogica delle due signore e qualche inserto vocale della Oliva si sposano bene con una batteria jazzy ed una chitarra free-rock che non si fa problemi a distorcere quando ci vuole. Un disco che si fa ascoltare e se siete di quelli per i quali molte uscite della Setola Di Maiale sono troppo storte o troppo jazzy, forse in questo caso potreste rimanere sorpresi. Sicuramente non si può dire che si tratti di un lavoro di grandissima accessibilità, tant’è che qua e là i musicisti si permettono persino il lusso di sfoderare delle parti dritte. Un bel lavoro.” (Andrea Ferraris)

Recensione dell’album Squame (Edoardo Ricci, Alessandro Boscolo, JD Zazie, Walter Belloni, Stefano Giust) “Live at CPA Firenze Sud” per Kathodik 2007 “Radicale e tagliente. La caratura dei musicisti in partita d’altronde non si discute. Uno scroscio di aromi free jazz innestati su di un substrato elettronico/contemporaneo. Uno spettacolo! Beato chi quella sera c’era! Se qualcuno è in grado di occupare 25 minuti in maniera migliore di questa me lo faccia sapere. Eccellente!” (Marco Carcasi)

(FR) Chronique de Squame (Edoardo Ricci, Alessandro Boscolo, JD Zazie, Walter Belloni, Stefano Giust) “Live at CPA Firenze Sud” par Improjazz 2009 “Un cédé court: Virtual 17:09 et Real 8:50, mais bourré d’énergie. Stefano Giust est la tête pensante et le graphiste de Setola di Maiale, un label au catalogue impressionnant par sa diversité et sa productivité. Mais il est surtout un batteur qui a le chic naturel pour jouer “free” de manière très inventive en dynamisant le son du groupe. Et quel groupe! Alessandro Boscolo, guitare, et Valeria Marini, platines, concentrent l’agressivité électrique de cette “free improvised quintet music” et complètent leurs décharges soniques avec des sons électroniques. Elles sont balancées par les propositions du contrebassiste Walter Belloni. La présence scénique improbable d’Edoardo Ricci, un saxophoniste alto épidemique et vraiment original, se laisse aisément deviner dans ses interventions. Les inflexions très particulières de ce souffleur font qu’il ne passe pas inaperçu même dans un cédé aussi court. Le développement des improvisations a un aspect imprévisible et on ne s’ennuie que très rarement car la dynamique, l’énergie et la densité sont en constante variation. Les musiciens savent construire quelques moments réflexifs sans perdre le fil de l’aventure. La démarche “bruit bruit” ou “noise” acquiert ici une fluidité et une dimension ludique appréciables qui transcende les talents respectifs. Stefano Giust s’intègre parfaitement dans l’équipée, sa frappe précise et aventureuse attire irrésistiblement l’écoute et enrichit le son groupe. Peu de groupes censés vous procurer des frissons de ce genre et même peuplés de “pointures” notoires sont aussi réjouissants que ce Squame! J’expIique tout çà là un peu sérieusement, mais il est évident que l’assistance de ce “gig” prend un intense plaisir. Ce groupe a tous les atouts en main pour rameuter de nouveaux (jeunes?) auditeurs vers l’impro radicale.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Live report of Blistrap (Mick Beck, Jonny Drury, Stefano Giust) at The Klinker, London 2008 “Beck, Giust and Drury deliver a tripartite blitzkrieg of full-spectrum dominance skronk, mind-bending improv noise, and a rhythmic assault ranging from butterfly light to neutron star heavy. In a good way, that is. A pantechnicon of dionysian treats for the synapses, sinuses and bowels: you’re worth it!” (Zali Krishna)

(EN) Live report of Blistrap (Mick Beck, Jonny Drury, Stefano Giust) at Noise Upstairs, Manchester 2008 “An incredibly powerful trio driven by Italian drummer Stefano Giust, who never loses energy throughout the 40 min improv. Complimented by the often textural, often piercing guitar of Jonny Drury and the ever-inventive Mick Beck on sax and slide-whistle. The three seem to blend well together and yet not afraid to follow their own ideas with conviction, a great combination for free playing. Afterwards a friend said to me ‘amazing to be able to start with such intensity and then still take it up even higher.’ This is free-jazz turned up to 11…” (NU)

(EN) Review of Blistrap (Mick Beck, Jonny Drury, Stefano Giust) “On Stage” on Jazz Word 2011 “On Stage being an out-and-out Free Jazz exploration; is moreover a tribute to Beck’s talent. Initially a tenor saxophonist with the improvising big band Feet Packets, Beck has had long-time association with drummer Paul Hession and shorter collaborations with other international improvisers. Today he is as apt to be heard playing bassoon or whistles as the saxophone. Jonny Drury, guitarist, is self-taught, with his collaborators ranging from improvisers to outside rockers such as Genesis P-Orridge. Swiss-born, Pordenone-based drummer Stefano Giust completes the band. With, like Drury, an interest in electro-acoustics, the drummer has worked with the likes of saxophonist Gianni Gebbia, and cellist Tristan Honsinger. This electronic influence is obvious on the three extended improvisations that make up On Stage; so is what can be termed Giust’s overt Italianism. What that means is that at points during the performances it appears that the percussionist can restrain himself no longer and begins enthusiastically shouting, joined by verbal elucidation from the other as well. Not only is the outcome boisterous, but it’s also profoundly non-Anglo-Saxon. Similarly non-phlegmatic and unrestrained is the trio’s playing. On tenor on the first track for instance, Beck creates a montage of multiphonic overblowing, rugged slurs, horking honks and Aylerian puffs. These are met by ruffs and drags plus ratcheting cymbal slaps from the drummer and an undertow of splayed flanges and oscillated amplifier-pushed pulsations from the guitarist. As the church-bell-like chiming from Giust mixes it up with slashing licks from Drury, Beck, unfazed, brings out his slides whistles for passages that sound like a child chortling then bites hard on his sax reed for altissimo squeals. A subsequent drum-led turn to straight time relaxes the tension. Although the noise from a nearby radio or TV broadcast eventually leaks into the free-form wall-of-sound, the more-then-half-hour final track is even more spectacular. Drury’s slack-key-like exposition quickly melds with diaphragm vibratos from Beck and Giust’s pops and clicks, eventually creating a collection of mutual protoplasmic wiggles upon which the saxophonist deposits honks slurs and cistern-draining staccato bites. While the drummer’s speedy, but irregularly spaced pops and drags, involve all three in thick Energy Music, this concentrated mass is frequently interrupted by guitar reverb and striated reed notes. Midway though, the guitarist’s extruded tones meet the reedist’s ghost notes and pitch vibrations. Resolution finally arrives when saxophone’s chromatic tongue-stopping and lip-burbling plus the guitarist’s country-styled but linear finger-picking join Giust’s irregular patterning for climatic cacophony. A trio that creates memorable Free Music here.” (Ken Waxman)

Recensione dell’album Blistrap (Mick Beck, Jonny Drury, Stefano Giust) “On Stage” per Sodapop 2011 “Si tratta di un gruppo di nomi parecchio interessanti che comprende Stefano Giust alla batteria, Mick Beck al sax tenore e suoni affini e Jonny Drury alla chitarra elettrica e all’elettronica. Trattandosi di un live e di una produzione per forza di cose più grezza, la musica rimane più cruda ma allo stesso tempo molto dinamica, facendo vedere un gruppo che dal vivo non fa certo complimenti quando si tratta di spingere. Si tratta per lo più di materiali free, ma non tanto di uno sfoggio di tecnica insensato, ma di uno spingersi ai confini di ciò che si conosce. Ascoltando questo live dubito che venga in mente si possa trattare di jazz per tutti, una formazione singolare ma con delle capacità decisamente sopra le righe.” (Andrea Ferraris)

Recensione dell’album Blistrap (Mick Beck, Jonny Drury, Stefano Giust) “On Stage” per All About Jazz 2012 “Tre lunghe improvvisazioni registrate nel dicembre 2008 al The Klinker di Londra, al Noise Upstairs di Manchester e al Grind Sight Open Eye di Edinburgo. Il tutto in presa diretta con un registratore digitale, dal suono grezzo, scuro, grumoso come scuro e grumoso è l’approccio sonoro di Blistrap, denominazione dietro la quale si celano tre improvvisatori dalla mente aperta come il sassofonista Mick Beck, il chitarrista Jonny Drury e il batterista Stefano Giust. Quella contenuta in On Stage è musica libera da preconcetti, aperta al rischio, nella quale l’improvvisazione radicale scivola nel noise, ma sono solo categorie, perché i tre protagonisti sfruttano ogni pretesto, ogni brandello materico per creare suoni e dare forma alla loro visione musicale. I primi ventitré minuti hanno l’impatto di una eruzione vulcanica, il flusso sonoro ha la densità di una colata lavica che inesorabile si infiltra in ogni pertugio, si espande viscosa negli spazi possibili e impossibili. I tre musicisti si fondono con i rispettivi strumenti che a loro volta si (con)fondono in una promiscuità timbrica senza respiro, in un rito tribale e sciamanico ossessivo. Il brano seguente prosegue lungo le direttive tracciate, aprendosi al contempo verso prospettive più ampie e variegate. Il suono schiarisce, lasciando per strada le corde più cupe, gli strumenti acquistano nitidezza e si riappropriano del loro ruolo più canonico, si insinua qualche idea di groove, si intuiscono accordi e progressioni. I trentatré minuti finali sono i più visionari, con un uso significativo dell’elettronica e di oggetti vari, decisivi nel creare effetti stranianti e aprire l’esibizione a paesaggi sospesi tra le leggerezza del sogno e la pesante concretezza della quotidianità. Coraggioso.” (Vincenzo Ruggero)

Recensione dell’album Ipersensity “Second Issued” per Sands-zine 2007 “Un’elettronica radicale, gelida e dislessica. Tutto è all’insegna di un’asciuttezza espressiva ammirevole. Pagliero tramite collegamento midi invia suoni in tempo reale ad otto pads elettronici che Giust suona utilizzando le bacchette. Bizzarro ed intrigante! Il gioco in questione tende ad eludere le facili fascinazioni, i riferimenti si emulsionano uno nell’altro e poi si annullano vicendevolmente. Autistico e ritorto su se stesso, eppure vivo e stimolante.” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Stefano Giust / Daniele Pagliero “Mangiacranio” per Kathodik 2007 “Dopo l’ottimo Ipersensity, nuova immersione sensoriale nel torvo scenario acustico/elettronico prodotto dal rodato duo. Improvvisazione e composizione, una scrittura complessa dai toni accesi. Nero come pece e fuori dal coro. Una coppia affiatatissima ed originale. Elettronica carnale. Stefano Giust e Daniele Pagliero. Annotare i due nomi prego.” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Fabio Sfregola / Giorgio Pacorig / Lullo Mosso / Stefano Giust “Live at Italian Jazz Rebels” per Rockit 2008 “Buonissimo quartetto free jazz. Nei due segmenti qui proposti ci introducono in un mondo di sottili improvvisazioni, di partiture sghembe attraversate da rapidi assoli dal gusto raffinato. Il disco è godibilissimo e si ascolta con estremo piacere.” (Marcello Consonni)

Recensione dell’album Aghe Clope Ensemble (Giorgio Pacorig, Nicola Guazzaloca, Paolo Pascolo, Gianluca Varone, Andrea Gulli, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Improvisations 1-4″ per Sands-zine 2009 “Atmosfera notturna da jungle-fever della downtown. Si tratta di una super line up e nonostante ciò non spicca nessuna individualità dato che si gioca molto in modo collettivo, anzi la cosa sorprendente è il fatto che nonostante l’aggiunta di uno o due elementi lo stile della famiglia allargata non cambia di troppo. Denso, mai magmatico, molto di classe e ricco di atmosfere affascinanti.” (Andrea Ferraris)

Recensione dell’album Aghe Clope Ensemble (Giorgio Pacorig, Nicola Guazzaloca, Paolo Pascolo, Gianluca Varone, Andrea Gulli, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Improvisations 1-4″ per All About Jazz 2012 “Musiche non convenzionali è il proclama dell’etichetta indipendente Setola di Maiale e questo disco risponde pienamente a tale identificazione. La musica scorre seguendo il libero flusso dei pensieri, abbracciando un ampio spettro di riferimenti che va dall’improvvisazione radicale alla musica elettronica, dal minimal noise al rock progressivo, dalla musica contemporanea a richiami tribali. Elemento caratterizzante è il riuscito accostamento di acustico e di elettrico, di pieni e di vuoti, di furiose improvvisazioni e di momenti di stasi che corrono su un sottile filo di tensione. I contrasti tra la voce quasi efebica del flauto e le manipolazioni del laptop, tra la chitarra semi-acustica e i suoni del sintetizzatore, si rivelano ideali nel creare ambientazioni sospese e futuristiche alla maniera di Sun Ra, soprattutto per quanto riguarda gli scenari timbrici. A volte tele-trasportato nel futuro altre volte coinvolto in un sabba frastornante l’ascoltatore affronterà un viaggio che non lo potrà lasciare indifferente.” (Vincenzo Roggero)

(EN) Review of Aghe Clope Ensemble (Giorgio Pacorig, Nicola Guazzaloca, Paolo Pascolo, Gianluca Varone, Andrea Gulli, Chris Iemulo, Stefano Giust) “Improvisations 1-4″ on Jazz Word 2009 “Anchored by Swiss-born drummer Stefano Giust, who lives in Pordenone – and has played with everyone from British bassoonist Mick Beck to Italian reedist Carlo Actis Dato – Improvisation 1-4 features a septet of players doing exactly what the title implies. They range from advanced jazz improvisers such as pianist Giorgio Pacorig, tenor saxophonist Gianluca Varone and guitarist Chris Iemulo, who have worked separately with established players such as Italian drummer Zeno De Rossi, German guitarist Olaf Rupp and American cellist Tristan Honsinger; to others such as saxophonist/flautist Paolo Pascolo and laptoppist Andrea Gulli, both part of Res_et, an experimental electronica ensemble. A variant of the layered interaction is inflated still further by the Aghe Clope Ensemble with seven individual voices making their presences felt. That means the polyphonic disconnect between lyrical flute puffs, piano comping and strummed guitar sequences are made more obvious with discursive fluttering and biting from Varone’s tenor saxophone, clanking and hocketing synthesizer runs, plus the friction generated from Giust’s low-pitched flams, rebounds and bass drum whumping. The creation is only resolved when the collective suddenly stops playing, rather than with tonal concordance. Planning oversight is especially apparent during the final improvisation which zigzags among tremolo vibrations, blurry oscillations and abrasive, contact-mike amplified scrapes and rubs. Transverse, reedy breaths from the horns, ruffs and drags pressed against unyielding material and guitar twangs are audible all through the wind-tunnel-like blur, and abetted by pulsating signal-processed vamps from the synthesizer plus Varone’s unexpected introduction of video-game sounds. Eventually the miasma dissipates as dissonant guitar pulses, split-tone over-blowing from the saxophones plus drum rolls and pops come to the forefront. The piece concludes with a sharp, clean reed bite from Pascolo’s alto saxophone. Highly accomplished, unabashed free music, the Italians players on this disc can hold their own in any situations. What’s needed now is more non-local exposure for most of them.” (Ken Waxman)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per Kathodik 2007 “Nulla Esiste” vaga solitario, sposta masse pesanti non poco. Giust lascia cadere blocchi di suono sincopato in rotta di collisione continua. Malagnino rilancia. L’Amorth Duo costringe a soffermarsi. Cortocircuita ingegnosamente la consuetudine bolsa dell’ascolto svagato, la intercetta, la placca, dopo di che la sostituisce con la propria circolare visione: ed allora son cazzi. Non c’è via di mezzo, o ti alzi e spegni l’impianto, o gli presti attenzione. Costringe a riflettere. Non solo semplice improv.” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per Rocklab 2008 “Muri di suono organizzati e controllati e se ciò non bastasse, il colpo di classe: la rabbia, quella diretta, quella politica. Intendiamoci: niente proclami, è la stessa rabbia primitiva dell’Art Ensemble Of Chicago. Malagnino e Giust chiedono attenzione, in ogni minuto della loro esibizione. Un gruppo jazz travestito da orchestra noise: cazzo!” (Giorgio Pace)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per Il Tirreno 2007 “Non c’è niente di meglio per combattere la banalità musicale quotidiana: niente ritornelli e suoni preconfezionati in questo rito voodoo nel nome della guerra a quelle onde radiofoniche che, senza che ormai nessuno se ne accorga più, ammorbano l’ambiente.” (Guido Siliotto)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per Sands-zine 2007 “Il lavoro de l’Amorth Duo merita una bella specifica, infatti pur essendo incentrato sul rumorismo è molto organizzato e per nulla fatto in modo random. L’album sviluppa il rumore con un approccio free e non free-form.”(Andrea Ferraris)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per Sands-zine 2007 “Potrò raccontarmela complessa la storia, ma il silenzio della battuta finale la saprà sempre più lunga di me. Il loro album è. Carne viva che palpita. La bellezza dell’ortica, del rospo e della iena.” (M. Carcasi)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per Ondarock 2007 “Percussioni insistenti, pause melodiche e sfuriate improvvise di non-si-sa-cosa per un andamento (felicemente) sfibrante.” (Antonio Ciarletta)

Recensione dell’album L’Amorth Duo “Nulla Esiste” per SentireAscoltare 2007 “Rifrazione perenne dell’ordinario che si fa straordinario, musica che non teme confronti senza titubare su generi o sottogeneri. L’Amorth Duo, nelle parole dei protagonisti, si pone come obiettivo quello di “esorcizzare gli spazi delle onde radiofoniche”. Come contraddirli?” (Stefano Pifferi)

Recensione dell’album Black Taper Taiga per Sands-zine 2008 “Straordinario trio di astratto jazz e avant rock, composto dall’eclettica voce del poeta cantante Shawn Clocchiatti-Oakey, dalla chitarra avant di Matteo Perissuti e dalla batteria irrefrenabile di Stefano Giust, alle prese con numeri di alto livello. Ha una sola grande pecca questo disco: dura troppo poco. Veramente grande.” (Alfredo Rastelli)

Recensione dell’album Skinstrings “Dog eat Dog” per Blow Up n.93, 2006 “Siamo sopra la scorza del cuore duro del rock. Un’esercitazione testosteronica sull’essenza ritmico-sessuale d’un genere abbondantemente desublimato. Portato allo stremo. Una parodia tragica del genere e oltre (Necro TV). La line up batteria (Stefano Giust) e basso (Fred Casadei) è garanzia di qualità. Grind rock e math noise sono espedienti, specchietti per allodole.” (Dionisio Capuano)

(FR) Chronique de Giuseppe Mariani / Vito Maria Laforgia / Stefano Giust “La Città è Piccola di Notte e mi Sento un Cane” par Improjazz 2004 “Etrange combinaison que ce trio d’improvisateurs italiens. Encore un bel exemple de la vivacité de la scène improvisée italienne, qui ne s’embarrasse ni de folklore ni de fioritures pour nous exposer un travail passionnant”. Philippe Renaud, Improjazz.” (Philippe Renaud)

Live report del trio Giuseppe Mariani / Vito Maria Laforgia / Stefano Giust al festival Scatole Sonore (Roma) per Sands-zine 2007 “Il set del trio si muove tra forti intellettualizzazioni jazz dalle tinte chiaroscure, con Stefano Giust che ancora una volta si rivela batterista impressionante e dagli orizzonti pressoché infiniti.” (Giorgio Pace)

(EN) Review of Suonimmagine (Giuseppe Mariani, Vito Maria Laforgia, Stefano Giust) “Live at Teatro Miela” on Chain D.L.K. 2006 “The first time I’ve heard about Stefano Giust was a while ago, I knew he was not just the man behind Setola di Maiale but also a talented musician. What’s surprisingly good here, is the attention they have for improvisation meant as extemporary composition (as Braxton and many others would define it). Every musician’s tension is in control while waiting for his turn. This cd is soft, well recorded and deep.” (Andrea Ferraris)

Solo works

Recensione dell’album Stefano Giust “MKUltra” per Sands-zine 2007 “Sentire MKUltra ci induce nuovamente a rimuginare sul semplice dato di fatto che Stefano Giust è uno dei migliori (e più curiosi) rappresentanti della scena impro (e non solo) italiana. Macchina ritmica implacabile e flessuosa, forte di un bagaglio impressionante, Giust elude abilmente il pericolo esposizione autistica, innervando la sua ricerca di una nervosa attitudine comunicativa fuori dall’ordinario. Il bagaglio artistico/professionale di Giust d’altronde chiarisce in modo esaustivo sul dove e come si sia potuto sviluppare un linguaggio cosi personale; lunghi anni di militanza e rigore estetico/politico/formale. Siamo dalle parti dell’eccellenza!” (Marco Carcasi)

Recensione dell’album Stefano Giust “MKUltra” per Rockit 2008 “Un lavoro di pura ipnosi, dove i suoni flessuosi e cupi sui quali Stefano Giust ha agito con il suo consueto lavoro di destrutturazione, vengono spezzati dal ritmo circolare di suoni glitch, con lievi ma complesse variazioni. Giust crea un live set unico, di esplorazione sonora senza limite, costruito su ritmi incalzanti. Un lavoro che ha bisogno di un capace background elettronico, un lavoro come pochi se ne ascoltano al momento, un’importante quadro di ricerca mai fine a se stesso. Se vogliamo un piccolo gioiello di sperimentazione oculata.” (Oscar Cini)

Recensione dell’album Stefano Giust “MKUltra” per RockLab 2007 “Quella di Giust è musica ossessionante e meccanica che si regge sull’assenza/presenza di ritmo e sull’assenza/presenza di melodia. Ciò che colpisce è il sapere che il tutto è retto dal solo ausilio di una batteria elettronica, senza neanche un overdub: una comunicatività che rapisce e distrugge, trema e vibra.” (Giorgio Pace)

Recensione dell’album Stefano Giust “MKUltra” per Audiodrome 2007 “È impressionante quanta buona musica riesca a pubblicare/produrre Giust, e quanto sia alternativo a tutti i circuiti. MKUltra è un’esperienza sonica non da poco.” (Fabrizio Garau)

(EN) Review of Stefano Giust “Linked” on Chain D.L.K. 2006 “Like it or not together with Zu, Roy Paci, Stefano Giust is one of the most prolific extravagant 360° musician coming from Italy at the moment. This is an electronic release but a really atypical one above all for the creative procedure. All of the rhythms and loops have been played live on Yamaha keyboard and electronic pads and recorded via digital effect processor into a Yamaha recorder that means no computer has been involved neither in the performance nor in the recording. This guy is into every form of improvisation acoustic/analog/electric.” (Andrea Ferraris)

Recensione dell’album Stefano Giust “Linked” per Musicologi 2004 “Da qualche tempo a questa parte la linea di tendenza intrapresa dalla musica elettronica sembra essere vincolata alle possibilità tecnologiche, piuttosto che alla ricerca di nuove soluzioni creative. Stefano Giust con Linked si avventura in quella frontiera dell’elettronica che non rincorre il perfezionamento di modelli estetici quasi sempre uguali, ma sfrutta le possibilità offerte dall’elettronica in combinazioni nuove. Semi-improvvisazioni fra sonorità techno e sperimentalismo avanguardistico decisamente interessante.” (Mauro Mazzocut)

Recensione dell’album Stefano Giust “Musiche delle Circostanze” per A-rivista anarchica, 2000 “Una sorta di Steve Reich punk ed incazzato, o febbricitante, meglio.” (Marco Pandin)

Recensione dell’album Stefano Giust “Ripercuotere (solo drumming)” per A-rivista anarchica n.266, 2000 “Una costante negli ascolti dei lavori di Stefano, è la sua altalenanza tra una certa attitudine seria e il divertimento più spontaneo. Mi sembra anche che sia consapevole delle proprie abilità strumentali e che ne faccia un saggio uso, senza sconfinare nel virtuosismo fine a se stesso. Per realizzare “Ripercuotere” ha ritagliato una selezione da una maratona di dieci ore di improvvisazione libera notturna.” (Marco Pandin)

Recensione dell’album Stefano Giust “Ripercuotere (solo drumming)” per Blow Up n.12 e n.19, 1999 “Ecco l’avanguardia del sopraffino ed atletico batterista Stefano Giust: “Ripercuotere” è il perfetto esempio di ecologia acustica e, allo stesso tempo, dell’atleticità di Giust. (…) Il suo approccio è tutt’altro che virtuosistico, o meglio, è in grado come pochi, di concentrare le sue capacità per creare pattern minimali che si incastrano alla perfezione nel silenzio, nei minimi “drones” in emulazione e in gara con il suo doppio elettronico, la drum machine. Massimo significato con minimo significante.” (Francesco Vignotto)

Recensione dell’album Stefano Giust “Margini di Riciclo” per Blow Up n.19, 1999 “Una primitiva tecnica di djing: un normale amplificatore stereo i cui selettori permettono di suonare le diverse entrate contemporaneamente, due piastre di registrazione, un giradischi e una radio. Un vero Frankenstein compattatore, composto da frattaglie techno-hardcore, proto big beat e cyber metal fulminanti.” (Francesco Vignotto)

Recensione dell’album Stefano Giust “Opera – The Silence Of The Noise That Collapses” per Rockstar n.70 1986 “Un suono più che delirante, superdistorto, straordinario nella sua totale follia elettrica.” (Stefano Bonagura)

Brevi recensioni degli album di Stefano Giust per Percorsi Musicali, 2013 “Di lui, in una discografia oramai vastissima, si apprezzano moltissimo i progetti solistici che vanno dall’antemico “Opera – The silence of the noise that Collapses” a “Margini di Riciclo” (un’opera “concreta” basata sull’utilizzazione di un impianto stereofonico casalingo approcciato a nastri magnetici), a “Musiche delle Circostanze” (interamente incentrato su pads elettronici minimali riproducenti interazioni coi suoni del vibrafono, marimba e xilophono), a “Pezzi Circolari” (un album domestico in cui suona di tutto dai tamburi al flauto dolce, dalla chitarra ad oggetti vari); poi si continua con MKUltra (un’esperimento in territorio minimal-techno). Se avete la pazienza di scandagliare la sua discografia (così come ho fatto io stimolato da alcuni ascolti), vi renderete conto di trovarvi di fronte ad un percussionista eclettico, fuori dagli schemi…” (Ettore Garzia)

About Setola di Maiale

Percorsi Musicali 2014 “Uno dei principali pregi della Setola di Maiale di Stefano Giust è quella di saper scegliere con criteri uniformi le tipologie di progetti che versano nell’ambiente apparentemente comatoso che interseca i mondi della libera improvvisazione, del jazz, dell’elettronica e della sperimentazione sonora. Si potrebbe parlare anche di gestione della musica non organica, quella che siamo abituati a scartare senza dargli nessuna possibilità. A prescindere dal raggiungimento di un’educazione musicale apposita, utile per apprezzare con efficace discernimento la varietà progettuale dei partecipanti, spesso basterebbe chiedersi quale possa essere il collegamento tra la musica e le idee e cercare dei possibili punti in comune.” (Ettore Garzia)

Percorsi Musicali 2017 “Un commento globale sull’ultima tornata di novità della Setola di Maiale (…) il merito va al produttore più intelligente che abbiamo in Italia in questo momento: Stefano Giust.” (Ettore Garzia)

(EN) Chitarra e Dintorni-Nuove Musiche 2014 “Those who follow my blog know my “affection” towards Setola di Maiale, Italian independent label whom, thanks to the consistent efforts of his founder Stefano Giust, from over twenty-years is devoted to improvisation and the more free and independent musical thoughts.” (Andrea Aguzzi)

Battiti Rai Radio Tre (2009) “Una etichetta splendida!” (Pino Saulo)

(EN) Improvised 2014 “I have to thank Free Jazz Blog for introducing me to the Italian musician-owned label Setola di Maiale, a musician’s collective started in 1993 by drummer Stefano Giust to document work in a high-quality cdr format. Solos, duos, trios and a quintet are all represented, along with a variety of approaches from through-composed music to totally free.” (Graig Premo)

(EN) Amirani Records 2012 “Setola di Maiale, the most prolific european avant-garde label, heroic presence and unmistakable reference for improvisation, experimental and advancend, talented projects from all over the world.” (Gianni Mimmo)

Solar Ipse 2014 “Setola di Maiale, un catalogo “monstre” di titoli veleggianti nelle musiche di ricerca più incredibili che possiate immaginare.” (Loris Zecchin)

Live report della terza edizione del Festival Setolare per All About Jazz 2003 “Il programma, curato interamente da Giust, è denso con più di venti musicisti e performers all’opera. Caratteristica dell’iniziativa è infatti la compresenza di musica e arte visiva in sintonia con un sentire multidisciplinare che è oramai una costante dell’arte contemporanea. L’alternarsi e il mescolarsi di concerti, performance, proiezioni nei diversi spazi del complesso e il loro spiccato carattere gestuale e multilinguistico ne hanno costituito l’elemento di originalità. Una scena molto varia e vitale ma che non ha molte finestre nel mondo dei media. Il Festival Setolare si candida a colmare questa lacuna e a rappresentare un punto di riferimento per artisti e pubblico interessati a questi percorsi.” (Flavio Massarutto)

Alias/Il Manifesto “In Emilia il batterista pordenonese Stefano Giust ha accampato la sua etichetta Setola di Maiale, oggi punto di riferimento irrinunciabile della free music nazionale e oltre.” (Flavio Massarutto)

(EN) Taran’s Free Jazz Hour 2011 “A wonderful Italian record label!” (Mr. Taran)

Distorsioni 2015 “Stefano Giust, con Setola di Maiale, ci ha abituati a produzioni di altissimo livello artistico.” (Alessandro Seravalle)

(FR) Improjazz 2009 “Ce label Setola di Maiale dirigé par le percussionniste Stefano Giust documente exclusivement la face la moins visible de la scène italienne avec une productivité et une diversité étonnantes. Depuis 1993, plus de 150 cédés avec un nombre incalculable d’artistes locaux et parmi eux très peu de personnalités en vue. Considérant les difficultés dans lesquelles se débat cette scène très active, mais sans moyens comparables à certains pays voisins (France, Suisse, Autriche), le travail de Stefano Giust est tout bonnement miraculeux. Je donne dix sur dix pour le label Setola di Maiale, sans doute un des deux ou trois labels les plus incontournables de la péninsule au catalogue exponentiel recelant des choses excellentes.”
“…Vorrei anche dire che conosco molto bene il mondo delle label d’improvvisazione e non esiste una label così, con tante uscite focalizzate sulla scena e con questa grande diversità di stili e di progetti. Nessun’altra! E quando si sa che non è aiutata da finanziamenti statali, è veramente un miracolo. Conosco tanti artisti che hanno l’attitudine estetica radicale ma con un comportamento opportunista/mercantile… Setola di Maiale ha una posizione veramente radicale per il suo fare sociale e culturale.” (Jean-Michel Van Schouwburg)

(EN) Jazz Word 2009 “With the proliferation of mass communication devices – specifically but not exclusively the Internet and its ancillary cousins – improvisers who in the past would be experimenting in isolation now find their advances affected by far-away players with similar ideas. Partially because of this information flow, a network of non-mainstream collaborative groups has developed and thrived. While it’s the nature of modernity that major centres such as Berlin, New York, London, Toronto or Paris still attract the majority of committed improvisers, healthy scenes are visible just about everywhere. Most deserve more exposure. One notable, but relatively unknown, scene is centred in the northern Italian city of Bologna and nearby population centres. Clustered around the performance space provided by the Ivan Illich School of Music, improvisers of all backgrounds – from jazz, notated music, noise and rock – can exchange ideas, play together and sometimes even tour their music elsewhere. These discs on the DIY Setola Di Maiale label showcase notable instances.” (Ken Waxman)

(EN) Improvising Beings 2015 “This is one of the most vital label nowadays. And of course it receives no praise… Actually this is a catalog that is totally on par with Clean Feed, Not Two, NoBusiness, or mine for all I know. And sometimes it has more sheer true improv/research/genre bending music than the others. It’s just so damn impossible to get exposure these day… makes me really angry. I think we are true warriors here, but the war sometimes leaves deep, deep scars… But again, the battle is not lost and I count on you to continue the fight in the meantime.” (Palomo Julien)

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